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Tracey Emin
Tracey Emin: Works 1963-2006 (handsigniert und datiert von Tracey Emin)
2006

Name: Tracey Emin: Works 1963-2006 (handsigniert und datiert von Tracey Emin)
Brand: Tracey Emin
Rating: 5 (65 reviews)

Preis:880,89 $

1.000 $Listenpreis

Angaben zum Objekt

Tracey Emin Tracey Emin: Werke 1963-2006 (handsigniert und datiert von Tracey Emin), 2006 Gebundene Monografie mit Schutzumschlag (handsigniert und datiert 2013 von Tracey Emin) Fett signiert und datiert 2013 von Tracey Emin auf der ersten vorderen Endseite 12 3/4 × 9 3/4 × 1 1/2 in Diese umfangreiche, reich illustrierte, gebundene Monografie mit Schutzumschlag wurde anlässlich der Tracey Emin-Ausstellung I Followed You to the Sun bei Lehmann Maupin am 1. Mai 2013 für den heutigen Besitzer signiert und datiert. Informationen zum Buch: Herausgeber : Rizzoli; Erste Ausgabe ( 2006) Hardcover : 414 Seiten mit farbigen Abbildungen Klappentext des Verlags: Emin, die bekannteste der berüchtigten Young British Artists, hat mit ihrer sehr persönlichen und äußerst originellen Kunst ebenso viele Kontroversen wie Beifall ausgelöst. Emins Werke sind fesselnd, aufreizend, verstörend und von erschreckender Offenheit. Eines ihrer bekanntesten Werke ist Everyone I Ever Slept With 1963-1995, ein mit Namen appliziertes Zelt. Ein weiteres berüchtigtes Werk, My Bed - die Szene, in der sie vier Tage lang über Selbstmord nachdachte - wurde in der Tate Britain ausgestellt, als die Künstlerin 1999 in die engere Auswahl für den Turner-Preis kam. Obwohl Emin anfangs von konservativen Kritikern angeprangert wurde, hat ihr Werk mehr als ein Jahrzehnt lang die Aufmerksamkeit der Kritiker auf sich gezogen. In den Worten von Art in America: "Was Emin bekannt gemacht hat, war der Schockwert, aber was ihre Arbeit auch weiterhin stark macht, ist die Stärke und Nuanciertheit ihrer Form und ihres Inhalts." In enger Collaboration mit der Künstlerin selbst zusammengestellt und in seinem Umfang beispiellos, ist dies das maßgebliche Buch über Emin, das Zeichnungen, Gemälde, Skulpturen, Applikationen und Stickereien, Neon- und Videostills sowie ihre eigenen Texte enthält. Redaktionelle Bewertungen "Großzügig illustriert mit Farb- und Schwarz-Weiß-Reproduktionen..." -- 03/01/07 LIBRARY JOURNAL "Die 300 Bilder erinnern uns an ihren frischen Blick auf die Kunst der schmutzigen Mädchen, der verwundeten Seelen und des Schockwerts, der die Kunstwelt seit fast 20 Jahren in Atem hält." -- Oct06 BLACK BOOK -- "...so umfassend zusammengestellt, dass wir ziemlich leicht davon überzeugt sind, dass ihre wilde Parade es wert ist, sie noch einmal zu erleben." -- 12/10/06 CHICAGO TRIBUNE Über Tracey Emin: Selbstporträt und Akt ziehen sich wie ein roter Faden durch ihre Arbeit, die Emin als "Übergangsriten, Zeit und Alter und die einfache Erkenntnis, dass wir immer allein sind" beschreibt. Ihre frühesten Arbeiten beziehen sich auf ihre Familie, ihre Kindheit und ihre chaotischen Teenagerjahre, in denen sie in der Küstenstadt Margate aufwuchs und im Alter von fünfzehn Jahren von zu Hause auszog. Was dann geschah, wird auf eine weder tragische noch sentimentale Weise in Zeichnung, Malerei, Film, Fotografie, genähter Applikation, Skulptur, Neon und Schrift erforscht, da sich die Wechselfälle von Beziehungen, Schwangerschaften und Abtreibungen mit ihrem Engagement für die formalen Disziplinen der Kunst überschneiden. In jüngster Zeit hat die Künstlerin ihren Körper als Schlachtfeld erlebt, durch Krankheit und Alterung, über die sie mit charakteristischer Unerschrockenheit berichtet. Der spielerische Titel von Emins erster Einzelausstellung, My Major Retrospective 1963-1993, deutet darauf hin, dass die Künstlerin das Gefühl hatte, obwohl sie erst am Anfang ihrer Karriere stand, seien bereits bedeutende Dinge geschehen.Zu ihrer obsessiven Sammlung persönlicher Erinnerungsstücke gehörten winzige Fotos von Gemälden ihrer Kunstschule, die sie zerstört hatte, ein "fotografischer Friedhof", der ihre Bewunderung für Gemälde von Egon Schiele und Edvard Munch offenbart.Diesen "emotionalen Selbstmord" beschreibt sie ausführlich in Tracey Emins CV Cunt Vernacular (1997), einer von mehreren frühen Videoarbeiten, die einen weiteren Einblick in ihre Entwicklung als Künstlerin geben und Momente der Epiphanie durch die Verwendung der Ich-Erzählung hervorheben. Ich erkannte, dass dies die Essenz der Kreativität war, der Moment der Empfängnis", sagt sie in How It Feels (1996), einem entscheidenden Film, in dem sie die Geschichte ihrer Abtreibung erzählt. Das ganze Wesen von allem... es musste darum gehen, wo es wirklich herkommt". Während eines Spaziergangs durch die Straßen Londons spricht sie in die Kamera und kommt zu dem Schluss, dass die Konzeptkunst als Akt der Reproduktion untrennbar mit dem Innenleben des Künstlers verbunden ist. Der eindringliche Film Homage to Edvard Munch and All My Dead Children (1998) zeigt die Künstlerin auf dem Pier in der Nähe von Munchs Haus, nackt und in Fötusstellung, während die Morgendämmerung über dem Wasser aufsteigt und sie ihren Kopf hebt und schreit - eine gutturale Antwort auf das ikonische Bild des großen Malers. 1998 schuf Emin My Bed, eine unzensierte Präsentation ihres persönlichsten Lebensraums. Das Doppelbett ist von seiner Funktion abstrahiert, es steht auf dem Boden der Galerie, im Gespräch mit der Kunstgeschichte und als Bühne für Lebensereignisse: Geburt, Schlaf, Sex, Depression, Krankheit, Tod. Die Anhäufung von realen Gegenständen (Hausschuhe, Kondome, Zigaretten, leere Flaschen, Unterwäsche) auf und um das ungemachte Bett baut ein Porträt des Künstlers mit erfrischender Nüchternheit auf, das sich über Konventionen hinwegsetzt und zeigt, was die meisten Menschen für sich behalten würden. Das Werk erlangte im Rahmen des Turner-Preises internationale Aufmerksamkeit und brachte Emin ins öffentliche Bewusstsein. Ein weiteres Werk, das zu einem Synonym für ihre Kunst der Offenlegung wurde, war die Skulptur Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995, zerstört 2004), bei der die Namen all derer, mit denen sie jemals ein Bett geteilt hat - Freunde, Liebhaber und Familie - auf die Innenseite eines Zeltes genäht wurden, ein Kriechraum, der den Betrachter einlädt, über sein eigenes Inventar nachzudenken. Als explizit feministische Künstlerin, die den Einfluss ihrer Freundin und Kollaborateurin Louise Bourgeois anerkennt, ist Emins Wahl des Mediums ein wesentlicher Bestandteil der Geschichte, die sie erzählt. In handgestickten Decken und Quilts, die traditionell mit Frauenarbeit assoziiert werden, durchdringt sie das visuelle Feld mit Wörtern, indem sie Fetzen aus verschiedenen Materialien mit ungleichmäßigen Nähten kombiniert, um Aussagen zu buchstabieren, deren Syntax und Rechtschreibung unkorrigiert bleiben. Mit Titeln wie "Mad Tracey from Margate". Everyone's been there" (1997) oder "Helter Fucking Skelter" (2001) zeigen die hohe Sensibilität der Künstlerin für die Ansichten ihrer Mitmenschen und sind eine Antwort auf die jahrhundertelang von männlichen Künstlern dominierte Klassifizierung der bildenden Kunst, ebenso wie das Medium selbst. Als sie selbst national und international in die Schlagzeilen geriet, nutzte Emin die Publicity, um andere Anstandsregeln in der professionellen Kunstwelt auf den Kopf zu stellen - wie etwa, niemals zu viel zu erklären. In ihren Memoiren Strangeland (2005) beschreibt sie in längerer Form ihren Weg zu einer "abgefuckten, verrückten, magersüchtig-alkoholkranken, kinderlosen, schönen Frau". Ich hätte mir nie träumen lassen, dass es so sein würde.' Der Text ist gespickt mit Rechtschreibfehlern, die die Form herausfordern und ein Gefühl des ungefilterten Prozesses vermitteln, wie es auch bei ihrer langjährigen Zeitungskolumne für The Independent (2005-09) der Fall war, in der sie unter dem Titel My Life in a Column" ihr wöchentliches Treiben schilderte. Emins fortlaufende Serie von Neonbildern zeigt Textfetzen in ihrer erkennbaren schrägen Handschrift, die flüchtige Gedanken und Gefühle als Aphorismen überhöhen: You touch my Soul (2020), I Longed For you (2019) oder I don't Believe in Love but I believe in you (2012). Ihre Formulierung von Aussagen in der zweiten Person hat den Effekt, dass sie den Betrachter direkt in die Situation hineinversetzt, und kann eine ganze Romanze in einem prägnanten Satz zusammenfassen, wie in I want my time with You (2018), einer zwanzig Meter breiten Leuchtreklame, die Passagiere am Londoner Bahnhof St. Pancras empfängt. Die Neonfarben, die seit den 1990er Jahren ein wichtiger Bestandteil ihrer Arbeit sind, erinnern an die Lichter der Strandpromenade von Margate und vermitteln das Gefühl von Abenddämmerung und verblichenem Glamour. Ihr Geburtsort ist ein ständiges Thema; er taucht in großformatigen Skulpturen wieder auf, in denen wiedergewonnenes Holz und gefundene Materialien zu zerklüfteten Strukturen zusammengefügt werden, die auf den Strand, die Seebrücke, die Hütten und die Gezeitenmarkierungen anspielen. Auf den berühmten Vergnügungspark "Dreamland" in Margate wird in mehreren Werken Bezug genommen, darunter Self-Portrait (2001), das das Treiben auf dem Vergnügungspark nachstellt, und It's Not the Way I want to Die (2005), das an die wellenförmige Achterbahn aus klapprigem, abgenutztem Holz erinnert, die bis zum Zusammenbruch brüchig ist. Margate ist "ein Teil von mir", sagt Emin, und während sie zurückblickt, blickt sie nun in die Zukunft mit der Gründung der TKE Studios, einer neuen Kunstschule und Künstlerateliers. Fragen der Sterblichkeit und der zentralen Bedeutung des weiblichen Fortpflanzungskörpers sind der Antrieb für The Mother (2021), eine von Emins bedeutendsten öffentlichen Skulpturen. Das Werk, das dauerhaft neben dem neuen Munch-Museum in Oslo steht, erinnert an den Tod ihrer eigenen Mutter und schließt den Kreis ihrer lebenslangen Bewunderung für Munch. Die fünfzehn Tonnen schwere und neun Meter hohe Frau mit den "zum Fjord geöffneten Beinen" ist weithin über Land und Wasser sichtbar, ein Denkmal für die weibliche Figur als Beschützerin, ohne ihre Verletzlichkeit oder Erotik zu vernachlässigen. Im Gegensatz dazu wurde Baby Things, Emins akkurate Wiedergabe von winzigen verlorenen Kinderschuhen und -kleidern in Bronze, wie zufällig vor dem Britischen Pavillon auf der Biennale in Venedig (2007) und im Rahmen der Folkestone Triennial (2008) installiert - intime Andenken, die unbeabsichtigt eine Reihe von Reaktionen hervorrufen könnten, von der Angst um die, die wir am meisten lieben, bis hin zur Gleichgültigkeit, mit der wir ein weggeworfenes Objekt behandeln. In jüngster Zeit wurde Emins Arbeit durch ihre ernste medizinische Situation belastet, denn im Jahr 2020 wurde bei ihr Blasenkrebs diagnostiziert. In den Self-Portraits, die die Künstlerin mit ihrem Fotohandy im Bett aufgenommen hat, sieht sie sich in den frühen Morgenstunden mit ihrer "lähmenden" Schlaflosigkeit konfrontiert und erholt sich gerade von einer umfangreichen Operation. Ihre Gemälde der nackten Figur haben eine stürmische Energie. Emins grafische Linie, mal zart, mal kraftvoll, vermittelt ein Gefühl der Dringlichkeit; mit jeder verlassenen und selbstbewussten Geste schält sie sich selbst auf. Tropfen und Auslöschungen verweisen auf die Fluidität des Körpers, der auf seiner Reise zwischen Geburt und Tod zwischen Freude und Leid schwankt. Farbexplosionen spielen auf ein Selbst an, das von Gefühlen überwältigt wird und in schierer Sinnlichkeit triumphiert. Tracey Emin wurde 1963 in London geboren. Derzeit lebt und arbeitet sie in London, Südfrankreich und Margate, Vereinigtes Königreich. Emin hat zahlreiche Ausstellungen durchgeführt, darunter große Ausstellungen in der Royal Academy of Arts, London (2020); Musée d'Orsay, Paris (2019); Château La Coste, Aix-en-Provence, Frankreich (2017); Leopold Museum, Wien (2015); Museum of Contemporary Art, Miami (2013); Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012); Turner Contemporary, Margate, UK (2012); Hayward Gallery, London (2011); Kunstmuseum Bern (2009); Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh (2008); Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Spanien (2008); Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003); und Stedelijk Museum, Amsterdam (2002). Im Jahr 2007 vertrat Emin Großbritannien auf der 52. Biennale von Venedig und ihre Installation My Bed war in den "In Focus"-Ausstellungen in der Tate Britain mit Francis Bacon (2015), in der Tate Liverpool mit William Blake und auch in der TATE Contemporary, Margate neben JMW Turner (2017) zu sehen. Im Jahr 2011 wurde Emin zur Professorin für Zeichnen an der Royal Academy of Arts in London ernannt. 2012 wurde sie für ihren Beitrag zur bildenden Kunst zum Commander of the Most Excellent Order of the British Empire ernannt. - Mit freundlicher Genehmigung von White Cube

Schöpfer*in:
Tracey Emin (1963, Britisch)
Entstehungsjahr:
2006
Maße:
Höhe: 32,39 cm (12,75 in)Breite: 24,77 cm (9,75 in)Tiefe: 3,81 cm (1,5 in)
Medium:
Papier,Tinte,Mixed Media,Lithografie,Versatz
Bewegung und Stil:
Zeitgenössisch
Zeitalter:
2000–2009
Zustand:
Schutzumschlag und Einband sind insgesamt gut behandelt; die Innenseiten sind in ausgezeichnetem Zustand, frisch, sauber und knackig.
Galeriestandort:
New York, NY
Referenznummer:
1stDibs: LU1745213281792

Tracey Emin – alle durchstöbern

Tracey Emin

Tracey Emin wurde 1963 in Croydon, im Süden Londons, geboren und wuchs in Margate, Kent, auf. Von 1980-82 studierte sie Mode am Medway College of Design (heute University for the Creative Arts). In Medway lernte sie Billy Childish kennen, der eine große Inspiration für ihre Arbeit werden sollte, und wurde eng mit The Medway Poets verbunden. Während dieser Zeit wurde Emin zum Verwalter von Childishs kleiner Druckerei, Hangman Books.

Ab 1984 studierte sie Druckereiwesen am Maidstone Art College. 1983 eröffnete Emin zusammen mit seiner Künstlerkollegin Sarah Lucas ein Geschäft namens The Shop in Bethnal Green. Der Shop verkaufte Werke von Emin und Lucas, , darunter Original-T-Shirts und Aschenbecher mit dem ikonischen Künstler Damien Hirst.

Im November 1993 hatte Emin ihre erste Einzelausstellung im White Cube in London. Sie nannte ihre autobiografische Ausstellung "My Major Retrospective", die größtenteils aus persönlichen Fotos, Fotos ihrer eigenen frühen Gemälde, die sie zerstört hatte, und einigen emotionalen Gegenständen wie einer Zigarettenschachtel, die ihr Onkel in der Hand hielt, als er bei einem Autounfall enthauptet wurde, bestand.

1994 tourte Emin mit ihrem Partner Carl Freedman durch die Vereinigten Staaten und hielt unterwegs Lesungen aus ihrem autobiografischen Buch Exploration of the Soul. 1995 produzierte Emin ihr berühmtes "Zelt" - Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 - das in Freedmans kuratierter Ausstellung "Minky Manky" in der South London Gallery ausgestellt wurde. Dieses Werk wurde später von Charles Saatchi gekauft und 1997 in die viel beachtete Ausstellung "Sensation" in der Royal Academy of Arts in London aufgenommen, die anschließend in Berlin und New York gezeigt wurde.

Emin trat 1997 in einer Fernsehserie von Channel 4 mit dem Titel Is Painting Dead? auf, die hauptsächlich aus einer Diskussion über den Turner Prize bestand. Zwei Jahre später, 1999, stand Emin selbst auf der Shortlist für den Turner Prize und stellte My Bed in der Tate Gallery aus. Im selben Jahr stellte sie eine Reihe von Monoprint-Zeichnungen inspiriert von Prinzessin Diana für eine Ausstellung in der Blue Gallery, London, aus.

Elton John und George Michael sind beide berühmte Sammler von Emins Werken, wobei Michael im September 2007 die Ausstellung "A Tribute to Tracey Emin" in der in Dallas ansässigen Goss-Michael Foundation organisierte. Eine Einzelausstellung, "This is Another Place", fand 2002-03 im Modern Art Oxford statt, und 2007 wurde Emin in den britischen Pavillon auf der Biennale Venedig aufgenommen. Im selben Jahr wurde Emin von der Royal Academy of Arts zum Royal Academician ernannt. Sie wurde bereits 2001 eingeladen, Werke in die "Summer Exhibitions" der Royal Academy aufzunehmen. Emin kuratierte die Sommerausstellung 2008 und gab ein öffentliches Gespräch und Interview mit Matthew Collings, in dem sie über ihre Rolle innerhalb der Royal Academy nachdachten. Emins Kunst hat bei Auktionen astronomische Summen erzielt und wurde u. a. an Charles Saatchi, den Premierminister von 2011 (David Cameron) und David Bowie für deren Privatsammlungen verkauft.

Papier, Tinte, Mixed Media, Lithografie, Versatz, Karton

800 $

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