Robert Indiana
Liebe ist Gott, 2014
Siebdruck auf 2 Lagen aufsteigendem Museumskarton
32 × 32 Zoll
Handsigniert und nummeriert 33/50 in Graphitstift auf der Vorderseite
Ungerahmt
Einer der tiefgründigsten Siebdrucke, die Robert Indiana je geschaffen hat; eines seiner letzten Werke aus dem Jahr 2014. Dieser Siebdruck auf Museumskarton ist mit Bleistift signiert und nummeriert und stammt aus einer limitierten Auflage von nur 50 Stück. Begleitet von einem COA des Verlags und einem COA der Galerie. Dieser Druck basiert auf dem gleichnamigen Originalgemälde auf Leinwand: Er ist in Wirklichkeit subversiver, als es den Anschein hat. Robert Indiana beschrieb den Ursprung dieses Gemäldes wie folgt:
"Nun, es begann wahrscheinlich schon vor langer, langer Zeit, und es hat natürlich eher einen spirituellen als einen erotischen Ursprung. Als Kind habe ich die Christian Science Kirche kennengelernt und mit ihr zu tun gehabt, und alle Christian Science Kirchen sind sehr prüde und rein. Die meisten von ihnen haben keinerlei Dekoration, keine Glasfenster, keine Schnitzereien, keine Gemälde, und in der Tat gibt es in einer christlich-wissenschaftlichen Kirche nur eine einzige Sache, und das ist eine kleine, sehr geschmackvolle Inschrift in Gold, normalerweise über der Plattform, auf der die Vorleser den Gottesdienst halten. Und diese Aufschrift lautet Gott ist Liebe.
Vor ein paar Jahren, Mitte der sechziger Jahre, hatte [Larry Aldrich] . . die Idee, seine recht umfangreiche Privatsammlung einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich zu machen. In Ridgefield stand zufällig ein Gebäude zur Verfügung, das zu Beginn des neunzehnten Jahrhunderts ein Lebensmittelgeschäft gewesen war ... Dieses Lebensmittelgeschäft wurde später, irgendwann in den 1920er Jahren, zu einer Christian-Science-Kirche. Dann wollten die Christlichen Wissenschaftler bessere Einrichtungen und bauten sich eine neue Kirche nebenan.
Ich war auf einer Party in Andy Warhols alter Factory, und Aldrich war da. Ich kannte ihn nicht sehr gut, aber gut genug, um ihn zu konfrontieren. Ich war ein wenig pikiert, weil er kein Indiana hatte, und ich dachte, er sollte es haben. Ich teilte ihm mit, dass sich eine hervorragende Gelegenheit für ein besonderes Indiana ergeben würde, denn da er sein Museum in einer ehemaligen christlich-wissenschaftlichen Kirche einrichtete, hatte ich die Idee, ein besonderes Gemälde nur für ihn zu malen. Und das war die Umkehrung des religiösen Mottos. Auf meinem Bild stand stattdessen Liebe ist Gott.
. . . Obwohl die Leinwand Love Is God nichts mit dem zu tun hat, was inzwischen zu einem Logo geworden ist, hat sie mich zum Nachdenken über das Thema Liebe gebracht. Ich war einmal als Schreibkraft für den Mann angestellt, der später Bischof von Kalifornien werden sollte - der damalige Dekan [James A.] Pike, später Bischof Pike, und jetzt in einer Art Heiligenstatus, nehme ich an. Er hat sich natürlich intensiv mit dem Thema Liebe beschäftigt, vor allem aus kirchlicher Sicht.
All diese Dinge kamen irgendwie zusammen. Ich arbeite gerne auf einer quadratischen Leinwand, denn die Art und Weise, wie ich die Buchstaben auftrage, ist die sparsamste, die dynamischste Art, vier Buchstaben auf eine quadratische Leinwand zu bringen..."
So ist die LIEBE entstanden.
ROBERT INDIANA BIOGRAPHIE
Robert Indiana ist eine der herausragenden Persönlichkeiten der amerikanischen Kunst seit den 1960er Jahren und spielte eine zentrale Rolle bei der Entwicklung der Assemblagekunst, der Hard-Edge-Malerei und der Pop Art.
Indiana, ein selbsternannter "amerikanischer Zeichenmaler", schuf ein höchst originelles Werk, das die amerikanische Identität, die persönliche Geschichte und die Macht der Abstraktion und der Sprache erforscht, und schuf damit ein wichtiges Vermächtnis, das im Werk vieler zeitgenössischer Künstler nachhallt, die das geschriebene Wort zu einem zentralen Element ihres Schaffens machen.
Robert Indiana wurde am 13. September 1928 als Robert Clark in New Castle, Indiana, geboren. Als Säugling adoptiert, verbrachte er seine Kindheit mit häufigen Umzügen in seinem Heimatstaat. Seine künstlerische Begabung zeigte sich schon früh, und die Anerkennung durch einen Lehrer der ersten Klasse bestärkte ihn in seinem Entschluss, Künstler zu werden. Im Jahr 1942 zog Indiana nach Indianapolis, um die Arsenal Technical High School zu besuchen, die für ihren starken künstlerischen Lehrplan bekannt war. Nach seinem Abschluss verbrachte er drei Jahre in der U.S. Air Force und studierte anschließend am Art Institute of Chicago, an der Skowhegan School of Sculpture and Painting in Maine und am Edinburgh College of Art in Schottland.
1956, zwei Jahre nach seinem Umzug nach New York, lernte Indiana Ellsworth Kelly kennen und ließ sich auf dessen Empfehlung hin in Coenties Slip nieder, einem einst bedeutenden Hafen an der Südostspitze Manhattans. Dort schloss er sich einer Gemeinschaft von Künstlern an, zu der auch Kelly, Agnes Martin, James Rosenquist und Jack Youngerman gehören sollten. Die Umgebung des Slip hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Indianas Werk, und zu seinen frühen Gemälden gehört eine Serie von doppelten Ginkgoblättern mit harten Kanten, die von den Bäumen im nahe gelegenen Jeannette Park inspiriert sind. Er hat die Ginkgo-Form auch in sein neunzehn Fuß großes Wandgemälde Stavrosis (1958) integriert, eine Kreuzigung, die er aus vierundvierzig Blättern Papier zusammengesetzt hat, die er auf seinem Dachboden fand. Nach Abschluss dieser Arbeit nahm Indiana den Namen seines Heimatstaates als seinen eigenen an.
Wie einige seiner Künstlerkollegen durchforstete Indiana die verlassenen Lagerhäuser der Gegend nach Materialien und schuf skulpturale Assemblagen aus alten Holzbalken, verrosteten Metallrädern und anderen Überbleibseln des Schifffahrtsgewerbes, das in Coenties Slip floriert hatte. Zwar schuf er hängende Werke wie Jeanne d'Arc (1960-62) und Wall of China (1960-61), doch die meisten waren freistehende Konstruktionen, die Indiana nach den Skulpturen, die im antiken Griechenland und Rom als Grenzmarkierungen an Kreuzungen dienten, "Hermen" nannte. Die Entdeckung von Messingschablonen aus dem neunzehnten Jahrhundert führte dazu, dass er sowohl in diese Skulpturen als auch in die Leinwände leuchtend farbige Zahlen und kurze, emotional aufgeladene Wörter einfügte, die zur Grundlage seines neuen malerischen Vokabulars wurden.
-Mit freundlicher Genehmigung der PACE Gallery