Gemälde von Frank Faulkner

Die Tiefe dieses Stücks ist beeindruckend und man hat das Gefühl, als würde man eine wunderschön gearbeitete große Bronzetür betrachten - denken Sie an Forms & Surfaces. Frank Faulkner (1946 - 2018) von Philip Herrera, 2006: Der 1946 in Sumter, South Carolina, geborene Frank Faulkner erwarb 1968 seinen B.F.A. an der University of North Carolina, Phi Beta Kappa, und 1972 seinen M.F.A. an derselben Institution. Faulkners Arbeiten brachten ihm schnell zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen ein, darunter 1974 ein individuelles Künstlerstipendium des National Endowment for the Arts. Er wurde 1975 für die Whitney Biennale ausgewählt, was ihn dazu veranlasste, sich in New York niederzulassen. Dort entdeckte er Dorothy Miller, emeritierte Kuratorin des Museum of Modern Art, mit einem legendären Auge für neues Talent. Seitdem hat Faulkner weiterhin Anerkennung und Auszeichnungen erhalten. Er war in Dutzenden von Einzelausstellungen (auch hier zu erwähnen die Gruppenausstellungen) in diesem Land sowie in Japan, der Schweiz und Deutschland vertreten. Faulkners Werke befinden sich im Besitz führender Museen (z. B. des Smith College Museum in Northampton, Massachusetts, des National Museum of American Art und des Hirshhorn in Washington, D.C.) und von renommierten Sammlern wie Nelson Rockefeller, Baron Leon Lambert, Phillip Hanes und Abba Eban. Auf den ersten Blick fällt dem Betrachter die schlichte Eleganz der Stücke auf, unabhängig davon, welche Materialien Faulkner verwendet: Metall, Holz und Stoff sowie Leinwand und Papier. Auch die Originalität des Künstlers ist beeindruckend. Faulkner gehört nicht zu einer Schule. Seine Werke sind gemustert, sind aber viel zu intellektuell, um sie als so genannte Musterkunst zu bezeichnen, die hauptsächlich darauf ausgerichtet ist, nur schön zu sein. Stattdessen malt er auf seine eigene, sehr organisierte Weise und füllt die Oberfläche aus, ohne übermäßig oder langweilig zu sein. Faulkner richtet ein System aus Punkten oder Strichen ein und verändert dann subtil die visuellen Rhythmen, um dem zu Leben und Überraschungen zu verleihen, was er die Gymnastik des Sehens nennt. Er arbeitet und überarbeitet die Oberflächen seiner Leinwände, indem er oft eine dünne Schicht leicht reflektierender Gold-, Silber- oder Bronzefarbe auf eine andere aufträgt, bis das endgültige Werk mit innerem Licht zu leuchten scheint. John Ashbery, ein führender Kritiker und Dichter, hat Faulkners Kunst mit minimalistischer Musik verglichen, die durch ihre obsessiven Wiederholungen sowohl Einfachheit als auch Schönheit erreicht. Der Kritiker Carter Ratcliff beschreibt ihn eher einfach als brillantes Kunstwerk. Faulkners aktuelle Arbeit, eine Serie von Gemälden auf Papier, setzt diese Erforschung der Beziehung zwischen schmiedeeiserner Oberfläche und wechselndem Licht fort und vertieft diese Erkundung der Beziehung. Ein auffälliger Aspekt des Werks ist der Einfluss der dekorativen Künste. Faulkner hat einige Gemälde auf Holz gefertigt, die unabhängig stehen und sich wie Leinwände öffnen lassen. Andere Stücke ähneln großen Wandteppichen, und doch andere lassen sich von Jugendstileinlagen inspirieren. Faulkner wird seine Quellen schnell zu erkennen. Für ihn sind die angewandten Künste untrennbar mit der bildenden Kunst identisch. Er kennt und liebt Samurai...