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Krzysztof Gliszczyński
Über Lost Soul - Konzeptuales Enkaustik-Ölgemälde, Marmorstaub-Aschenbecher auf Leinwand XL
2005

Name: Über Lost Soul - Konzeptuales Enkaustik-Ölgemälde, Marmorstaub-Aschenbecher auf Leinwand XL
Brand: Krzysztof Gliszczyński
Rating: 5 (29 reviews)

15.908,39 $ListenpreisEinschließlich MwSt.

Angaben zum Objekt

Krzysztof Gliszczyński ist Professor für Malerei an der Akademie der Schönen Künste in Danzig. Krzysztof Gliszczyński wurde 1962 in Miastko geboren. Abschluss an der Akademie der Bildenden Künste in Gdańsk im Jahr 1987 im Atelier von Prof. Kazimierz Ostrowski. Zwischen 1995 und 2002 Gründer und Mitleiter der Galerie Koło in Gdańsk. Initiator des Kazimierz-Ostrowski-Preises, verliehen vom Verband Polnischer Künstler und Designer (ZPAP), Sektion Gdańsk. Dekan der Fakultät für Malerei der Danziger Akademie der Schönen Künste in den Jahren 2008-2012. Vizerektor für Entwicklung und Zusammenarbeit der Danziger Akademie der Schönen Künste in den Jahren 2012-2016. Erhielt 2011 eine Professur. Derzeit Leiterin des dritten Malereistudios der Fakultät für Malerei der Akademie der Bildenden Künste in Danzig (Gdańsk). Er hat an einigen Dutzend Ausstellungen in Polen und im Ausland teilgenommen. Für sein künstlerisches Schaffen hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten. Er ist in den Bereichen Malerei, Zeichnung, Objekte und Video tätig. Erklärung des Künstlers: In den 1990er Jahren begann ich, Farbreste zu sammeln, die von meiner Arbeit übrig geblieben waren. Die frischen würde ich in Holzschalungen legen, die getrockneten in Glasbehälter. Sie bildeten Schichten von Untersuchungen im Bereich der Malerei, eingeschlossen in datierte und nummerierte Quader von 47 × 10,5 × 10,5 cm. Ich habe diese Objekte Urnen genannt. Im Jahr 2016 stellte ich sie in einer Ausstellung aus und formte aus allen Urnen ein einziges Objekt. Die Urnen inspirierten mich dazu, den Status meiner Arbeit als Maler neu zu definieren. Um dies zu erreichen, habe ich die schwierige Aufgabe übernommen, die Farbschichten nicht in einer Urne, sondern auf einer Leinwand zu platzieren und jeden frischen Farbklecks mit dem Daumen anzudrücken. In dem Gemäldezyklus Autoportret a'retour wurde das Thema von Bild zu Bild übertragen, wobei die Fläche jedes einzelnen Bildes erweitert wurde. Gemeinsam hielten die Reste, die Farbreste, die Erinnerung an die früheren Arbeiten wach. Es war eine Phase der Atomisierung des Bildmaterials und seiner Entfremdung von den traditionellen Konzepten und ästhetischen Beziehungen. So entstand der Zyklus der synergetischen Bilder, wie ich sie nannte, geleitet von dem Gefühl, das die sich gegenseitig verstärkenden Farbschichten in mir auslösten. Das ästhetische Endergebnis der Veredelung der verdauten Materie war eine Folge des Automatismus des Prozesses des Schichtens, Daumendrückens und wieder Abschabens. Wie bei einer archäologischen Ausgrabung wird versucht, das Verlorene zu vereinen und wiederzufinden. Dieses avantgardistische Konzept besteht darin, die Materie, die praktisch degradiert ist und nicht in den Bereich der Kunst gehört, in den Bereich der Malerei zu übertragen. Und doch tritt die Materie wieder in sie ein und erhält eine neue Bedeutung. Die Materie, die ich schuf und die sich wie Lava aufbaute, wurde zu meiner neuen Technik. Ich nannte es perpetuum pictura - sich selbst wiederholende Malerei. Alchemistische Konzepte ermöglichten es mir, den der entstehenden Materie innewohnenden Prozess zu erkennen, ihm eine Richtung und Bedeutung zu geben. In gewisser Weise schuf ich die Materie, die mich in die vorsymbolische Welt einführte - eine Welt vor der Form, die unbenannt ist. Aus diesem malerischen Magma entsprangen Ideen, alte Farbtheorien und das verschlungene Problem der Quadratur des Kreises traten wieder zutage. Genau wie Harriots kristallin gebrochenes Licht im Jahr 1605 habe ich versucht, die Farben in dem Gemälde Iosis zu brechen. Gemälde wurden zu Symptomen, wie in dem Werk Pulp fiction, das damals eine Geste der totalen Fragmentierung der Materie und der Überschreitung ihrer Grenzen war, mein Dialog mit den Werken von Jackson Pollock und der Freiheit, die seine Kunst mit sich brachte. Das Gemälde Geometrica de physiologiam pictura enthält ein Diagramm, in das ich vier Farben eingebe, die eine Einführung in die Protopsychologie, die alchemistische Transmutation und die alte Farbenlehre darstellen. Mit diesem Werk ist es mir gelungen, die Identifizierung des Wesens der menschlichen Physiologie mit der Kunst darzustellen. Aber der wesentliche Aspekt meiner Überlegungen in meinen jüngsten Gemälden ist die Analyse der Abstraktion, die Untersuchung ihrer Bedeutung für die zeitgenössische Kunstsprache und die Suche nach den Möglichkeiten, eine neue Botschaft zu schaffen. Für mich ist die Abstraktion kein Selbstzweck, der die weitgehend vorhersehbaren Erwartungen der Betrachter bedient. Die Grenze zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit zu untersuchen, wie in der Arbeit Unsichtbar, bedeutet, nach dem Status der Möglichkeiten der Sprache der Abstraktion zu fragen. Der Moment des Fließens, den ich erreichen kann, ergibt sich aus der Materie - einer Materie, die nur eine Erinnerung an die vorangegangenen Arbeiten enthält und dennoch zum Grund für die Suche nach dem Gleichgewicht zwischen den tiefsten Schichten der Psyche wird, die niemals statisch sind, sondern stets Veränderungen unterliegen. Ihr Gegengewicht ist die Geometrie, die für Rationalität steht und die Fähigkeit hat, die künstlerische Form zu organisieren und zu definieren, wie in dem Werk Memory. Indem ich auf die Werke von El Greco und sein Gemälde Toledo zurückgriff, konnte ich erneut die Kraft der Idee des Lichts untersuchen, die dem Gemälde seine Form und die darin enthaltene apokalyptische Atmosphäre gab. El Greco, der von Paul Cézanne wiederentdeckt wurde, leistete einen enormen Beitrag zur Schaffung der Grundlagen der modernen Malerei. Die Idee von El Greco inspirierte mich, Toledo zu malen. In der Arbeit Anamnesis setze ich mich mit der Idee der Erinnerung und ihrem Gegenteil, dem Vergessen, auseinander, das im kreativen Prozess eine Dekonstruktion der Rationalität der Erinnerung ermöglicht. History of the Painter von Borowy Młyn ist eine Installation, die vom Prozess des Malens, dem Akt des Schaffens, spricht und sich auf die Geschichte meines Vaters, eines Anstreichers, und seine traumatischen Erfahrungen nach der Trennung von seiner Familie durch die Nazis im Jahr 1944 bezieht. Das Rollen von Schriftrollen aus Leinwandstreifen wurde zu einem symbolischen Akt des Verbindens einer Wunde. Die Schriftrollen wurden auf einem Metallrahmen aufgerollt, bis die Last zu groß wurde, um sie zu tragen.

Schöpfer*in:
Krzysztof Gliszczyński (1962, Polnisch)
Entstehungsjahr:
2005
Maße:
Höhe: 150 cm (59,06 in)Breite: 200 cm (78,75 in)Tiefe: 3 cm (1,19 in)
Medium:
Leinwand,Marmor,Öl,Enkaustisch
Bewegung und Stil:
Konzeptionell
Zeitalter:
2000–2009
Zustand:
Galeriestandort:
Salzburg, AT
Referenznummer:
1stDibs: LU103538347832

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Materialien

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