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(after) Henri Matisse
nach Henri Matisse - Farn - Lithographie

Name: nach Henri Matisse - Farn - Lithographie
Brand: (after) Henri Matisse
Rating: 4.9 (60 reviews)

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Angaben zum Objekt

Lithographie nach Henri Matisse - Farn Künstler : nach Henri MATISSE Im Stein signiert, wie ausgestellt Auflage von 250 Stück 38 x 28 cm Hinweis : Lithographie aus dem Jahr 1965 für die Mappe "Les Peintres mes amis", herausgegeben von Heures Claires. MATISSE'S BIOGRAPHIE JUGEND UND FRÜHE BILDUNG Henri Emile Benoît Matisse wurde in der letzten Nacht des Jahres, am 31. Dezember 1869, um acht Uhr abends in einem winzigen, baufälligen Weberhäuschen in der Rue du Chêne Arnaud in der Textilstadt Le Cateau-Cambrésis geboren (Le Cateau-Cambrésis liegt im äußersten Norden von Frankreich in der Nähe der belgischen Grenze). Das Haus hatte zwei ROOMS, einen ausgetretenen Erdboden und ein undichtes Dach. Matisse sagte lange danach, dass der Regen durch ein Loch über dem Bett fiel, in dem er geboren wurde. Die Vorfahren von Matisse lebten schon seit Jahrhunderten in dieser Gegend, bevor die sozialen und industriellen Umwälzungen des neunzehnten Jahrhunderts einsetzten. Matisse wuchs in einer Welt auf, die sich noch immer von einer Lebensweise löste, die in gewisser Weise seit der Römerzeit unverändert war. Der Bau der Eisenbahn hatte Bohain auf die industrielle Landkarte gesetzt, aber die Menschen waren immer noch zu Fuß oder zu Pferd unterwegs. Matisse's Vater, Émile Hippolyte Matisse, war ein Getreidehändler, dessen Familie Weber waren. Seine Mutter, Anna Heloise Gerard, war eine Tochter aus einer langen Reihe wohlhabender Gerber. Warmherzig, aufgeschlossen, tüchtig und energisch, war sie klein und kräftig gebaut und hatte die modische Figur der damaligen Zeit: volle Brüste und Hüften, schmale Taille, gepflegte Knöchel und elegante kleine Füße. Sie hatte helle Haut, breite Wangenknochen und ein breites Lächeln. "Meine Mutter hatte ein Gesicht mit großzügigen Zügen", sagte ihr Sohn HENRY, der immer mit besonderer Zärtlichkeit und Sensibilität von ihr sprach. In den vierzig Jahren ihrer Ehe hat sie ihren Mann und ihre Söhne stets wie ein Fels in der Brandung unterstützt. Matisse sagte später: "Meine Mutter liebte alles, was ich tat." Er wuchs im nahe gelegenen Bohain-en-Vermandois, einem industriellen Textilzentrum, auf, bis ihn sein Vater im Alter von zehn Jahren nach St. Quentin ins Lycée schickte. Anna Heloise arbeitete hart. Sie leitete die Abteilung im Geschäft ihres Mannes, die Anstrichfarben verkaufte, stellte die Bestellungen der Kunden zusammen und beriet sie bei der Farbgestaltung. Die Farben haben offensichtlich einen bleibenden Eindruck bei Henri hinterlassen. Der Künstler selbst sagte später, dass er seinen Farbensinn von seiner Mutter geerbt habe, die selbst eine versierte Porzellanmalerin war, eine damals angesagte Kunstform. Henri war der erste Sohn des Paares. Der junge Matisse war ein unbeholfener junger Mann, der sich an die Unbilden des Nordens nicht zu gewöhnen schien; vor allem hasste er die kalten Winter. Er war ein nachdenkliches Kind und nach eigenen Angaben ein verträumter, schwächlicher und nicht besonders intelligenter Mensch. In seinem späteren Leben verlor er nie sein Gefühl für die heimatliche Erde, für Saatgut und Gewächse, die er in seiner Jugend kennen gelernt hatte. Mehr als ein halbes Jahrhundert, nachdem er seine Heimat verlassen hatte, erinnerten die schicken Tauben, die er in Nizza hielt, an die Taubenschläge der Weber, die sich hinter jedem noch so bescheidenen Haus in Bohain verbargen. Die Kindheitserinnerungen von Matisse sind geprägt von einer strengen Erziehung. "Beeil dich!" "Pass auf!" "Lauft weiter!" "Mach dich auf die Socken" waren die Refrains, die ihm als Junge in den Ohren klangen. In späteren Jahren, als das Überleben selbst von Sparsamkeit und Selbstverleugnung abhing, war der Künstler stolz darauf, ein Mann des Nordens zu sein. Als Matisse seinerseits Kinder zu erziehen hatte, schimpfte er über sich selbst, weil er jede Nachlässigkeit in der Disziplin und jede offen zur Schau gestellte Zärtlichkeit als Schwäche empfand. Im Jahr 1887 ging er nach Paris, um Jura zu studieren und arbeitete nach seinem Abschluss als Gerichtsverwalter in Le Cateau-Cambrésis. Obwohl er die Juristerei als langweilig empfand, legte er 1888 die Anwaltsprüfung mit Auszeichnung ab und begann widerwillig mit seiner Tätigkeit. Nachdem Matisse die Schule beendet hatte, vermittelte sein Vater, ein sehr viel praktischerer Mann, seinem Sohn eine Stelle in einer Anwaltskanzlei. MALEN: ANFÄNGE Matisse entdeckte seinen wahren Beruf auf ungewöhnliche Art und Weise. Nach einer Blinddarmentzündung begann er 1889 zu malen, nachdem seine Mutter ihm während seiner Genesung Kunstzubehör mitgebracht hatte. Später sagte er: "Von dem Moment an, als ich die Schachtel mit den Farben in den Händen hielt, wusste ich, dass dies mein Leben ist. Ich habe mich darauf gestürzt wie ein Tier, das sich auf das stürzt, was es liebt." Die Mutter von Matisse war die erste, die ihrem Sohn riet, sich nicht an die "Regeln" der Kunst zu halten, sondern auf sein eigenes Gefühl zu hören. Matisse war so sehr von seiner Kunst überzeugt, dass er später eine Warnung an seine Verlobte, Amélie Parayre, die er später heiratete: "Ich liebe Sie sehr, Mademoiselle; aber ich werde die Malerei immer mehr lieben." Matisse hatte "eine Art Paradies" entdeckt, wie er es später beschrieb. Sein drastischer Berufswechsel enttäuschte seinen Vater zutiefst. Zwei Jahre später, 1891, kehrte Matisse nach Paris zurück, um an der Académie Julian Kunst zu studieren und wurde Schüler von William-Adolphe Bouguereau. Nach einem entmutigenden Jahr an der Académie Julian verließ er diese aus Abscheu vor dem übermäßig perfektionistischen Unterrichtsstil. Danach absolvierte er eine Ausbildung bei Gustave Moreau, einem Künstler, der progressivere Tendenzen pflegte. In beiden Studios zeichneten die Studenten, wie üblich, endlose Figurenstudien nach dem Leben. Von Bouguereau lernte er die grundlegenden Lektionen der klassischen Malerei. Sein einziges technisches Hilfsmittel, fast ein Fetisch, war das Senklot. Ganz gleich, wie ungerade die Winkel in einem Matisse sind, die Vertikalen sind in der Regel genau richtig. Da Moreau ein Maler war, der die "art du salon" verachtete, war Matisse in gewissem Sinne dazu bestimmt, ein "Ausgestoßener" in der Kunstwelt zu bleiben. Er scheiterte zunächst an der Zeichnungsprüfung für die Aufnahme an der École des Beaux-Arts, blieb aber hartnäckig und wurde schließlich aufgenommen. Matisse begann mit der Malerei von Stilleben und Landschaften im traditionellen flämischen Stil, die er recht gut beherrschte. Die meisten seiner frühen Werke verwenden eine dunkle Farbpalette und sind eher düster. Chardin war einer der von Matisse am meisten bewunderten Maler und schuf vier der französischen Meisterwerke des Stilllebens im Louvre. Obwohl er zahlreiche Kopien nach alten Meistern anfertigte, studierte er auch zeitgenössische Kunst. Seine ersten Experimente brachten ihm den Ruf eines rebellischen Mitglieds seiner Studioklasse ein. 1896 wurde Matisse zum assoziierten Mitglied der Société Nationale gewählt, was bedeutete, dass er jedes Jahr Bilder im Salon de la Société ausstellen konnte, ohne sie zur Begutachtung vorlegen zu müssen. Im selben Jahr stellte er 5 Gemälde im Salon der Société Nationale des Beaux-Arts aus, und der Staat kaufte zwei seiner Gemälde. Dies war die erste und fast einzige Anerkennung, die er zu Lebzeiten in seinem Heimatland erhielt. In den Jahren 1897 und 1898 besuchte er den Maler John Peter Russell auf der Insel Belle Île vor der bretonischen Küste. Russell machte ihn mit dem Impressionismus und dem Werk Van Goghs bekannt, der ein guter Freund Russells gewesen war, aber zu dieser Zeit noch völlig unbekannt war. Matisse's Stil änderte sich völlig, und er sagte später: "Russell war mein Lehrer, und Russell erklärte mir die Farbtheorie." Matisse beobachtete auch die stabilen Ehen von Russell und anderen Künstlern. Dies beeinflusste ihn wahrscheinlich, in Amélie Noellie Parayre, seiner zukünftigen Frau, seinen Anker zu finden. Der Esstisch (1897) ist das erste Meisterwerk von Matisse, an dem er den ganzen Winter über gearbeitet hatte. Der Salon stellte das Werk zwar aus, hängte es aber an einem ungünstigen Ort auf, weil er sich von den radikalen, impressionistischen Aspekten des Werks angewidert fühlte. Caroline Joblaud war vier Jahre lang Matisses frühe Geliebte während seiner anfänglichen Bemühungen, seine künstlerische Richtung und seine berufliche Laufbahn zu bestätigen. Caroline (auch Camille genannt) schenkte Matisse 1894 seine erste Tochter Marguerite, die nach der Heirat von Matisse mit Amélie Noellie Parayre entgegen der üblichen Feindseligkeit, die solche Arrangements hervorriefen, herzlich aufgenommen wurde. Caroline posierte mehrmals für die Kompositionen des Künstlers, während Marguerite Matisse im Laufe seines Lebens immer wieder Modell saß. HEIRAT MIT AMÉLIE NOELLIE PARAYRE Die Matisses von Bohain und die Parayres von Beauzelle hatten äußerlich nichts gemeinsam, und es gab keinen Grund, warum Matisse und Amélie sich jemals hätten begegnen sollen. Doch im Oktober 1897 nahm Matisse an einer Hochzeit in Paris teil und saß bei dem anschließenden Bankett zufällig neben ihr. Es gab keinen banalen Flirt zwischen ihnen, selbst wenn der Wein floss, erkannte jeder den anderen als echtes Metall, und als sie vom Tisch aufstanden, reichte sie Henri Matisse ihre Hand auf eine Weise, die er nie vergaß. Matisse war zu dieser Zeit noch nicht die legendäre Professorenfigur. Er war bekannt als Scherzkeks, als grobschlächtiger und antiklerikaler Liedermacher und als jemand, der einmal aus Jux und Tollerei ein Konzert in einem Café abgebrochen hatte. Die Verwandten von Amélie bewegten sich zu dieser Zeit in einem sozialen, intellektuellen und politischen Kontext, den Matisse nicht kannte. Sie standen für freies Denken, für die Trennung von Kirche und Staat und für die Säkularisierung des französischen Bildungssystems. Ihre Familie, die besser gestellt war als die von Matisse, bot dem angehenden Künstler die nötige Unterstützung. Als Matisse Amélie im Januar 1898 heiratete, hatten sich die beiden erst drei Monate zuvor kennengelernt. Amélies Tante Noélie und zwei ihrer Brüder führten ein erfolgreiches Damengeschäft namens Grande Maison des Modes. Schon vor ihrer Heirat hatte Amélie ein Talent für das Entwerfen, Herstellen und Modeln von Hüten für eine modische Kundschaft bewiesen. Im Juni 1899 fand sie einen Partner und eröffnete ein eigenes Geschäft in der Rue de Châteaudun. So konnten Henri und sie zusammen mit Marguerite in einer winzigen Zweizimmerwohnung in derselben Straße wohnen. Madame Matisse, die ihm treu ergeben war, spielte mehr als 40 Jahre lang eine wichtige Rolle im Leben und in der Karriere des Künstlers. Marguerite sollte die wichtigste Stütze ihres Vaters auf Lebenszeit werden. 1902 kam es zur Katastrophe. Amélies Eltern wurden in einem spektakulären Skandal von nationalem Ausmaß in Verruf gebracht und finanziell ruiniert, als ahnungslose Angestellte einer Frau, deren Finanzimperium auf Betrug beruhte. Dank seiner frühen Jahre in einer Anwaltskanzlei war Matisse in der Lage, sich intensiv mit der Organisation der Verteidigung seines Schwiegervaters zu beschäftigen. Als alle um ihn herum den Kopf verloren, in Tränen ausbrachen und sich mehr als nur selbst bemitleideten, nahm sich Henri Matisse ihrer Probleme an, eines nach dem anderen. Die Tortur hatte ihren Tribut gefordert, und zwar in mehr als einer Hinsicht. Die Ärzte befahlen Matisse, sich nach Bohain zu begeben und zwei Monate lang völlige Ruhe zu genießen. Amélie hatte sowohl ihr Hutgeschäft als auch die Wohnung in der Rue de Châteaudun verloren. Zum ersten Mal waren Henri, Amélie und die drei Kinder in Bohain vereint, da sie nirgendwo anders hin konnten. Hillary Spurling, eine der Biografinnen von Matisse, behauptet, dass Amélies Erinnerungen an diese öffentliche Schande ein "Misstrauen gegenüber der Außenwelt" nährten, das die Familie Matisse immer prägen sollte. Die Familie Matisse bildete eine Art hermetische Einheit, die sich um das Werk und den Beruf des Künstlers drehte. Sie haben ihre Aktivitäten an seine Pausen und Arbeitssitzungen angepasst. Schweigen war unerlässlich. Selbst in den Jahren, in denen Matisse meist allein in Nizza lebte, endete ein jährliches Ritual des Auspackens, Aufziehens, Einrahmens und Aufhängens damit, dass sich die ganze Familie zusammensetzte, um auf die Gemälde zu reagieren. Die Konferenz kann mehrere Tage dauern. Dann wurden die Händler zugelassen. Matisse und seine Frau hatten zwei Söhne, Jean (geboren 1899) und Pierre (geboren 1900). Er war nicht immer in Frieden mit seiner Familie. Er schrieb, dass ihre Ansichten nicht immer übereinstimmten, "was mich bei meiner Arbeit sehr stört, für die ich die vollkommenste Ruhe und von denen, die mich umgeben, eine Gelassenheit verlange, die ich hier nicht finden kann. Ich beabsichtige, in ein Dorf ein paar Kilometer weiter weg zu ziehen." Pierre, sein Bruder Jean und Marguerite blieben ihrem Vater durch alle Wechselfälle hindurch nahe, und Matisse widmete sich in seinen letzten, kranken Jahren seinen zahlreichen Enkelkindern. 1899, zu einer Zeit, in der seine Gemälde zwar rebellisches Talent, aber keine klare Richtung aufwiesen, begann Matisse, Kurse in Tonmodellierung und Bildhauerei zu besuchen. Er erhielt den Auftrag, eines der Meisterwerke der Bildhauerei im Louvre zu kopieren, und wählte den Jaguar, der einen Hasen verschlingt, ein äußerst präzises Werk von Antoine-Louis Barye. Später wandte er sich, wenn seine Malerei nicht weiterzukommen schien, der Bildhauerei zu, um seine Gedanken und Empfindungen zu ordnen. Beeinflusst von den Werken der Postimpressionisten Paul Cézanne, Gauguin, Van Gogh und Paul Signac, aber auch von der japanischen Kunst, machte Matisse die Farbe zu einem entscheidenden Element seiner Bilder. Matisse sagte: "In der modernen Kunst verdanke ich Cézanne zweifellos am meisten." Durch das Studium von Cézannes fragmentierten Flächen - die die Idee des Stilllebens zu einer forcierten Betrachtung der Farbflächen selbst ausweiteten - konnte Matisse seine eigene Philosophie des Stilllebens rekonstruieren. Viele seiner Gemälde aus den Jahren 1899 bis 1905 bedienen sich einer von Signac übernommenen pointillistischen Technik. Im Jahr 1898 ging er nach London, um die Gemälde von J. M. W. Turner zu studieren, und unternahm anschließend eine Reise nach Korsika. Nach Jahren der Armut durchläuft Matisse seine "dunkle Periode" (1902-03), wendet sich kurzzeitig dem Naturalismus zu, kehrt dann zu einer dunklen Palette zurück und erzählt 1903 Freunden, dass er die Lust am Malen verloren und fast beschlossen habe, aufzugeben. Glücklicherweise konnte Matisse etwas Geld verdienen, indem er einen Fries für die Weltausstellung im Grand Palais in Paris malte. Auch in den frühen 1900er Jahren, als der Tourismus noch eine neue Idee war, reiste er viel. Mit der Eisenbahn, den Dampfschiffen und anderen Transportmitteln, die während der industriellen Revolution aufkamen, wurde das Reisen zu einer beliebten Freizeitbeschäftigung. Als kultivierter Tourist entwickelte er seine Kunst durch regelmäßige Reisen. FAUVISM Die Karriere von Matisse lässt sich in mehrere Perioden unterteilen, die sich stilistisch verändern, aber sein grundlegendes Ziel bleibt immer dasselbe: den "wesentlichen Charakter der Dinge" zu entdecken und eine Kunst "des Gleichgewichts, der Reinheit und der Heiterkeit" zu schaffen, wie er es selbst formulierte. Die wechselnden Atelierumgebungen schienen sich stets auf den Stil seiner Arbeit ausgewirkt zu haben. In diesen ersten Jahren des Kampfes legte Matisse seine revolutionäre künstlerische Agenda fest. Er ließ die Perspektive außer Acht, schaffte die Schatten ab und lehnte die akademische Unterscheidung zwischen Linie und Farbe ab. Er versuchte, eine von der westlichen Welt über Jahrhunderte hinweg entwickelte und akzeptierte Sichtweise umzustoßen, indem er eine bewusste Subjektivität ersetzte an die Stelle der traditionellen Illusion der Objektivität. In den ersten Jahren des neuen Jahrzehnts gelang Matisse der Durchbruch in der avantgardistischen Kunstwelt. Er erkundete die moderne Kunstszene durch häufige Besuche in Galerien wie Durand-Ruel und Vollard, wo er Werke von Paul Cézanne, Paul Gauguin und Vincent van Gogh zu sehen bekam. Die erste Einzelausstellung von Matisse fand 1904 statt, ohne großen Erfolg. Am 16. Mai 1905 kam er in der charmanten katalanischen Hafenstadt Collioure in Südfrankreich an. Bald lud er den 11 Jahre jüngeren Maler André Derain (1880-1954) ein, sich ihm anzuschließen. Bis 1905 galt Matisse als Speerspitze der Fauve-Bewegung in Frankreich, die sich durch ihre Spontaneität und Rauheit in der Ausführung sowie durch die Verwendung roher Farben direkt von der Palette auf die Leinwand auszeichnete. Matisse kombinierte die pointillistische Farbe und Cézannes Art, den Bildraum Strich für Strich zu strukturieren, um den Fauvismus zu entwickeln - eine Art, die Welt weniger zu sehen als mit den Augen zu fühlen. Am Ende des Fauve-Sommers verließ Derain Collioure mit 30 Gemälden, 20 Zeichnungen und etwa 50 Skizzen und kehrte nicht mehr zurück, während Matisse abreiste. einige Tage später mit 15 fertigen Gemälden, 40 Aquarellen und über 100 Zeichnungen nach Paris zurück. In den Sommern 1906, 1907, 1911 und 1914 kehrte er nach Collioure zurück. Die Anziehungskraft der Sonne sollte sich für den Künstler zeitlebens als erholsam erweisen, besonders nach Zeiten großer emotionaler Anstrengung. Als die Werke der Fauvisten zum ersten Mal im Pariser Salon d'Automne ausgestellt wurden, lösten sie einen Skandal aus. Augenzeugen berichten von Gelächter aus dem Raum VII, in dem sie ausgestellt waren. Gertrud Stein, eine der wichtigsten späteren Unterstützerinnen von Matisse, berichtet, dass die Leute die Gemälde spöttisch zerkratzten. "Man hat dem Publikum einen Farbtopf vor die Nase gesetzt", so die Reaktion der Kritikerin Camille Mauclair. Louis Vauxcelles beschrieb das Werk mit dem historischen Satz "Donatello au milieu des fauves!" (Donatello inmitten der wilden Tiere), die sich auf eine Skulptur im Stil der Renaissance bezieht, die mit ihnen im selben Raum steht. Sein Kommentar wurde am 17. Oktober 1905 in der Tageszeitung Gil Blas abgedruckt und ging in den allgemeinen Sprachgebrauch über. Derain selbst nannte die Farben der Fauves später "Dynamitstangen". Das Gemälde, das für die Angriffe ausgewählt wurde, war Matisse' Frau mit Hut, ein Porträt von Madame Matisse. Dieses Bild wurde von Gertrude und Leo Stein gekauft, was sich sehr positiv auf Matisse auswirkte, der durch die schlechte Rezeption seines Werks demoralisiert war. Matisse setzte seine Experimente in Collioure fort, was in dem Gemälde Das offene Fenster und der Blick auf Collioure zu sehen ist, das in seiner rohen Farbigkeit und der Vernachlässigung von Details ebenfalls ein charakteristisches Werk des Fauvismus ist. Diese beiden Werke der französischen Mittelmeerlandschaft zeigen eine deutliche Entwicklung hin zu einem spontanen und ungehemmten Stil. Neben André Derain waren auch Georges Braque, Raoul Dufy und Maurice Vlaminck Mitglieder der Fauve-Bewegung. Die intimen Künstlerfreunde von Matisse waren jedoch meist unbekümmerte kleine Maler, wie Albert Marquet. Matisse wurde durch seine temperamentvolle Einsamkeit in schwindelerregende Depressionen gestürzt. Später erinnerte er sich an einen Zusammenbruch, den er 1910 in Spanien erlitt: "Mein Bett zitterte, und aus meiner Kehle kam ein kleiner, hoher Schrei, den ich nicht unterdrücken konnte." Von Beginn seiner Karriere an waren Frauen eines der Hauptmotive in der Produktion des Künstlers. Seine Lebensfreude (1906) entführt uns in eine Welt von halluzinatorischer Lebendigkeit, die aus Nymphen besteht, die sich in einer idyllischen Landschaft in reinen Farben und sinnlichen Konturen bewegen. Zwei Frauen faulenzen im Sonnenlicht, während sich zwei weitere am Waldrand unterhalten. Eine hockt sich hin, um Blumen zu pflücken, während ihre Begleiterin eine Kette in ihr Haar flechtet. Ein Paar umarmt sich, während eine andere Gruppe in der Ferne einen lebhaften Reigentanz vollführt. Auf diese Weise zeigt Joy of Life Waldnymphen, die ihr Leben, ihr Frausein und ihre Sexualität feiern. Aufgrund der immer wieder auftauchenden nackten Frauen und der intensiv sinnlichen Interpretation haben viele Beobachter angenommen, dass Matisse als Mann ein Hedonist gewesen sein muss. Im Gegenteil, die historische Betrachtung zeigt, dass er in Wirklichkeit eher ein sich selbst verleugnender Nordstaatler war, der nur für die Arbeit lebte, und dies in chronischer Angst, wiederkehrender Panik und inmitten periodischer Zusammenbrüche. Während Picasso sich im Laufe der Zeit mit intellektuellen und erotischen Spielereien belohnte, tat Matisse dies nicht. In einem Zeitalter der Ideologien wich Matisse allen Ideen aus, außer vielleicht einer: dass Kunst Leben mit anderen Mitteln ist. Es wird oft angenommen, dass Matisse seine hemmungslose Zelebrierung der Frau von Cézannes Gemälde Drei Badende (1882) inspiriert hat (das er zusammen mit einem Van Gogh und einem Gauguin für sich selbst erworben hatte). Matisse stellt die Frauen jedoch als nährende, einladende Wesen dar, die sich von der abweisenden, massiven, lehmartigen Präsenz der Frauen bei Paul Cézanne unterscheiden. BERÜHMTHEIT Der Niedergang der fauvistischen Bewegung nach 1906 tat dem Aufstieg von Matisse keinen Abbruch. Von 1906 bis 1917 lebte er in Paris und richtete im Hôtel Biron seine Wohnung, sein Studio und seine Schule ein. Zu seinen Nachbarn gehören der Bildhauer Auguste Rodin, der Schriftsteller Jean Cocteau und die Tänzerin Isadora Duncan. Viele seiner besten Werke entstanden in dieser Zeit, in der er aktiv an der großen Versammlung der künstlerischen Talente in Montparnasse teilnahm, auch wenn er mit seinem konservativen Auftreten und seinen strengen bürgerlichen Arbeitsgewohnheiten nicht ganz dazu passte. In der Tat war das Ziel der Kunst von Matisse nicht gerade revolutionär. In einer berühmten Äußerung aus den "Notizen eines Malers" erklärte Matisse 1908 als sein Ideal eine Kunst "für jeden geistigen Arbeiter, für den Geschäftsmann wie für den Literaten, zum Beispiel, ein wohltuender, beruhigender Einfluss auf den Geist, so etwas wie ein guter Sessel, der Erholung von körperlicher Ermüdung bietet". Die persönlichen Gewohnheiten von Matisse waren unglaublich regelmäßig. An einem typischen Tag stand ich früh auf und arbeitete den ganzen Vormittag. Nach dem Mittagessen folgte eine zweite Arbeitssitzung, gefolgt von Geigenübungen, einem einfachen Abendessen (Gemüsesuppe, zwei hart gekochte Eier, Salat und ein Glas Wein) und einer frühen Schlafenszeit. Im Jahr 1906 schuf er eine Serie von 12 Lithografien, die alle das Thema eines sitzenden Aktes variieren. Er entschied sich, sein grafisches Werk fast sofort der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Die Lithografien wurden noch im selben Jahr in der Pariser Galerie Druet ausgestellt, die Holzschnitte im Frühjahr 1907 im Salon des Independants. 1907 sagte Appolinaire in einem in La Falange veröffentlichten Artikel über Matisse: "Wir haben es hier weder mit einem extravaganten noch mit einem extremistischen Unternehmen zu tun: Die Kunst von Matisse ist eminent vernünftig." Trotz des neu gewonnenen Ruhms wurde Matisse' Werk weiterhin heftig kritisiert, und es war schwierig für ihn, seine Familie zu ernähren. Sein umstrittenes Gemälde Blue Nude von 1907 wurde 1913 auf der Armory Show in Chicago verbrannt. Im Gegensatz zum Schicksal der Impressionisten konnten Matisse und andere Fauves in Kunstgalerien ausstellen. Im Jahr 1908 wurde Paul Cassirer, der Deutscher Kunsthändler und Verleger, der eine bedeutende Rolle bei der Förderung der Werke der französischen Impressionisten und Postimpressionisten spielte, veranstaltete in Berlin eine Ausstellung mit Werken von Matisse. Im selben Jahr organisierte der amerikanische Fotograf Alfred Stieglitz in New York eine Einzelausstellung in seiner winzigen Galerie 291 in Manhattan, die Matisse effektiv in den mächtigen amerikanischen Kunstmarkt einführte. Im ersten Jahrzehnt seiner Berühmtheit als Anführer der Fauves wurde Matisse mehr von Ausländern als von Franzosen bewundert. Schließlich waren es die Russen und die Amerikaner, die bedeutende Sammlungen seines Frühwerks fast so schnell erwarben, wie es entstanden war. Die großen Matisse-Kunstwerke, die wir heute in den Pariser Museen bewundern können, wurden meist nach dem Tod des Künstlers als Ersatz für die Erbschaftssteuer erworben. Die Franzosen brauchten viel länger, um die Größe von Matisse zu begreifen - länger jedenfalls als die internationale Schar aufstrebender Talente, die zu seinen Kursen strömten, als er noch eine der umstrittensten Figuren der Pariser Avantgarde war. Im Sommer 1907 unternahmen Matisse und seine Frau eine lange Reise nach Italien, "zum Arbeiten und zum Vergnügen", und besuchten Venedig und Padua, wo sie die Fresken Giottos bewunderten. In Florenz waren sie zu Gast bei den Steins in deren Villa in Fiesole. Von hier aus besuchte Matisse Arezzo, um Piero della Francesca zu studieren, und Siena, angezogen von den frühen sienesischen Malern, insbesondere von Duccio. PICASSO, GERTRUDE STEIN UND DIE KEGELSCHWESTERN Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts interessierten sich die Amerikaner in Paris, Gertrude Stein, ihre Brüder Leo Stein, Michael Stein und Michaels Frau Sarah, für die Kunst von Matisse. Hinzu kamen zwei Freunde von Gertrude Stein aus Baltimore. Clarabel und Etta Cone wurden zu bedeutenden Förderern von Matisse und Picasso und sammelten Hunderte von deren Werken. 1906 erwarben die Cone-Schwestern ihren ersten Matisse und bauten in den folgenden vier Jahrzehnten eine der weltweit größten Sammlungen seiner Kunst auf. Die Collection'S Cone enthält nicht nur Hauptwerke aus allen Phasen der langen Karriere von Matisse, sondern spiegelt auch das besondere Interesse der Schwestern an seiner Nizza-Periode wider, als eine neue Komplexität von Form und Psychologie in die immer intensiver werdende Oberflächenverführung seiner Gemälde eintrat. Im April 1906 wurde Matisse bei einem Treffen im Haus der legendären Gertrude Stein dem 11 Jahre jüngeren Pablo Picasso vorgestellt. Picasso und Matisse waren ästhetisch weit voneinander entfernt, und ihre Lebensstile waren es nicht minder. Matisse war deutlich größer und geschliffener als der stämmige, großspurige Katalane, der damals die turbulente Pariser Avantgarde-Kunstszene beherrschte. Es hieß, die beiden hätten sich ständig über die Schulter geschaut. Es ist bekannt, dass die Rivalität zwischen den beiden zunahm und sie Partei ergriffen. Picasso sagte später: "Niemand hat die Bilder von Matisse je sorgfältiger betrachtet als ich; und niemand hat meine Bilder sorgfältiger betrachtet als er." Ein wesentlicher Unterschied zwischen ihren Bildkonzepten bestand darin, dass Matisse nach der Natur zeichnete und malte, während Picasso viel mehr nach der Fantasie arbeitete. Die häufigsten Sujets beider Künstler waren Frauen und Stillleben, wobei Matisse seine Figuren eher in vollendeten Interieurs platzierte. Gertrude Stein, die es liebte, die Gemüter zu erregen, schrieb: "Die Stimmung zwischen den Picasso-Anhängern und den Matisse-Anhängern wurde bitter". Auch wenn Matisse trocken anmerkte, dass "unsere Streitigkeiten immer freundschaftlich waren", sollte nicht unerwähnt bleiben, dass Picasso und seine Freunde mit Saugnäpfen auf Matisse' Porträt der Marguerite von 1906 warfen (das Picasso im Tausch gegen seinen eigenen Krug, Schale und Zitrone von 1907 erhalten hatte). Während die Kluft zwischen den beiden Künstlern schließlich verheilte, blieb die zwischen ihren Anhängern bestehen. ACADEMIE MATISSE IN PARIS SERGEI SCHTSCHUKIN 1909 wohnte Matisse mit seiner Familie in einem ehemaligen Kloster am Boulevard des Invalides in Paris, wo der Künstler eine Malschule leitete. Sein immenser Bekanntheitsgrad, der 1905-06 durch "Joy of Life" (Lebensfreude) bestätigt wurde, ein Werk, das alle Normen der malerischen Ordnung und der malerischen Finesse über den Haufen zu werfen schien, wurde von seinen Freunden durch die Gründung und Finanzierung der Académie Matisse in Paris, einer privaten und nicht kommerziellen Schule, in der Matisse junge Künstler ausbildete, bestätigt. Sie war von 1911 bis 1917 in Betrieb. Hans Purrmann und Sarah Stein gehörten zu seinen treuesten Schülern. Obwohl sie nur drei Jahre bestand (1908-11), wurde die Académie Matisse während ihres kurzen Bestehens zu einem der wichtigsten Knotenpunkte der modernen Malerei für eine Reihe von begabten europäischen und amerikanischen Künstlern. Angesichts des Rufs, den sich Matisse als "wilder Mann" der Farbmoderne erworben hatte, muss es für einige seiner frühen Schüler ein Schock gewesen sein, dass das von ihm angebotene Lehrprogramm bemerkenswert konservativ war. Jean Heiberg, der erste Norweger, der sich an der Académie einschrieb, schrieb später in seinen Memoiren: "Die Schule hatte auf Anregung von Matisse eine Kopie von zwei antiken Skulpturen aus dem Louvre erworben, den Mars und eine archaische Skulptur, die er oft zu Demonstrationszwecken verwendete. Hin und wieder verzichtete er ganz auf das Lebensmodell und wir zeichneten nur noch von den Gipsabdrücken, und seine Kritiken waren dann nicht weniger gewinnbringend." Zu den Schülern von Matisse gehörte Olga Meerson, eine russische Jüdin, die bei Wassily Kandinsky in München studiert hatte und, bereits im Besitz eines eleganten Stils, versuchte, sich unter der Anleitung von Matisse zu erneuern. Amélie ahnte das Schlimmste. Vielleicht war es eine Kombination aus Amélies Eifersucht und Meersons Bedürftigkeit verursachte eine Matisse, um die Verbindung zu beenden, mit einem schlechten Gefühl auf allen Seiten. Meerson zog nach München, wo sie den Musiker Heinz Pringsheim, einen Schwager von Thomas Mann, heiratete. Da sie ihr Versprechen als Malerin nie erfüllen konnte, beging sie 1929 in Berlin Selbstmord. Einer der Biographen von Matisse, der Zugang zu einem großen Teil der Korrespondenz des Künstlers hat, behauptet, dass der Künstler nach seiner Heirat nur selten, wenn überhaupt, Sex mit Modellen hatte, obwohl er offensichtlich Gefühle für viele hatte. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ragen zwei russische Kunstsammler heraus: der Tuchhändler Sergej Schtschukin (1854-1936) und der Textilfabrikant Iwan Morozov (1871-1921). Beide erwarben moderne französische Kunst, entwickelten ein Gespür für neue Trends und machten sie in Russland bekannt. In dieser Zeit begann Matisse seine fruchtbare Zusammenarbeit mit dem russischen Textilmagnaten und visionären Sammler Sergej Schtschukin. Eines seiner Hauptwerke, La Danse, schuf der Künstler speziell für Shchukin im Rahmen eines Auftrags über zwei Gemälde. Inspiriert von einem Kreistanz - vielleicht einer Sardana -, der von den Fischern in Collioure aufgeführt wird, verkörpert dieses Gemälde das Aufeinandertreffen von Heiligem und Realität. Menschliche Hände verbinden sich, aber sie formen einen göttlichen Geist. Außerdem verzichtete Matisse fast vollständig auf die Perspektive. Die Flächigkeit des Werks betont die Idee, die Farben und das Material, ein Konzept, das Matisse zum Vorbild für die Modernisten machte. Das andere in Auftrag gegebene Gemälde war Musik, 1909. Schtschukin wurde von einigen fast als Mitschöpfer einiger der größten Werke des Künstlers angesehen und war dem Werk des französischen Malers sehr verbunden. Angesichts der gewalttätigen Angriffe auf seinen Freund schrieb der Russe an den Künstler: "Die Öffentlichkeit ist gegen dich, aber die Zukunft gehört dir." Bis 1914 befanden sich in Schtschukins Haus in Moskau siebenunddreißig Matisse. "Er hat immer die Besten ausgewählt", sagte der Künstler. Während der politischen Revolution enteignete Lenin die Sammlung von Schtschukin persönlich, gestattete ihm jedoch, als Verwalter und Führer in den Räumen der Dienerschaft zu bleiben. Er starb in Paris im Jahr 1936. Die Sammlung befindet sich heute in der Eremitage und im Puschkin-Museum. Von etwa 1911 bis 1915 kämpfte Matisse mit den Ideen des Kubismus, einem Experiment, an dem er sich "nicht beteiligt" fühlte, weil es "nicht zu [seiner] tief empfindenden Natur passte". MAROKKO Wie viele Avantgarde-Künstler in Paris war Matisse für eine Vielzahl von Einflüssen empfänglich. Er ist einer der ersten Maler, der sich für verschiedene Formen der "primitiven" Kunst interessiert. Seine Kunst wurde auch von der Osterkunst tiefgreifend beeinflusst. Nach einer Reise in den maurischen Teil Spaniens im Winter 1910 spielte Matisse erstmals mit dem Gedanken, Marokko zu besuchen. Dieser Vorgeschmack auf die Mauren ließ die Hoffnung aufkeimen, dass es in Marokko mehr Inspiration zum Malen geben würde. Matisse, der die exotischen Motive Marokkos kannte, die den berühmten französischen Maler Delacroix bei seinem Besuch vor über achtzig Jahren inspiriert hatten, war der Meinung, dass Marokko sein malerisches Genie in einer Weise anregen würde, wie es Europa nicht konnte. Er strebte weder nach dem Pittoresken noch nach dem Pornografischen. In Marokko scheint Matisse Schwierigkeiten gehabt zu haben, Modelle zu finden, die für ihn posieren wollten, vor allem Frauen wegen des Gesetzes des Schleiers. Nur Jüdinnen und Prostituierte waren davon ausgenommen. Glücklicherweise hat Matisse die Prostituierte Zorah für diesen Zweck gefunden. obwohl er hat sie nicht als Prostituierte dargestellt. In seinem ersten Bild von ihr, Zorah en Jaune, sind sexuelle Themen auf der Leinwand hingegen nicht zu sehen. Als Prostituierte, die daran gewöhnt ist, ihren Körper zu entblößen und zur Schau zu stellen, hätte Zorah leicht nackt oder mit weniger Kleidung gemalt werden können, um sich selbst zur Schau zu stellen, aber stattdessen entscheidet sich Matisse dafür, sie bekleidet und mit Bedacht zu malen. Anders als die primitiven, nackten westlichen Frauen in der Fauve Joy of Life. Die marokkanische Zorah ist mit Respekt und Liebe zum Detail gekleidet, um ihre feineren Eigenschaften zu zeigen. Er entwickelt seine Fähigkeit, mit dem Bewusstsein für die nicht-sexuellen Qualitäten seines Sujets zu malen, eine Abkehr von den Frauen des Fauve. Viele der marokkanischen Gemälde von Matisse sind nur dünn mit Pigmenten bedeckt, als ob er wollte, dass die Textur der unbemalten Leinwand durchscheint, um den Braun- und Grautönen Rauheit zu verleihen. Die Odalisken von Matisse sind als "kunstvolle Fiktionen" beschrieben worden, in denen der Künstler das Bild des islamischen Harems mit Hilfe französischer Modelle, die in seiner Wohnung in Nizza posierten, nachstellte. Die Stoffe, Paravents, Teppiche, Möbel und Kostüme erinnerten an die Exotik des "Orients" und lieferten ein Thema für Matisse' Beschäftigung mit der Figur und den kunstvollen Mustern exotischer Stoffe. Obwohl Matisse' Interesse an Textilien in seinen Kompositionen, die während seiner Marokkoreise 1906 entstanden, deutlich zu erkennen ist, handelt es sich nicht um eine typisch europäische Anziehungskraft für das Exotische. Als Nachkomme von Generationen von Webern, der unter Webern in Bohain-en-Vermandois aufgewachsen ist, das in den 1880er und 90er Jahren ein Zentrum der Produktion von edlen Seidenstoffen für die Pariser Modehäuser war, war ihm dies bereits bekannt. Wie fast alle seine Landsleute aus dem Norden hatte er eine angeborene Wertschätzung für ihre Textur und ihr Design. Er kannte die Eigenschaften von Gewicht und Aufhängung, er wusste, wie man mit Stecknadeln und Papiermustern umgeht, und er war äußerst sicher im Umgang mit der Schere. Matisse war bekanntlich ein eifriger Sammler von Stoffen, von seiner Zeit als armer Kunststudent in Paris bis in seine letzten Lebensjahre, als sein Studio in Nizza mit Perserteppichen, zarten arabischen Stickereien, farbenprächtigen afrikanischen Wandbehängen und jeder Menge bunter Kissen, Vorhänge, Kostüme, gemusterter Paravents und Tücher überquoll. Textilien wurden bald zum Sprungbrett für seine radikalen Experimente mit der Perspektive und einer Kunst, die auf dekorativen Mustern und reinen Farb- und Linienharmonien basiert. Als er umzog, zog er auch mit seinen Stoffen um und bezeichnete sie als "meine Arbeitsbibliothek". Sein ganzes Leben lang hat er seine Sammlung erweitert, von Märkten in Algerien, Marokko und Tahiti bis hin zu den Ausverkäufen der Pariser Haute Couture am Ende der Saison. Der wiederbelebende Geist Marokkos sollte in der Vorstellung des Künstlers bis zu den Ausschnitten seiner letzten Lebensjahre weiterleben. NACH PARIS Matisse entwickelte sich weiter in unerwartete Richtungen, auch wenn er nie ein abstrakter Maler wurde (obwohl einige seiner abenteuerlichsten Werke, wie die Ansicht von Notre Dame von 1914 oder der Gelbe Vorhang von 1916, dem nahe kommen). Seine Motive waren stets erkennbar, und die Spannung zwischen dem Thema und den formalen Aspekten des Bildes war ein zentrales Konzept seines künstlerischen Ideals. Matisse zieht 1917 nach Nizza, um sich vom Kriegsgeschehen zu distanzieren, wo ihm die hellen, warmen Farben "einfachere Orte zeigen, die den Geist nicht ersticken". Sein Geist blieb der "silbernen Klarheit des Lichts" in Nizza treu, und er kehrte nur noch für einige Monate im Sommer nach Paris zurück. Die Jahre 1917-30 gelten als seine frühe Nizza-Periode, in der sein Hauptmotiv die weibliche Figur oder Odaliske in orientalischer Tracht oder in verschiedenen Stadien der Entkleidung bleibt, die stehend, sitzend oder liegend in einem luxuriösen, exotischen Interieur dargestellt wird, das Matisse selbst geschaffen hat. Diese Gemälde sind von südlichem Licht, leuchtenden Farben und einer Fülle von dekorativen Mustern durchdrungen. Sie strahlen eine Atmosphäre aus, die an einen Harem erinnert. 1929 setzte Matisse die Staffeleimalerei vorübergehend aus und reiste nach Amerika, um in der Jury der 29. Carnegie International zu sitzen, und verbrachte 1930 einige Zeit in Tahiti und New York sowie in Baltimore, Maryland und Merion, Pennsylvania, wo ihn New York besonders begeisterte. Dr. Albert Barnes aus Merion, ein bedeutender Sammler moderner Kunst und Besitzer der größten Matisse-Bestände in Amerika, beauftragte den Künstler mit einem großen Wandgemälde für die zweistöckige Gemäldegalerie seines Herrenhauses. Matisse wählte das Thema des Tanzes, ein Thema, das ihn seit seinem frühen fauvistischen Meisterwerk "Lebensfreude" beschäftigte. Unter den Mäzenen von Matisse waren während seiner gesamten Karriere auch Amerikaner, angefangen bei den Steins (Leo Stein kaufte 1906 Joy of Life direkt aus dem Salon) bis hin zu den Cone-Schwestern aus Baltimore und dem notorisch streitsüchtigen Barnes. Die grundlegende Monografie über Matisse wurde zu seinen Lebzeiten von einem anderen Amerikaner, Alfred Barr, verfasst. Eine wichtige Rolle bei der Förderung der Präsenz von Matisse in der transatlantischen Öffentlichkeit spielte auch die 1931 vom Sohn des Künstlers, Pierre, gegründete Galerie in Manhattan, die fast sechs Jahrzehnte lang eine wichtige Rolle in der New Yorker Kunstwelt spielte. Neben seinem Vater vertrat er auch Balthus, Calder, Dubuffet, Giacometti, Miro, Tanguy und andere, viele von ihnen auch Freunde. Während seiner langen und produktiven Karriere erneuerte Matisse regelmäßig seine kreativen Energien, indem er sich von der Malerei der Zeichnung, der Bildhauerei und anderen künstlerischen Ausdrucksformen zuwandte. Zu seinen Lebzeiten entstanden auch 12 illustrierte Bücher, die als "livre d'artiste" (Künstlerbuch) bezeichnet wurden, eine besondere Art von illustrierten Büchern, die in Frankreich um die Jahrhundertwende üblich wurde. Bei diesen Büchern handelte es sich um luxuriöse, limitierte Ausgaben, die als Kunstwerke gesammelt und bewundert, aber auch gelesen werden sollten. Dieser Prozess begann, als der Schweizer Verleger Albert Skira 1930 erstmals an den modernen Meister herantrat, um das Werk Poesies des französischen symbolistischen Dichters aus dem 19. Stéphane Mallarmé . Matisse nahm die Einladung Skiras mit großer Begeisterung an und widmete sich in jenem Sommer, in dem er sich in Paris aufhielt, vor allem dem Auftrag. Das Ergebnis war eine Sammlung von 29 wunderschönen Radierungen, von denen das Museum 16 ausstellen wird. Die Themen sind, wie die Gedichte selbst, sehr unterschiedlich, obwohl viele der Bilder den Urlaub der Künstlerin im Südpazifik widerspiegeln. Matisse' Radierungen von Mallarmés Gedichten gehören zu seinen größten druckgrafischen Werken. 1941 begann Matisse, wiederum für Skira, eines seiner kompliziertesten und erfolgreichsten druckgrafischen Projekte, Florilege des Amours de Ronsard, das die Liebesgedichte des französischen Renaissance-Dichters Pierre de Ronsard aus dem 16. Jahrhundert illustriert. Ronsards Thema und seine starke Bildsprache passten gut zu Matisse' bevorzugten Themen wie Früchte, Blumen, weibliche Formen und Porträts. Der Künstler wählte die Gedichte selbst aus und übersetzte sie für die Veröffentlichung der Anthologie aus dem Renaissancefranzösischen ins zeitgenössische Französisch SCHEIDUNG UND SPÄTE FAMILIENBEZIEHUNGEN Trotz seiner langjährigen Freundschaften mit anderen Künstlern, ob berühmt oder unbekannt, waren Matisse' Tage und Nächte von einsamer Arbeit geprägt. Das Geigenspiel schien ihm ein intimerer Trost für die jahrzehntelange Kritik zu sein als die Zuneigung seiner Frau und Kinder. Obwohl ihre Ehe noch etwas zerbrechlich war, hatten die Matisses beschlossen, in Nizza zu bleiben, als ihr Mietvertrag an der Place Charles-Félix im Sommer 1938 auslief. Matisse und seine Frau trennten sich 1939 nach 41 Jahren, als Amélie versuchte, die kühl und effizient wirkende junge Lydia Delectorskaya zu entlassen, ein Waisenkind aus Sibirien, das als Amélies Begleiterin eingestellt worden war. Die Ehe der Matisses scheiterte jedoch nicht an einem romantischen Rivalen, sondern an dem Wunsch des Künstlers, für sich selbst zu sorgen. Der erste Höhepunkt kam Jahre zuvor, 1913, als Amélie mehr als hundert Mal für das Porträt von Madame Matisse Modell stand. Das Tagebuch eines Freundes berichtete zu dieser Zeit. "Verrückt! weinend! Nachts rezitiert er das Vaterunser! Tagsüber streitet er sich mit seiner Frau!" Das Porträt, das als letztes Werk in Schtschukins Sammlung gelangte, verursachte bei Matisse "Herzklopfen, hohen Blutdruck und ein ständiges Trommeln in den Ohren". Eine solche Aufregung war nicht selten, wenn Matisse Schwierigkeiten mit einem Gemälde hatte. Jahre später bezeichnete er das Bild in einem Brief an sie als "das Bild, das dich zum Weinen gebracht hat, auf dem du aber so schön aussiehst". Amélie gab die routinemäßige Leitung der Familie an Marguerite ab. Das Porträt von 1913 war sein letztes Bild von ihr. Im Juli 1939 trafen sich Matisse und seine Frau zum letzten Mal, um die Einzelheiten ihrer Trennung zu besprechen. Eine der wichtigsten Bestimmungen war, dass alles zu gleichen Teilen zwischen den Eheleuten aufgeteilt werden sollte. Das Treffen fand in Paris am Gare St. Lazare statt und dauerte dreißig Minuten, in denen Amélie Matisse sich mit ihrem Mann unterhielt: "Meine Frau hat mich nicht angesehen, aber ich habe sie nicht aus den Augen gelassen...", schrieb Matisse am Abend dieser letzten Begegnung: "Ich konnte kein Wort.... Ich blieb wie aus dem Ei gepellt stehen und schwor mir, mich nie wieder so erwischen zu lassen." Ich werde versuchen, mich so zu isolieren, als ob ich noch abwesend wäre", kündigte Matisse bei seiner ersten Rückkehr nach Paris seit der offiziellen Trennung von seiner Frau an und verließ seine Wohnung nur selten, um ins Kino zu gehen (sein erster Farbfilm mit Danny Kaye in der Hauptrolle war eine Offenbarung)". Nach ihrer Entlassung schoss sich Delectorskaya mit einer Pistole in die Brust, bemerkenswerterweise mit nur geringer Wirkung. Kurz nachdem der Künstler und seine Frau rechtlich getrennt wurden, war Delectorskaya zurück. Am 15. Juli, dem St. Henry's Day, kam sie mit einem Strauß weißer Gänseblümchen und blauer Kornblumen aus dem Garten ihrer Tante. Ihre Collaboration sollte bis zum Tod von Matisse im Jahr 1954 andauern. Ihr Wille war unbezwingbar; sie tippte, führte Aufzeichnungen und eine akribische Buchhaltung und bezahlte die Haushaltsrechnungen. Sie organisierte auch die Korrespondenz von Matisse und koordinierte seine geschäftlichen Angelegenheiten mit eiserner Hand, war aber auch seine Assistentin im Studio und seine Muse. Und wenn es sein musste, fuhr sie während des Krieges sogar mit dem Fahrrad durch die Lande, um Proviant zu besorgen. Matisse behauptete, dass sein gesamter Haushalt während ihrer Abwesenheit zum Stillstand kam, was angesichts dessen, was Lydia geleistet hat, alles andere als eine Untertreibung ist. Angesichts des eisigen Grolls der Familie sagte der Russe über Matisse: "Er verstand es, von den Menschen Besitz zu ergreifen und ihnen das Gefühl zu geben, dass sie unentbehrlich waren. So war es für mich, und so war es auch für Madame. Matisse." Das Leben mit Matisse muss anstrengend gewesen sein, aber es war Amélies Berufung, die sie in den Jahren, in denen sie im Studio lebten, gefunden hatte. Ihre zentrale Rolle im Leben des Künstlers war die Sicherheit, die das Mäzenatentum von Schtschukin bot, sowie ein großes Haus in Issy-les-Moulineaux, wohin die Familie 1909 zog. In dieser Zeit war Matisse jedoch zunehmend abwesend. Seine Reisen führten ihn 1930 in die Vereinigten Staaten, wo er von New York begeistert war, und nach Tahiti. Matisse fand, dass Tahiti "sowohl großartig als auch langweilig war... Dort ist das Wetter bei Sonnenaufgang wunderschön und ändert sich bis zum Abend nicht mehr. Solch unveränderliches Glück ist ermüdend." Er tauchte vor den Riffen und vergaß nie die Farben der Madreporen und das absinthgrüne Wasser, die in Ausschnitten wie Polynesien, 1946, oder Der Vogel und der Hai, 1947, als Bilder einer spektakulären und im Großen und Ganzen wohltätigen Natur erscheinen. Im September 1940 stellte er eine vorübergehende Vertretung für seine reguläre Nachtschwester ein. Die Agentur schickte ihm eine junge, einundzwanzigjährige Krankenpflegeschülerin: Monique Bourgeois. Nach einem Jahr in der Krankenpflegeschule machte sie sich auf den Weg nach Nizza, um in der Vermittlungsstelle der Krankenpflegeschule Arbeit zu finden. Sie hatte Glück. Ein Künstler namens Henri Matisse suchte eine Nachtschwester auf Zeit. Am 26. September 1942 klingelte sie an der Wohnung von Matisse in Cimiez. antwortete Lydia. Monique polsterte Matisse auf, las ihm vor und ging mit ihm spazieren, und ihr schelmischer Witz und ihre unkomplizierten Gespräche verzauberten ihn. Sie fühlte sich schnell wohl bei Matisse und bald wurden ihre Gespräche persönlicher. Matisse sprach von sich selbst, seiner Familie und seinen Enkelkindern, die er sehr liebte. Als Matisse dazu in der Lage war, verließ er das Bett und zeigte Monique sein Studio und seine Bilder. Sie pflegte ihn 15 Nächte lang, während derer er mehrmals hintereinander unter starken Magenschmerzen litt. Mit der Rückkehr der regulären Nachtschwester von Matisse endete Moniques Tätigkeit. Matisse malte vier Gemälde von ihr sowie zahlreiche Skizzen mit Kohle oder Tusche. Sie saß zwei oder drei Stunden am Stück in einem hübschen, aber ziemlich unbequemen Holzstuhl mit gerader Rückenlehne. Kurze Ruhepausen, die nicht länger als eine Viertelstunde dauerten, wurden in völliger Stille bei einer Tasse Tee verbracht. Ihre gemeinsame Arbeit fand ihren Höhepunkt im März 1943 mit dem Gemälde Tabac Royal. Als ihr Auftrag beendet war, bat er sie, für ihn zu posieren, und sie willigte widerwillig ein. "Ich war ziemlich überrascht, denn ich wurde nie als Schönheit angesehen", schrieb sie 1993 in einem Buch über ihre Freundschaft. "Ich habe nie wirklich gemerkt, ob er in mich verliebt war", sagte sie 1992 in einem Interview mit der Zeitschrift Paris-Match. "Ich war ein bisschen wie seine Enkelin oder seine Muse, aber er war immer ein perfekter Gentleman." Moniques Karriere änderte sich dann dramatisch, als sie am 8. September 1944 den Schleier nahm und den Namen Schwester Jacques-Marie erhielt. Matisse widersprach Bourgeois' Entscheidung, ins Kloster einzutreten, versöhnte sich jedoch mit ihr und beschloss schließlich, den Traum der Schwestern von einer Kapelle für ihr Kloster zu verwirklichen. Sie sah Matisse zwei Jahre lang nicht wieder. Matisse mag spät erkannt haben, dass er seine Söhne mit der Art von Druck zur Erfüllung seiner Standards belastet hatte, die er von seinem eigenen Vater erfahren hatte. Pierre, der Junge aus "Die Klavierstunde", sagte: "Ja, das war ich, und du hast keine Ahnung, wie sehr ich diese Klavierstunden gehasst habe." Es ist allgemein bekannt, dass Matisse nicht in der Lage war, den Erfolg, den er in seiner Kunst erzielte, auf seine familiären Beziehungen zu übertragen, und dass sich diese Dysfunktion auf seinen Sohn Pierre ausweitete. Die 829 Briefe, die bis zu 21 Seiten lang sein können, vermitteln jedoch einen anderen Eindruck von der Beziehung zwischen Vater und Sohn. Nach der endgültigen Trennung Henris von seiner Frau wird Pierre zum unentbehrlichen Vertrauten seines Vaters. Der alte Mann schreibt seinem Sohn: "Du bist das einzige Mitglied der Familie, mit dem ich kommunizieren kann"; und wiederum rührend: "Was würde aus mir werden, wenn du nicht mehr hier wärst? Obwohl Matisse seinem Sohn nie die Exklusivrechte für die Ausstellung seiner Bilder einräumte, war er eng in die Pierre Matisse Gallery als Unternehmen eingebunden und begleitete die Karriere seines Sohnes von den ersten mutigen Tagen als ehrgeiziger 24-jähriger Einwanderer an: ''Man muss mit allen möglichen Vorteilen ankommen und sich gegen alles und jeden behaupten'', schreibt Pierre seinem Vater. Die amerikanische Eifersucht ist schrecklich, und sie hat nichts von der äußeren Höflichkeit der französischen Eifersucht. Marguerite hatte einen brillanten Literaten, Georges Duthuit, geheiratet, der zu Lebzeiten der beste Kritiker von Matisse war; als Duthuit sich ihr gegenüber als untreu erwies, verbot der Künstler ihm, über sein Werk zu schreiben. Nie ist Matisse so ergreifend wie in seinem Bericht über die zwei Wochen, die Marguerite nach ihrer Flucht 1945 bei ihm verbrachte. ZEICHNUNG BILDHAUEREI Matisse experimentierte sein ganzes Leben lang mit dem Zeichnen, was ihm oft dabei half, kompositorische und stilistische Probleme zu lösen oder neue Ideen zu entwickeln. Mitte der 1930er Jahre schuf er markante Serien von Federzeichnungen zum Thema Künstler und Modell, während er Anfang der 1940er Jahre seine berühmten Thèmes et Variations konzipierte, feinfühlig gezeichnete, sparsame Werke in eleganter, schattenloser Linienführung, die vereinfachte Formen von Frauenfiguren oder Stillleben beschreiben. In den späten 1940er und frühen 50er Jahren werden seine Zeichnungen kühner, die Konturlinien dicker, die Formen noch vereinfachter und detailloser. Die Bildhauerei war ein weiteres Medium, das Matisse seit seinen frühen Jahren verfolgte, und obwohl sie einen eigenständigen Ausdruck hat, wurde sie häufig zur Lösung malerischer Probleme eingesetzt oder diente als Inspiration für die Malerei: "Ich habe wie ein Maler gezeichnet", sagte Matisse, "ich habe nicht wie ein Bildhauer gezeichnet". In der Reliefplastik konnte er sich mit der Masse und der Form des Körpers im realen Raum auseinandersetzen und gleichzeitig seinen Sinn für die Darstellung der menschlichen Form auf der Leinwand verdeutlichen. Man könnte sagen, dass die in diesem Relief dargestellte Frau zwischen den Bereichen der Skulptur und der Malerei oder zwischen der dreidimensionalen Realität und der Flächigkeit der gemalten Darstellung steht. Mehr als die Hälfte der Skulpturen von Matisse wurden zwischen 1900 und 1910 fertiggestellt; außerdem arbeitete er häufig in Serien, wobei er die Form im Laufe der Jahre manipulierte und vereinfachte. Zu seinen bekanntesten Werken gehören die Serie von vier Rückenreliefs (1903-31), die Serie von fünf Jeannette-Köpfen (1910-16) und der Große Sitzende Akt (1925-29). Matisse wird ausgiebig über seine Kunst zitiert. Wahrscheinlich sprach er 1941 in einem Brief an Pierre über seine eigenen Erfahrungen als Künstler, indem er sich auf ein besonders erschütterndes Gemälde seines Freundes Georges Rouault bezog: "Ein Mann, der Bilder wie das, das wir gesehen haben, macht, ist eine unglückliche Kreatur, die Tag und Nacht gequält wird. Er entlastet sich von seiner Leidenschaft in seinen Bildern, aber auch trotz seiner selbst an den Menschen um ihn herum. Das ist es, was normale Menschen nie verstehen. Sie wollen die Produkte der Künstler genießen - so wie man Kuhmilch genießen kann -, aber sie können die Unannehmlichkeiten, den Schlamm und die Fliegen nicht ertragen." NEUE RICHTUNGEN: PAPER CUT OUTS Ein Großteil von Matisse' Inspirationsquelle war poetisch. Wie seine Kunst war auch die Poesie oder poetische Prosa, die Matisse liebte, intim, sinnlich und persönlich. In seinen späteren Jahren entwickelte er die Praxis, jeden Tag früh Gedichte zu lesen, bevor er den Pinsel, den Stift oder die Radiernadel in die Hand nahm. Seine Quellen waren die französische mittelalterliche Dichtung von Charles d'Orléans und Pierre de Ronsard sowie die avantgardistischen Schriften von Stéphane Mallarmé, Henri de Montherlant, Louis Aragon und anderen. Matisse bemerkte, dass Poesie wie Sauerstoff sei: "So wie man, wenn man aus dem Bett springt, seine Lungen mit frischer Luft füllt." Das hielt ihn im Herzen jung - wie ein sinnliches Elixier der Jugend. Er fertigte Hunderte von Zeichnungen, Originaldrucke und illustrierte Bücher. Zu dieser letzten Kunstform gehörte das, was Matisse seine "Blumenbücher" nannte. Es handelte sich um wunderschöne Objekte, die von der Tradition der mittelalterlichen Handschrift inspiriert waren. Gesichter, Körperteile, Liebespaare, Früchte und Blumen zeigen Matisse' exquisite arabeske Linienführung und seinen außergewöhnlichen Sinn für Farben. Die Bilder des berühmten Jazz beispielsweise zeichnen sich durch leuchtende Farben, wirbelnde Linien und Arabesken aus, die eine Reihe von juwelenähnlichen Formen bilden, wobei die Themen vom Zirkus bis zu weiblichen Formen im Meer reichen. Matisse fertigte seine Bilder aus farbigen Schablonen an, die auf Papierausschnitten basierten. 1941 wurde bei Matisse Krebs diagnostiziert, und nach einer Operation setzte er sich in den Rollstuhl. Bevor er sich in Lyon einer riskanten Operation unterzog, schrieb er einen besorgten Brief an seinen Sohn Pierre, in dem er betonte: "Ich liebe meine Familie, wirklich, innig und zutiefst". Er hinterließ einen weiteren Brief, der im Falle seines Todes zugestellt werden sollte und in dem er sich mit Amélie versöhnte. Die außergewöhnliche Kreativität von Matisse konnte jedoch nicht gebremst werden. "Une seconde vie", ein zweites Leben, so nannte er die letzten vierzehn Jahre seines Lebens. Nach einer Operation fand er erneut und unerwartete Energien. Dieses neue Leben führte zu einer außergewöhnlichen Ausdrucksstärke, dem Höhepunkt eines halben Jahrhunderts Arbeit, aber auch zu einer radikalen Erneuerung, die es ihm ermöglichte, das zu schaffen, wofür er immer gekämpft hatte: "Ich habe all die Zeit gebraucht, um das Stadium zu erreichen, in dem ich sagen kann, was ich sagen will." Bis zu seinem Tod wurde er von Lydia Delectorskaya betreut, die ebenfalls mehrfach für den Künstler Modell gestanden hatte. Mit Hilfe von Assistenten schuf er ausgeschnittene Papiercollagen, oft in großem Maßstab, sogenannte Gouaches découpés. Indem er eine Schere durch vorbereitete Papierbögen manövrierte, leitete er eine neue Phase seiner Karriere ein. Der Ausschnitt war kein Verzicht auf Malerei und Bildhauerei: Er nannte es "Malen mit der Schere". Matisse sagte: "Nur das, was ich nach der Krankheit geschaffen habe, ist mein wahres Ich: frei, befreit." Darüber hinaus bot das Experimentieren mit Ausschnitten Matisse unzählige Möglichkeiten, eine neue, ästhetisch ansprechende Umgebung zu gestalten: "Sehen Sie, da ich wegen meines Gesundheitszustandes gezwungen bin, oft im Bett zu bleiben, habe ich einen kleinen Garten um mich herum angelegt, in dem ich spazieren gehen kann... Da sind Blätter, Früchte, ein Vogel." 1947 veröffentlichte er Jazz, ein Buch in limitierter Auflage mit Drucken von bunten Scherenschnitt-Collagen, die von seinen schriftlichen Gedanken begleitet wurden. In den 1940er Jahren arbeitete er auch als Grafiker und fertigte Schwarz-Weiß-Illustrationen für mehrere Bücher an. "Die Wände meines Schlafzimmers sind mit Scherenschnitten bedeckt", schrieb er 1948 an Rouveyre. "Ich weiß immer noch nicht, was ich mit ihnen machen werde." II. WELTKRIEG 1941 berichtete sein Sohn Pierre, dass Matisse sich einer schweren Operation unterzogen hatte. Freunde versuchten, den alternden Künstler zu überreden, Frankreich zu verlassen, aber Matisse sagte: "Wenn alle talentierten Menschen Frankreich verlassen würden, wäre das Land viel ärmer. Ich habe das Leben eines Künstlers sehr arm begonnen, und ich habe keine Angst, wieder arm zu sein. . . . Die Kunst hat ihren Wert; sie ist eine Suche nach der Wahrheit, und die Wahrheit ist alles, was zählt. Der Zweite Weltkrieg brachte die Lebensstrukturen von Matisse völlig zum Einsturz: seine Gesundheit, seine Ehe und das unbekannte Schicksal seiner Bilder in Russland und im besetzten Frankreich. Um der drohenden Bombardierung von Nizza durch die Alliierten zu entgehen, zieht Henri Matisse 1943 in die Villa Le Rêve am Rande von Vence. Das 1930 für eine englische Familie errichtete Haus sollte für die nächsten fünf Jahre sein Zuhause und Studio sein, in dem er nicht nur malte und zeichnete, sondern auch die Jazz-Serie von Scherenschnitten schuf. Matisse beschrieb dieses Verfahren als "Zeichnen mit der Schere" und erklärte: "Scherenschnitte ermöglichen es mir, im Dickdarm zu zeichnen, was ich als eine Vereinfachung ansehe. Anstatt die Kontur zu zeichnen und sie mit Farbe zu versehen - das eine modifiziert das andere -, zeichne ich direkt in Farbe." Die zwischen 1943 und 1944 entstandenen 20 collagierten Scherenschnitte für Jazz wurden in Pochoirs (Schablonen) umgesetzt, die 1947 in einer Auflage von 270 Stück gedruckt und veröffentlicht wurden. Die Themen der Jazz-Tafeln reichen vom Zirkus über die Mythologie bis zur Natur. Die Tafeln werden von Texten begleitet, die der Künstler selbst verfasst und handgeschrieben hat. Matisse wollte, dass der Text, der die Rolle des Künstlers erläutert, in erster Linie eine visuelle Funktion hat. Die Liebe von Matisse zu seinen Tauben und seinen Katzen Minouche und Coussi wird in einer Reihe von Fotografien, die Helene Adant, eine Cousine von Lydia Delectorskaya, in der Villa Le Rêve aufgenommen hat, auf rührende Weise deutlich. Matisse' Leidenschaft für Vögel (und insbesondere für Tauben) begann im Sommer 1936. Zurück in Paris, schlendert er am Ufer der Seine entlang. Die Aufmerksamkeit wurde auf die Händler gelenkt, die eine Vielzahl von Singvögeln und Tauben in Käfigen verkauften. Er kam mit fünf oder sechs Vögeln auf einmal nach Hause und erfreute sich an ihren Formen und Farben, ihrem Gefieder und ihrem Gesang. Seine Liebe zu den Vögeln hielt für den Rest seines Lebens an. Am Ende seiner Tage schenkte Matisse dem vogelfreudigen Picasso, der selbst Kanarienvögel und Tauben besaß, die letzten seiner Ziertauben. Picasso zeichnete ihr Porträt auf dem berühmten Plakat "Friedenstaube". Während des Krieges war Matisse isoliert, äußerte sich nur selten politisch und schirmte seine Kunst unter allen Umständen von der Politik ab. Es ist bekannt, dass er die häusliche Idylle The Piano Lesson im Sommer 1916 schuf, während der Tod in Verdun wütete. Während des Zweiten Weltkriegs hatte die französische Résistance die beiden wichtigsten Frauen in seinem Leben, Amélie und Marguerite, getroffen. Marguerite, die als Schreibkraft für den kommunistischen Untergrund arbeitete, und Marguerite, die als Kurier diente, sowie sein Sohn Jean, der an Sabotageaktionen beteiligt war. (Amélie wurde sechs Monate lang inhaftiert; Marguerite wurde von der Gestapo gefoltert, entkam aber in den letzten Kriegsmonaten aus einem Viehwaggon, der auf dem Weg zu einem Gefangenenlager in Deutschland stecken geblieben war. Matisse, durch und durch unpolitisch, war schockiert, als er hörte, dass seine Tochter Marguerite es gewesen war. KORRESPONDENZ In den Jahren 1941-1954 führte Matisse einen einzigartigen Briefwechsel mit dem französischen satirischen Zeichner und Schriftsteller André Rouveyre (1879-1962), in dem sich seine kontinuierliche Produktion und Innovation widerspiegeln und brechen. Es ist vielleicht der schönste Briefwechsel des 20. Jahrhunderts und erzählt die Geschichte einer bedeutenden Freundschaft. Matisse und Rouveyre lernten sich Ende der 1890er Jahre als junge Studenten an der Ecole des Beaux-Art in Paris kennen, doch ihre Lebenswege verliefen bald sehr unterschiedlich und trennten sich in den folgenden Jahren weitgehend. Erst als sie sich während des Krieges nach der Operation von Matisse zufällig wieder begegneten, entwickelte sich ihre enge Freundschaft. Trotz der auffälligen Unterschiede zwischen den beiden verfolgte Rouveyre, wie aus der Korrespondenz hervorgeht, Matisse' Arbeitsprozess aus nächster Nähe. Die Korrespondenz unterscheidet sich von allen anderen durch ihren Umfang und ihre Häufigkeit - über lange Zeiträume schrieben sie sich täglich, manchmal mehrmals am Tag - und durch die Fülle an Zeichnungen, Skizzen und verzierten Umschlägen von Matisse. Die von Intimität und unwiderstehlichem Humor geprägten Briefe erzählen sowohl von den Ereignissen des Alltags als auch von Matisse' Werk und geben so einen einzigartigen Einblick in den Schaffensprozess des Künstlers und seine Gedanken über sein Leben und sein Werk. Gegen Ende seines Lebens erlebte Matisse einen erneuten Kreativitätsschub in einer Reihe von Werken von beispielloser Reinheit, Raffinesse und Freiheit - Manifestationen eines echten "Spätstils". Das Schaffen von Matisse erstreckte sich auch auf den Bereich der Grafik und der Buchillustration, die er bereits im Alter von sechzig Jahren mit den Illustrationen zu Stéphane Mallarmés Poésies (1932) begann. LETZTE JAHRE: CHAPELLE DU ROSAIRE IN VENCE 1951 beendete Matisse ein monumentales, vierjähriges Projekt zur Gestaltung des Innenraums, der Glasfenster und der Dekorationen der Chapelle du Rosaire in Vence. Dieses Projekt entsetzte die katholische Hierarchie, aber auch die zeitgenössische Kunstwelt, die damals weitgehend vom kommunistischen Dogma beeinflusst war. Picasso soll Matisse oft empfohlen haben, stattdessen ein Bordell zu dekorieren. Dieses Projekt war das Ergebnis der engen Freundschaft zwischen Matisse und Schwester Jacques-Marie. Die Berichterstattung in der Presse war nicht immer hilfreich, und die Reporter machten aus der Beziehung zwischen dem Künstler und der Nonne eine Sensation. Schwester Jacques-Marie behauptet, dass zwischen den beiden nie etwas vorgefallen sei. Aber ihre tiefe Zuneigung füreinander wird in ihren Gesprächen und in gelesenen Auszügen aus seiner Korrespondenz deutlich. Schwester Jacques-Marie lernte Matisse 1942 kennen, als sie Krankenpflegeschülerin Monique Bourgeois war und Matisse, der Anfang 70 war und sich von Darmkrebs erholte, eine "junge und hübsche Nachtschwester" suchte. Das Ansehen von Matisse war so groß, dass er das Projekt weitgehend selbst finanzieren konnte und es auch nach seiner Fertigstellung weiterführte, Die Kapelle wurde 1951 in einer vom Erzbischof von Nizza geleiteten Zeremonie eröffnet. Die Schwestern des Klosters, die anfangs verwirrt waren, lernten es lieben. keusche Gelassenheit und leuchtende Farben. Während seiner Arbeit wurden Modelle und Assistenten eifersüchtig bewacht, von Kontakten mit der Außenwelt abgeschnitten und mehr oder weniger in den Räumlichkeiten eingesperrt. Picasso war in Begleitung seiner Geliebten Françoise Gilot ein häufiger und gern gesehener Gast. Während sie noch wie alte Duellanten miteinander fechten, sprechen sie über Kunst. Die Fertigstellung der Kapelle hatte vier Jahre gedauert und Matisse erschöpft, der inzwischen nicht mehr lange stehen konnte und seinen Pinsel an einer langen Stange befestigen musste. Aber zu Hause, auf seinem Bett oder im Rollstuhl sitzend, fertigte er weiterhin Gouache-Ausschnitte an. Nachdem Rouveyre ihn wegen seines religiösen Bekenntnisses gehänselt hatte, forderte Matisse seinen Freund auf, sich seinen Ausschnitt einer nackten Frau, Zulma, auf dem Pariser Mai-Salon 1950 anzusehen: "Du wirst das Erwachen der Bekehrten sehen", antwortete er. La Gerbe, vielfarbige Blätter, die einem Blumenstrauß ähneln, wurde nur wenige Monate vor seinem Tod fertiggestellt, strotzt aber vor Leben. Der Künstler, der die Farbe in der Malerei fast neu erfunden hatte, hatte inzwischen die Freiheit in der Einfachheit der Dekoration gefunden. "Ich beherrsche es", schrieb er an Rouveyre in einem Brief. "Da bin ich mir sicher." 1952 wird das Musée Matisse im Geburtshaus des Künstlers in Le Cateau-Cambrésis eingeweiht, dem er 100 seiner Werke im Wert von bis zu 14.000.000 $ schenkte. Matisse starb am 3. November 1954 im Alter von vierundachtzig Jahren an einem Herzinfarkt, mit Marguerite und Delectorskaya an seiner Seite. Lydia Delectorskaya reiste sofort mit dem Koffer ab, den sie fünfzehn Jahre lang gepackt hatte. Er liegt auf dem Friedhof des Monastère Notre Dame de Cimiez begraben und in der Gegend wurde ein Matisse-Museum eröffnet.

Schöpfer*in:
(after) Henri Matisse (Französisch)
Maße:
Höhe: 38 cm (14,97 in)Breite: 28 cm (11,03 in)Tiefe: 1 mm (0,04 in)
Medium:
Lithografie
Bewegung und Stil:
Moderne
Zeitalter:
1950–1959
Zustand:
Galeriestandort:
Collonge Bellerive, Geneve, CH
Referenznummer:
1stDibs: LU16121341043

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Französisch Modernist Mourlot Lithographie Vintage Air France Poster Roger Bezombes, 1980

650 $

H 39,5 in B 23,5 in

Stillleben – Lithographie von Emmanuel Poirier – 1950

Das "Stillleben" aus den 1950er Jahren ist eine prächtige Lithographie, die vom Künstler Emmanuel Poirier gestochen wurde. Der Erhaltungszustand der Kunstwerke ist ausgezeichnet. N...

Kategorie

1950er, Moderne, Stilllebendrucke

Materialien

Lithografie

Emmanuel Poirier
Stillleben – Lithographie von Emmanuel Poirier – 1950, 1950

418 $

H 14,97 in B 10,87 in T 0,04 in

Stillleben – Originallithographie von Emmanuel Poirier – 1950er Jahre

Stillleben ist eine Originallithographie auf Elfenbeinpapier, die in den 1950er Jahren von Emanuel Poirier geschaffen wurde. Signiert unten links. Edition " E.A." (Künstlerabzug). ...

Kategorie

1950er, Moderne, Stilllebendrucke

Materialien

Lithografie

Emmanuel Poirier
Stillleben – Originallithographie von Emmanuel Poirier – 1950er Jahre, 1950s

358 $

H 14,97 in B 11,03 in T 0,04 in

Nature Morte a la Porte et a la Clef, kubistische Lithographie nach Pablo Picasso

Von Pablo Picasso

Eine Lithographie aus der Nachlasssammlung Marina Picasso nach dem Gemälde "Nature Morte a la Porte et a la Clef" von Pablo Picasso. Das Originalgemälde wurde 1920 fertiggestellt. In...

Kategorie

1980er, Moderne, Abstrakte Drucke

Materialien

Lithografie

Nature Morte a la Porte et a la Clef, kubistische Lithographie nach Pablo Picasso, 1982

9.500 $

H 40 in B 33,5 in

Abstrakte Blumen – Lithographie von Franco Gentilini – 1970er Jahre

Von Franco Gentilini

Abstrakte Blumen ist ein modernes Kunstwerk, das in den 1970er Jahren von Franco Gentilini geschaffen wurde. Gemischtfarbige Lithographie Am unteren Rand handsigniert und datiert. ...

Kategorie

1970er, Moderne, Abstrakte Drucke

Materialien

Lithografie

Franco Gentilini
Abstrakte Blumen – Lithographie von Franco Gentilini – 1970er Jahre, 1970s

310 $

H 29,14 in B 21,26 in T 0,04 in

Braque, Corbeille de fruits, Derrière le miroir (nach)

Von Georges Braque

Lithographie auf Velinpapier. Beschriftung: Unsigniert und nicht nummeriert, wie ausgegeben. Guter Zustand; mit Mittelfalte, wie ausgegeben. Anmerkungen: Aus Derrière le miroir, Nr. ...

Kategorie

1950er, Moderne, Abstrakte Drucke

Materialien

Lithografie

Braque, Corbeille de fruits, Derrière le miroir (nach), 1952

716 $ Verkaufspreis

44 % Rabatt

Kostenloser Versand

H 15 in B 22 in

Braque, L oiseau et son nid, Derrière le miroir (nach)

Von Georges Braque

Lithographie auf Velinpapier. Beschriftung: Unsigniert und nicht nummeriert, wie ausgegeben. Guter Zustand, mit Mittelfalte, wie ausgegeben. Anmerkungen: Aus Derrière le miroir, Nr. ...

Kategorie

1950er, Moderne, Abstrakte Drucke

Materialien

Lithografie

Braque, L oiseau et son nid, Derrière le miroir (nach), 1956

716 $ Verkaufspreis

44 % Rabatt

Kostenloser Versand

H 15 in B 22 in

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Mit der gedruckten Unterschrift von Picassp und Datum, wie ausgestellt Basierend auf einer Originalkomposition von 1920, gedruckt 1946 Abmessungen des Bildes: 21 x 31 cm. Maße des B...

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Lithografie

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1.792 $

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1970er, Moderne, Abstrakte Drucke

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Lithografie

Joan Miró
Joan Miro - L Issue Drobe - Original Aquatinta, 1974

2.628 $

Bunte abstrakte Komposition – Lithographie

Von (After) Serge Poliakoff

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1950er, Abstrakter Expressionismus, Abstrakte Drucke

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Lithografie

(After) Serge Poliakoff
Bunte abstrakte Komposition – Lithographie, 1958

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Pierre Alechinsky – Komposition – Originallithographie

Pierre Alechinsky - Komposition - Original Lithographie Aus der Literaturzeitschrift "XXe Siècle" 1960 Abmessungen: 32 x 24 cm Herausgeber: G. di San Lazzaro. Unsigniert und nicht n...

Kategorie

1960er, Abstrakt, Abstrakte Drucke

Materialien

Lithografie

Pierre Alechinsky
Pierre Alechinsky – Komposition – Originallithographie, 1960

1.433 $

Rückseite des Deckels, Joan Miro von Jacques Prevert und Georges Ribemont-Dessaignes

Von Joan Miró

Umschlagrückseite, aus Joan Miro von Jacques Prevert und Georges Ribemont-Dessaignes Künstler: Joan Miro Herausgeber: Maeght Jahr: 1956 Abmessungen: 23 x 20 cm Referenz: Mourlot 230 ...

Kategorie

1950er, Abstrakt, Abstrakte Drucke

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Lithografie

Joan Miró
Rückseite des Deckels, Joan Miro von Jacques Prevert und Georges Ribemont-Dessaignes, 1956

1.553 $

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