Objekte ähnlich wie John David Rigsby Abstrakte Mischtechnik auf Leinwand, Amerikaner 1960
Möchten Sie mehr Bilder oder Videos?
Zusätzliche Bilder oder Videos von dem*der Anbieter*in anfordern
1 von 7
John David Rigsby Abstrakte Mischtechnik auf Leinwand, Amerikaner 1960
1.925,43 €
Angaben zum Objekt
Ein hübsches und raffiniertes Mixed-Media-Werk auf Leinwand des amerikanischen Künstlers John Rigsby. In einem ursprünglichen Erhaltungszustand vorgefunden. Seine Werke sind rar gesät.
Die folgende Biografie wurde von John David Rigsby, JR, dem Sohn des Künstlers, vorgelegt. Die Autorin ist Lisa Rigsby Peterson, die Tochter des Künstlers und Inhaberin des Copyrights der Biografie.
John David Rigsby wurde am 10. Oktober 1934 als siebtes Kind eines Farmpächters aus Alabama in der Zeit der Depression geboren. Er und seine Familie zogen häufig um, von einem Ein-Raum-Haus zum anderen, oft ohne fließendes Wasser, ohne Sanitäranlagen, ohne Heizung, nur mit dem Ofen. Sein Vater kam bei einem Autounfall ums Leben, als Rigsby gerade 9 Jahre alt war. Das Leben der verbleibenden acht Familienmitglieder erwies sich als turbulent und schwierig - es gab weder genug zu essen noch Geld. Die Familie zog von Ort zu Ort, der Arbeit folgend - Rigsby besuchte 30 verschiedene Schulen, bevor er die High School abschloss. Obwohl er in ärmlichen Verhältnissen lebte, zeigte Rigsby schon in jungen Jahren akademische und künstlerische Begabung. Zwei Ölgemälde auf aus alten Büchern herausgerissenen Einbänden, die er im Alter von acht Jahren malte, zeugen von einem phantasievollen und begabten Auge.
Rigsby wurde 1953 von der U.S. Army eingezogen. Später schrieb er: "Als die Grundausbildung in Fort Jackson, South Carolina, beendet war, wurde mir gesagt, ich solle mir einen Job suchen. Jasper Johns malte Anschauungsmaterial für das 28. Regimentshauptquartier. Er schlug die Band Training Unit vor." Rigsby spielte in dieser Einheit Klarinette, und nach 2 Jahren Dienst schrieb er sich an der Universität von Alabama im Rahmen des G.I. ein. Bill, um Kunst zu studieren. Nach nur zwei Jahren verließ er die Schule und folgte seinem Mentor (und einem der größten und nachhaltigsten Einflüsse auf seine Kunst), dem japanischen Künstler und Kunstdozenten der U of A, Tatsu Heima, nach New York City. Heima machte ihn mit Isamu Noguchi bekannt und schlug Rigsby vor, als Noguchis Assistent zu arbeiten. Stattdessen entschied sich Rigsby für einen Job als Wachmann im Metropolitan Museum of Art, denn "die Vorstellung, all diese Kunst zu sehen, reizte mich mehr als die langweilige Aufgabe eines Studioassistenten." Für Rigsby war dies eine gute Gelegenheit. Er hatte die Gelegenheit, die Meister zu studieren, und nannte Rembrandt mit seiner Schlichtheit und Eleganz als einen der wichtigsten Einflüsse auf sein Werk.
In den Jahren zwischen 1957 und 1963, als Rigsby schließlich seinen Bachelor of Fine Arts in Bildhauerei erwarb, reiste der Künstler zwischen New York und Tuscaloosa hin und her, wobei er sein Studium mit Streifzügen durch die fruchtbare New Yorker Kunstszene abwechselte. Rigsby stellte 1958 einige seiner frühen Skulpturen in einer kleinen New Yorker Galerie aus, in der auch die Werke von Willem und Elaine de Kooning und Theodore Stamos gezeigt wurden. Kurz darauf besuchte Rigsby auf der Suche nach einer Bildungseinrichtung, die näher an New York City liegt, New Haven, Connecticut, und verbrachte einen Nachmittag mit Josef Albers in Yale. Albers stimmte zu, Rigsby in das Yale-Programm aufzunehmen, unter der Bedingung, dass er das Erstsemester-Zeichnen noch einmal absolviert. Eine glänzende Gelegenheit, aber, so Rigsby, "als es Zeit war, sich anzumelden, fuhr ich per Anhalter zurück nach Alabama und suchte nach Essen und Unterkunft."
Rigsby hatte seine erste Einzelausstellung an der Universität von Alabama im Jahr 1959. Ein Gastkritiker aus New York, J.F. Goosen rezensierte die Ausstellung und schrieb: "Hier ist ein Talent, das Kunst hervorbringt, weil es das ist, was eine begabte Person tun sollte. Mit seiner mühelosen Leichtigkeit in Konzeption und Ausführung hat er bereits ein Ziel erreicht, das vielen Künstlern ein Leben lang verwehrt bleibt." Schließlich erhielt Rigsby 1963 seinen Abschluss in Bildhauerei, löste eine kurzlebige Ehe auf, besuchte seine Familie, packte sein Auto und ging endgültig nach New York. Im selben Jahr wurden seine Arbeiten in eine Gruppenausstellung im Delgado Museum in New Orleans aufgenommen, was 1964 zu einer Einzelausstellung im Delgado Museum führte. Im Jahr 1964 belegte Rigsby Zeichenkurse an der Columbia University und arbeitete nachts bei der Post. Er lernte seine zukünftige Frau Linda Palmieri kennen und heiratete. Im Jahr 1965 wurde seine Tochter Lisa geboren, 1966 folgte die Geburt seines Sohnes John David JR.
Im Jahr 1966 hatte Rigsby eine erfolgreiche Einzelausstellung in der Pietrantonio Gallery in New York. Kurz darauf zog er mit der Familie nach Tunis, Tunesien, auf Anregung eines Kollegen, der ihn aufforderte, "im Licht von Klee zu malen". Rigsby arbeitete für die United States Information Agency als Lehrer und verbrachte die nächsten anderthalb Jahre damit, über neunzig Bilder zu malen, die von den Gerüchen, dem Licht und der phönizischen und römischen Kunst in seiner Umgebung inspiriert waren. Er fertigte auch eine Reihe von Charakter- und Landschaftszeichnungen an, die die tunesische Lebensart festhalten. Während seiner Zeit in Tunesien wurden Rigsby's Arbeiten in zwei großen Ausstellungen gezeigt.
Nach der Rückkehr der Familie in die USA im Jahr 1968 stellte Rigsby erneut in der Pietrantonio Gallery aus. Noch im selben Jahr schrieb sich Rigsby am Southern Connecticut State College für den Studiengang Urban Studies ein und erwarb 1970 einen Master-Abschluss. Während seiner Zeit an der SCSU arbeitete Rigsby als Ausstellungskurator der Stadt Bridgeport und fuhr mit einer mobilen Kunstgalerie von Schulen zu Nachbarschaftsmessen und Wohnprojekten. Nach Abschluss seines Studiums hatte Rigsby eine Ausstellung im Telfair Museum in Savannah, Georgia. Diese Ausstellung erregte die Aufmerksamkeit eines Mitglieds des Suchausschusses, der einen Künstler für ein neu entwickeltes Programm im benachbarten South Carolina einstellen wollte.
Im Jahr 1970 wurde Rigsby als erster Artist-in-Residence im Bundesstaat South Carolina für das National Endowment for the Arts Artists in Schools-Programm ausgewählt. Seine Arbeit mit den neu integrierten Schülern an der Beaufort (SC) High School während der Dauer seines Aufenthalts schloss eine wesentliche Arbeit an seiner eigenen Kunst aus. Er richtete jedoch ein Studio in Downtown Beaufort ein und konnte eine bescheidene Anzahl von Gemälden schaffen, die 1971 im Columbia Museum in South Carolina und 1973 an der Yale University ausgestellt wurden.
Am Ende seines Aufenthalts im Jahr 1974 wurde Rigsby zum nationalen Koordinator für visuelle Künste des Programms Artists in Schools der NEA ernannt, eine Position, die er zwei Jahre lang innehatte. In dieser Position bereiste Rigsby das Land, prüfte Zuschussanträge und traf sich mit führenden Vertretern der Regierung, des Bildungswesens und der Kunst, um Programmkonzepte zu fördern und lokale Möglichkeiten zu erkunden. Die Botschaft, die er immer wieder wiederholte, erinnerte an eine der anderen großen Einflüsse auf Rigsby als Künstler - Ruth Asawa Lanier, deren Worte ihn lehrten, dass die gesamte Arbeit des Künstlers die Arbeit des Künstlers ist, nicht nur die Gemälde, die er schafft. In seiner Eigenschaft als Nationaler Koordinator und auch in Zukunft betonte Rigsby, dass Künstler genauso funktionieren wie alle anderen Menschen in der Gesellschaft und dass sie den gleichen Respekt und Platz für ihre Arbeit verdienen wie alle anderen Berufe auch. Nachdem er zwei Jahre lang durch das Land gereist war, war Rigsby bereit für eine Veränderung: "Zum ersten Mal in meinem Leben als Erwachsener hatte ich keine Bilder, die für die Jahre, die ich in meine Arbeit investiert hatte, sprechen konnten."
1976 führte ein Sommeraufenthalt in der Berggemeinde Central City, Colorado, zu einer dauerhaften Umsiedlung. Als er sich schließlich in der Kleinstadt Evergreen niederließ, befolgte Rigsby seinen eigenen Rat, dass Künstler sich aktiv in ihren Gemeinden engagieren sollten, und gründete das Evergreen Visual Arts Center. Das Zentrum bot Arbeitsräume für Künstler, Kurse für Erwachsene und Kinder und vor allem einen Ort, an dem Rigsby seine eigenen Werke schaffen konnte. Ermutigt durch die Möglichkeit, sich wieder auf seine Kunst zu konzentrieren, und inspiriert durch seine neue Umgebung, begann Rigsby eine äußerst produktive Phase seiner Karriere. Im Jahr 1977 organisierte er eine Wanderausstellung seiner Bilder, die im Kimball Arts Center in Utah, im Kennedy Center in Washington, D.C., und im Arvada Center in Colorado gezeigt wurde.
1978 fanden weitere Ausstellungen statt, vor allem in Aspen und Denver, und Rigsby setzte seine Arbeit fort. Er unternahm eine ausgedehnte Reise zu seinem Mentor Tatsu Heima nach Japan, wo er den Berg Fuji bestieg, gefolgt von Reisen nach Teheran, Delhi und in mehrere europäische Länder. Nach seiner Rückkehr in die USA hielt er seine Reiseeindrücke in einer kleinen Gemäldesammlung fest - der Beginn einer Praxis, die er für den Rest seines Lebens fortsetzen sollte. 1979 scheiterte Rigsbys Ehe, und gleichzeitig verlor er den Mietvertrag für sein Studio in Evergreen aufgrund von Umbauplänen. Als Reaktion auf das persönliche Chaos um ihn herum begann Rigsby mit einer Reihe von Bildern, die er als "knallharte Prozessbilder" bezeichnete, den Aquarellbildern mit Punkten, die sein Werk aus dieser Zeit kennzeichnen. Die Gemälde brachten ihm 1980 ein NEA Individual Artist Stipendium und 1981 ein Yaddo-Stipendium ein. Auf die Polka-Dot-Gemälde folgte eine Serie von Cupcake-ähnlichen Bildern, in denen ebenfalls Raum und Farbe untersucht wurden.
In den frühen 1980er Jahren lebte Rigsby in einer Suite alter Zahnarztpraxen in einem heruntergekommenen Viertel von Denver, mit einem Studio in einer Gegend, die ihn an die Bowery in New York erinnerte. 1984 gründete Rigsby in dem Gebäude, in dem er wohnte, die Galerie Progreso, in der er sowohl seine eigenen Werke als auch die vieler Künstler aus Colorado ausstellte. Die Galerie diente auch als Anlaufstelle für die lokale Kunstszene von Denver und veranstaltete wöchentliche Diskussionsgruppen und Kurse. Im Jahr 1984 reiste Rigsby auf die Baja-Halbinsel und 1985 nach Jugoslawien. Nach jedem Aufenthalt kehrte Rigsby zurück, um auf der Grundlage seiner Erfahrungen lebendige und explosive Gemälde zu schaffen, die er in seiner Galerie in Progreso und einer anderen alternativen Galerie in Denver, der Edge Gallery, ausstellte. Die wirtschaftliche Rezession Mitte der achtziger Jahre traf den Kunstmarkt und Rigsby jedoch hart, und obwohl er weiterhin neue Kunstwerke schuf, waren große Ausstellungen nur schwer zu bekommen.
1987 beschloss Rigsby, Denver zu verlassen und verbrachte sechs Monate in Barcelona, Spanien. Es war eine elektrisierende Reise für ihn. Rigsby schrieb über diese Zeit:
"Allein die Straßen sind ein visuelles Fest, und die Hinzufügung von Museen von Saarinen, Picasso und Miro bis hin zu Ikonen aus dem 12. Jahrhundert führte zu einer künstlerischen Verdauung. In meinen Bildern geht es immer darum, wie die Dinge aussehen und sich anfühlen. Barcelona war eine Zeitmaschine, die diese sensorischen und emotionalen Belange bis ins Mittelalter zurückführte. Ich hatte das Bedürfnis, meine Arbeit auf die wesentlichen Elemente von Farbe, Maßstab, Zeichnung und Format zu reduzieren. Die [daraus resultierenden] Farbstudien sprechen für sich selbst und definieren damit die gesamte Arbeit, die ich in den letzten 35 Jahren der Malerei gemacht habe, neu".
Während seines Aufenthalts in Barcelona schuf Rigsby über hundert Gemälde - Farbstudien, Straßenporträts von Personen, denen er täglich begegnete, und eine Reihe von dunklen Landschaftsbildern. Er fand Zeit, mit den Stieren in Pamplona zu laufen, und begann, Geschichten über seine Abenteuer zu schreiben, die später veröffentlicht wurden.
Nach seiner Rückkehr nach Denver im Jahr 1988 fuhr Rigsby fort, die Alter Egos der Farbstudien zu erforschen - er konzentrierte sich auf eine Serie von dunklen Gemälden, in denen der Rücken im Vordergrund steht. Über diese schwarzen Bilder sagte er: "Es war an der Zeit, die Wahrnehmung des Auges und des physischen Raums zu erforschen, wie sie durch schwache Lichtverhältnisse definiert wird... Ich finde diese Bilder elegant, fröhlich und lichtdurchflutet, ohne jegliches Gefühl von Schwere." Mitte 1988 zog Rigsby endgültig nach Houston, Texas, um, wo er die letzten fünf Jahre seines Lebens verbrachte.
In Houston machte Rigsby eine Entdeckung, die als Inspiration und MATERIAL für einige der letzten Werke seiner Karriere dienen sollte. Im Jahr 1989 entdeckte er einen Schrottplatz mit Gummiabfällen und begann mit der Arbeit an schwarzen Gummiskulpturen und Gemälden mit Gummielementen. Er knüpfte enge Kontakte zur alternativen Kunstszene in Houston und wurde regelmäßiger Mitarbeiter und Kunstkritiker einer lokalen Wochenzeitung, The Public News. Von 1989 bis 1992 stellte er seine Skulpturen und Gemälde in der Brent Gallery in Houston, der Fountainhead Gallery und der Blaffer Gallery aus. Außerdem stellte er eine Installation seiner Gummiskulpturen auf dem Dach der Diverse Works Gallery in Houston auf. 1992 kehrte Rigsby nach Denver zurück, als er seine Skulpturen in der Payton-Rule Gallery in Denver ausstellte, was zu einem Absolut Rigsby-Auftrag von Carillon Importers führte.
Die 1990er Jahre waren für Rigsby ein enormer Kampf. Zu den finanziellen Krisen kam ein körperliches Trauma hinzu (er sägte sich versehentlich das obere Gelenk des Zeigefingers seiner linken Hand ab, während er in seinem Studio arbeitete). Obwohl seine Arbeiten ausgestellt wurden, verkauften sie sich nicht, und der enorme finanzielle Druck, den er verspürte, lastete schwer auf ihm. Er verbrachte immer mehr Zeit damit, auf Flohmärkte und Garagenverkäufe zu gehen, die dort gekauften Dinge zu restaurieren und zu reparieren und sie dann weiterzuverkaufen, nur um genug Geld für ein Dach über dem Kopf zu haben. Er hatte wenig Zeit, um zu malen oder zu modellieren, die Dinge des Lebens, die ihm immer Freude bereitet hatten, ganz gleich unter welchen Umständen.
Rigsbys letzte Arbeiten waren eine Reihe komplizierter Gemälde und Zeichnungen auf gebrauchten Büchern, die er auf dem Flohmarkt gekauft hatte. Die meisten dieser Zeichnungen, die er als skulpturale Formzeichnungen bezeichnete, wurden auf Seiten von wissenschaftlichen Texten, Musikbüchern und einer koreanischen Bibel ausgeführt und füllen Hunderte von Seiten. Darüber hinaus schuf Rigsby ein exquisites Buch mit dem Titel 28 de los Angeles, in dem seine achtundzwanzig schlichten und eleganten Engelszeichnungen den Einfluss von Rembrandt widerspiegeln, den er in seinen frühen Tagen so bewundert hatte. In gewissem Sinne schließt sich mit Rigsbys letzten Werken, die er auf gebrauchten Büchern, den einzigen Materialien, die er sich leisten konnte, geschaffen hat, der Kreis seiner Arbeit und seines Lebens aus der Kindheit. Rigsbys Leben begann und endete zwar unter widrigen Umständen, wurde aber dennoch von seinem unwiderstehlichen Drang, Kunst und Schönheit zu schaffen, erhellt und bereichert.
John David Rigsby kam im August 1993 bei einem Unfall mit einem Auto in Colorado ums Leben.
Biographie aus dem Archiv von askART
Es folgt ein Bericht von Michael Paglia über die Retrospektive des Künstlers im Juli 2004 im Denver Museum of Contemporary Art. Es wurde von John Rigsby, JR, dem Sohn des Künstlers, eingereicht.
Das Museum of Contemporary Art in Denver widmet dem Werk des verstorbenen John David Rigsby, der in der Kunstszene von Colorado eine wichtige Rolle gespielt hat, eine großartige Retrospektive. "Dots, Blobs and Angels" gibt einen Überblick über mehr als vierzig Jahre Gemälde und Skulpturen des außergewöhnlichen Künstlers.
Das Jahr 1993 war seltsam, und damit meine ich schrecklich. Viele der Galerien der Stadt schlossen wegen der schlechten Wirtschaftslage, und dann begannen die Künstler zu sterben. Innerhalb weniger Monate hat Denver drei bedeutende Künstler verloren: Rigsby, den experimentellen Fotografen Wes Kennedy und den figural-abstrakten Maler Edward Marecak. Interessanterweise waren sie alle in den letzten zwei Jahren Gegenstand von Solospielen gewesen, so dass sie allen noch in frischer Erinnerung waren.
Ich erwähne Kennedy und Marecak im Zusammenhang mit Rigsby, weil das Schicksal ihrer Werke den weit verbreiteten Mythos widerlegt, dass nach dem Tod eines Künstlers das Interesse an seiner oder ihrer Kunst zunimmt. In Wahrheit geraten die meisten Künstler, selbst diejenigen mit einer herausragenden Karriere und einem glaubwürdigen Werk, nach ihrem Tod allmählich in Vergessenheit.
Kennedy ist ein gutes Beispiel: Wann haben Sie, abgesehen von ein oder zwei Werken in einer Gruppenausstellung, das letzte Mal eines seiner Werke gesehen? Marecak hat es besser getroffen, weil er Teil der modernen Szene der Jahrhundertmitte war, und das Interesse an den Künstlern dieser Zeit wächst. Schließlich ist da noch Rigsby, der wie Kennedy langsam in Vergessenheit gerät. Dots, Blobs and Angels will das ändern - und das tut es auch weitgehend.
Cydney Payton, die fähige Direktorin des MCA, stellte die Ausstellung zusammen, wählte die Stücke aus und beaufsichtigte wie üblich die Installation. In beiden Fällen hat sie ihre Sache hervorragend gemacht. Ihre Auswahl repräsentiert die ihrer Meinung nach zentralen Werke von Rigsby, und durch die intelligente Anordnung in chronologischer Reihenfolge (obwohl es einige Ausnahmen gibt), führt Payton den Betrachter durch Rigsbys subtile Verschiebungen der ästhetischen Theorie.
- Maße:Höhe: 82,55 cm (32,5 in)Breite: 62,23 cm (24,5 in)Tiefe: 3,81 cm (1,5 in)
- Stil:Moderne der Mitte des Jahrhunderts (Aus dem Zeitalter)
- Materialien und Methoden:
- Herkunftsort:
- Zeitalter:
- Herstellungsjahr:1960
- Zustand:Abnutzung dem Alter und der Nutzung entsprechend.
- Anbieterstandort:Hudson, NY
- Referenznummer:1stDibs: LU8210238876142
Anbieterinformationen
5,0
Geprüfte*r Anbieter*in
Jede*r Anbieter*in erfüllt strenge Standards bezüglich Echtheit und Zuverlässigkeit
Gründungsjahr 1991
1stDibs-Anbieter*in seit 2023
18 Verkäufe auf 1stDibs
Typische Antwortzeit: <1 Stunde
- VersandAngebot wird abgerufen …Versand von: Great Barrington, MA
- Rückgabebedingungen
Einige Inhalte dieser Seite wurden automatisch übersetzt. Daher kann 1stDibs nicht die Richtigkeit der Übersetzungen garantieren. Englisch ist die Standardsprache dieser Website.
Mehr von diesem*dieser Anbieter*in
Alle anzeigenAvshalom Okashi: Abstrakte Komposition, Öl auf Leinwand, datiert 1961
Von Avshalom Okashi
Okashi wurde in Israel geboren und studierte Malerei, während er als Schafhirte in Galiläa arbeitete.
Sein Frühwerk war figurativ, während sein späteres Werk durch kühne Abstraktio...
Kategorie
Mitte des 20. Jahrhunderts, Israelisch, Moderne der Mitte des Jahrhunder...
Materialien
Leinwand, Farbe
Surrealistisches Gemälde von Charles Oscar, Amerikaner, um 1956
Von Charles Oscar
Ein selten zu findendes Stück. Aufgrund seines frühen Ablebens ist die Zahl der verfügbaren Werke dieses Künstlers begrenzt. Seine Werke sind in allen wichtigen Sammlungen der Verein...
Kategorie
Vintage, 1950er, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Blattgold
Balcomb Greene Wind Ocean Sun 1963
Von Balcomb Greene
Wind, Meer, Sonne von Balcomb Greene aus dem Jahr 1963. Signiert auf der Vorderseite, betitelt und datiert auf der Rückseite.
Gemälde der Montauk-Küste von Balcomb Greene sind rar ge...
Kategorie
Vintage, 1960er, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Leinwand, Farbe
Preis auf Anfrage
Naohiko Inukai, Ölgemälde auf Leinwand, 1966
Ein fantastisches Original in Öl auf Leinwand von Naohiko Inukai. Es handelt sich um die Nummer vierzig einer Serie von farbigen Landschaften, die er Mitte der 1960er Jahre schuf, un...
Kategorie
Vintage, 1960er, amerikanisch, Minimalistisch, Gemälde
Materialien
Leinwand, Farbe
Balcomb Greene, „Die Cliffs“, 1978
Von Balcomb Greene
Die Klippen von Balcomb Greene aus dem Jahr 1978. Signiert auf der Vorderseite, betitelt und datiert auf der Rückseite.
Gemälde der Montauk-Küste von Balcomb Greene sind rar gesät. D...
Kategorie
Vintage, 1970er, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Leinwand, Farbe
Preis auf Anfrage
Akt, Öl auf Leinwand, von Jacob Glushakow
Jacob Glushakow (1914 - 12. Oktober 2000[2]) war ein amerikanischer Maler, der für seine scharfen Beobachtungen des Lebens in der Stadt Baltimore, Maryland, USA, bekannt war.
Er mach...
Kategorie
Mitte des 20. Jahrhunderts, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhund...
Materialien
Leinwand, Farbe
Das könnte Ihnen auch gefallen
Abstraktes Ölgemälde aus der Jahrhundertmitte
Abstraktes Ölgemälde aus der Mitte des Jahrhunderts, gerahmt in einem einfachen Holzrahmen.
Kategorie
Vintage, 1960er, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Leinwand, Holz, Farbe
Original abstraktes Ölgemälde auf Leinwand von Rita Hvilivitzky, 1962
Abstraktes Ölgemälde im Vintage-Stil auf Leinwand von Rita Hvilivitzky, 1962.
Kategorie
Mitte des 20. Jahrhunderts, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhund...
Materialien
Leinwand, Farbe
Abstrakte Mid Century Modern Gemälde signiert Wiggen 44" x 36"
Großes farbenfrohes abstraktes Ölgemälde, signiert Wiggen, Amerikaner, um 1967. Es misst eine beeindruckende Höhe von 44,5" und eine Breite von 36,25", gerahmt. Eindeutig von Larry R...
Kategorie
Vintage, 1960er, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Leinwand, Farbe
Abstraktes Ölgemälde in Mischtechnik von Janet Rae, Vintage
Abstraktes Vintage-Gemälde in Mischtechnik auf Leinwandkarton in Öl, Stroh und Sand von Janet Rae. Gerahmt in einem rustikalen Holzrahmen.
Kategorie
Mitte des 20. Jahrhunderts, amerikanisch, Moderne der Mitte des Jahrhund...
Materialien
Stroh, Farbe
Modernes abstraktes Gemälde aus der Jahrhundertmitte
Abstrakte Malerei der Jahrhundertmitte
Dieses helle und dunkle abstrakte Mid-Century-Kunstwerk ist ein fesselndes abstraktes Gemälde, das 36 Zoll in der Breite und 48 Zoll in der...
Kategorie
Vintage, 1950er, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Farbe, Acryl
Vintage Mid Century abstrakte Malerei auf Leinwand
Schöne kühne Vintage Mid-Century abstrakte Malerei auf Leinwand. Wunderbare Farben und Ausdruck. Trueing Stück mit lebendigen Farben, texturierte Pinselstriche schön in dünnen Messin...
Kategorie
Mitte des 20. Jahrhunderts, Moderne der Mitte des Jahrhunderts, Gemälde
Materialien
Leinwand, Holz, Farbe
