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Kees van DongenUn nu feminin - Acuarela Figurativa Desnudo Fauvista de Kees van Dongenc.1900
c.1900
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Acerca del artículo
Acuarela desnudo sobre papel firmada hacia 1900 por Kees van Dongen. La obra representa a una mujer desnuda de pie, con el pelo recogido y de espaldas al artista. Esta magnífica obra puede compararse directamente con una acuarela horizontal de un desnudo femenino de Van Dongen que se vendió en Sothebys Londres el 5 de diciembre de 1985 y que representaba probablemente a la misma modelo.
Firma:
Firmado abajo a la derecha
Dimensiones:
Enmarcado: 20,5
Sin enmarcar: 16
Procedencia:
Colección privada - Alemania
El padre de Kees van Dongen le colocó por primera vez en una escuela de diseño industrial y arte decorativo de Róterdam. Más tarde, en 1894-1895, se convirtió en alumno de J. Striening y J.G. Heyberg en la Academia de Bellas Artes de Rotterdam. Sus primeros cuadros de esta época estaban firmados C. Van Dongen y, a partir de 1896, publicó dibujos, a menudo de mujeres de la calle, en periódicos locales, sobre todo en el Rotterdamsche Nieuwsblad, donde crearon un escándalo. Tras un viaje a Nueva York en julio de 1897, pasó una temporada en París, viviendo con Siebe Ten Cate, que le presentó a los marchantes de arte Le Barc de Bouteville y "le père Soulier". Sin embargo, la falta de recursos le obligó a recurrir a trabajos serviles como portero en Les Halles, mudador de muebles, retratista en las terrazas de los cafés y luchador profesional. En marzo de 1900 se instaló definitivamente en París y en 1901 se casó con su compañera de la Escuela de Bellas Artes Augusta Preitinger, llamada Guus. En 1905 nació su hija Augusta, apodada Dolly. En 1905-1906 se unió a Picasso, aunque esta amistad no influyó en su propio desarrollo artístico, y se instaló en el Bateau-Lavoir, donde también vivían Pierre Mac-Orlan, André Salmon y Max Jacob, y donde Apollinaire, que le tenía antipatía, y Dérain, Vlaminck y otros eran visitantes asiduos. A menudo iba con Picasso al circo Médrano, donde hacía cuadros de payasos y acróbatas. Fernande Olivier, entonces compañera de Picasso, modelaba a menudo para él.
De 1910 a 1912 realizó varios viajes a España, Italia, Marruecos, Túnez y Egipto. En 1916, separado por la guerra de su mujer y su hija, Van Dongen se instaló en Villa Saïd, que pronto se convirtió en el lugar de reunión de los que importaban en París y, lo que es más importante, en el estudio donde se pintó el mayor número de grandes retratos de sociedad. Había sido introducido en la llamada "alta sociedad" por su nuevo compañero, Leo Jasmy Jacob. Entre 1920 y 1930, Van Dongen dividió su tiempo y su actividad entre Cannes, Deauville, Venecia y París. En 1921 realizó una visita a Venecia y en 1922 se instaló en una lujosa mansión privada de París, en el número 5 de la rue Juliette-Lamber. El estudio del primer piso era su zona de trabajo. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1926. En 1935 trasladó su estudio de París al 765 de la rue de Courcelles, y en 1938 inició una relación con Marie-Claire Huguen, que le dio un hijo, Jean-Marie. Su actividad fue intensa hasta la Segunda Guerra Mundial; después se ralentizó. Tras la guerra, abandonó las grandes obras y pintó nuevos retratos, entre ellos uno de la actriz Brigitte Bardot. Dividió su tiempo entre París, Deauville y el Midi, donde se instaló con su nueva compañera y su hijo en Mónaco.
Las dificultades personales de su juventud le habían permitido comprender las desgracias sociales que trajo consigo el periodo industrial, y dedicó parte de su obra a representar a los excluidos de la sociedad. A su llegada a París entró en contacto con Félix Fénéon, director de la Revue blanche, quien le presentó a los pintores puntillistas Maximilian Luce, Edmond Cross y Signac, que le influyeron en su técnica pictórica. Durante este periodo, ocupado en parte en hacer rápidos bocetos de personajes típicos de las calles de París, se vio especialmente influido por los trazos incisivos de Steinlein, Forain y Toulouse-Lautrec, influencias que contribuyeron a la aparente simplificación de su dibujo. De 1901 a 1903, colaboró en las publicaciones ilustradas de la época: Rabelais; Le Rire; L'Indiscret; Gil Blas; Frou-Frou y, por supuesto, la Revue blanche. A partir de 1901, un número especial de L'Assiette au Beurre: Petite histoire pour petits et grands nenfants (sic) se dedicó totalmente a sus dibujos, con los que ganó 800 francos. Entre 1895 y 1912 aproximadamente, una parte de su obra, principalmente grandes dibujos sobre papel, parecía completamente dedicada a denunciar la pobreza, el alcohol y la prostitución.
A pesar de todo, es a su periodo fauvista al que debe su lugar en la historia. Este periodo fue relativamente largo en su caso, pues abarcó unos ocho años, durante los cuales permaneció indiferente al fenómeno cubista. Desde su Autorretrato y Sueño de pipa de 1895, la violencia de su paleta le situó como prefauvista. George Duthuit, historiador del fauvismo y yerno de Matisse, escribió: "Van Dongen ha seguido a los fauves a distancia, incluso podría haberse adelantado a ellos a partir de 1895, sin darse cuenta". Durante el periodo fauve, sus sensuales desnudos, modelados a menudo por "Anita, la gitana", llamaron la atención de críticos como Félix Fénéon y Louis Vauxcelles, que los calificaron inapropiadamente como "los más radiantes, los más cálidos desde Renoir", con quien no tenía nada en común. Uno de los dos cuadros que figuraron en 1905 en la zona fauvista del Salón de Otoño fue un Torso basado en su esposa Guus, "bestial y resplandeciente" según Élie Faure. En una bonita frase, Gustave Coquiot escribió que Van Dongen había descubierto que la mujer era el más bello de los paisajes. Durante 1905, cuando expuso en las galerías Berthe Weill y Druet, la creación de algunos de estos cuadros estuvo marcada, a partir de 1903, por la pincelada separada de los neoimpresionistas: "... en una retrospectiva de Seurat, pude copiar su estilo y añadirle algo", influencia que rechazó durante mucho tiempo, y a la que sólo volvió en sus últimos años. Además de desnudos, también pintó personajes de teatro, payasos y bailarinas, y más tarde, varios retratos.
Tras el nacimiento de su hija en 1905, creó muchos retratos muy tiernos, como El nacimiento de Dolly y Guus y Dolly desnudos. En Venecia, en 1921, pintó una serie de 21 retablos, entre ellos Una mujer americana en Venecia y El gondolero. A partir de 1922, en el estudio de la rue Juliette-Lamber, continuó la serie de grandes retratos: La condesa de Noailles; el presidente Louis Barthou; el presidente Paul Painlevé; el Aga Khan; el rey Leopoldo III; los actores Maurice Chevalier, Jules Berry y Arletty, cuyo espléndido humor descarado se prestaba especialmente a los estudios de Van Dongen sobre los tipos de personajes; y muchos más. También pintó paisajes en París, Versalles, Venecia, Deauville, Cannes y Egipto, y flores. Habiendo renunciado a la pincelada punteada, había sustituido el brillo óptico por el color puro y elevado del fauvismo. Durante los años en que fue fiel al fauvismo, utilizando sólo colores básicos, rechazó el sombreado de los colores, el modelado de las formas y la profundidad de campo, y en su lugar favoreció los contrastes violentos y cromáticos y los dibujos divididos por largos y sinuosos arabescos. En estos extremos de arabescos aplastados y de puro color plano, Van Dongen se reveló mucho más violento en su fauvismo que Matisse, que al mismo tiempo se dedicaba a refinar su obra, empezando por su Alegría de vivir y su Lujo. En este periodo, la observancia de las reglas fauvistas relativas a la "forma plástica" en sí no le impidió seguir siendo el moralista cortante, heredero de Daumier y Toulouse-Lautrec, ni echar a veces una mirada de reojo a Klimt, como en su Retrato de Guus en azul, sentado de 1910, hoy en una colección privada de Lausana. Podría decirse que era uno de los fauves porque el fauvismo encajaba exactamente con su inclinación natural anterior. Se alineó fácilmente con los fauves porque ante todo era expresionista, y siguió siéndolo después de que el fauvismo se diluyera y dispersara en la diversidad de sus intereses.
Después de su verdadero periodo fauvista, el estilo de Van Dongen evolucionó gradualmente, la gama de colores se hizo más refinada, aparecieron los grises, los arabescos de sus diseños se alargaron hasta el punto de ser manieristas. A partir de 1918, los pedidos de retratos se multiplicaron por parte de diplomáticos, personalidades políticas y aristócratas. En 1925, Paul Gsell dijo de sus retratos de sociedad: "Algunos de estos retratos expresan una burla feroz. Tanto peor para los sentados, pero Van Dongen es poderosamente irónico y un astuto moralista...". En 1920, pintó a Anatole France, acentuando las marcas de la edad en el académico, y a Boni de Castellane, haciendo hincapié en el gastado hígado rápido más que en el dandi perdurable que Cocteau describió como una combinación de "el orgullo, la magnificencia y la grandiosa superficialidad de un crepúsculo de los dioses". Pintaba sus retratos de mujeres con grandes pinceladas, extendiendo densamente el negro del kohl y el azul de los párpados sobre tonos de piel con sombras verdes y violetas, haciendo que se vieran pechos, caderas y piernas a través del indiscreto tul. Tampoco se resistió al truco del dibujante de dar forma al brillo de los collares de perlas que llevaban sus modelos, utilizando intensos haces de blanco para contrastar con el fondo de color, dibujado con una sola línea, y proyectado mucho más allá de las joyas. Lejos de halagar a sus modelos, las sobrecargaba, dejando que la vulgaridad se manifestara a través de su aire de sofisticación. El prestigio de su nombre en la snob sociedad parisina consiguió lo que su incomprendido talento no habría obtenido de sus clientes: la satisfacción de verlos ridiculizados. En la misma época, las marinas de Deauville y las escenas parisinas vuelven a abrir una mirada cáustica sobre una sociedad tan chillona como de gusto dudoso, y tienen el mismo talento y vigor pictóricos.
En la última parte de su vida, Van Dongen ilustró tres cuentos de Kipling y algunas novelas, así como La princesa de Babylone de Voltaire, Les fleurs du mal de Baudelaire y todo En busca del tiempo perdido de Marcel Proust.
Las mujeres seguían acudiendo a él para que les pintara sus retratos. Les dio los mismos ojos enormes, bordeados de pestañas negras, la misma boca sensual ligeramente abierta para revelar unos dientes brillantes, el mismo cuerpo esbelto, estirado, moldeado, adivinado a través de vestidos insustanciales y realzado por joyas llamativas. El manierismo había sustituido a la agudeza psicológica. Hasta el final de una larga vida repitió sus temas familiares, mujeres, retratos, escenas de sociedad y flores, cada vez con menos convicción y más conformidad.
Participó en exposiciones colectivas y, a su llegada a París, expuso varios lienzos en "le père Soulier"; en febrero de 1904 mostró seis cuadros en el Salón de los Artistas Independientes, que fueron inmediatamente apreciados por la crítica; se unió a Vlaminck y Dérain y, en noviembre del mismo año, expuso dos cuadros en el Salón de Otoño. En 1905 se presentó en el Salón de Otoño con dos cuadros en la famosa sala dedicada a la obra de lo que se dio en llamar los Fauves. Firmó un contrato con Kahnweiler en 1907 y con la galería Bernheim Jeune, dirigida por Félix Fénéon, en 1908. Kahnweiler había dado a conocer su pintura en Alemania y le había presentado al pintor Pechstein, quien a su vez le presentó a los pintores de Die Brücke. En 1908 fue invitado a participar en una exposición de Die Brücke, probablemente en Múnich, y tal vez en otras exposiciones. Era un reconocimiento, aparte de su pertenencia al fauvismo, de que pertenecía, como hombre del norte, al expresionismo. Expuso en 1908-1909 en Moscú con el grupo del Toisón de Oro; en 1909-1910 en Odessa, Kiev, San Petersburgo y Riga y en el Salón Izdebsky y en el Salón de Otoño de 1913. Uno de sus cuadros, inocentemente titulado Cuadro ( Tableau), fue juzgado obsceno por el Prefecto de Policía y retirado de la exposición. El cuadro en cuestión era un gran desnudo, modelado por su esposa Guus, titulado sucesivamente Desnudo con palomas, Mendigo de amor, El chal español y Desnudo con chal amarillo. En 1928 participó en la exposición de pintura francesa contemporánea de Moscú y hasta la Segunda Guerra Mundial siguió exponiendo en Salones anuales parisinos y en numerosos países.
Su obra se benefició sobre todo de las exposiciones individuales: en 1904, Ambroise Vollard le organizó una verdadera retrospectiva, reuniendo 105 obras de 1892 a 1904, que probablemente fue un éxito a pesar de su estilo de colorido exagerado; en 1905, exposiciones individuales en las galerías Berthe Weil y Druet; 1913, 1921, 1925, Galería Bernheim Jeune, París; 1914, Galería Cassirer, Berlín; 1918, Galería Paul Guillaume, París. En 1922 rompió con todas las galerías y se convirtió en su propio marchante, organizando exposiciones en su estudio de la planta baja, a las que acudía la élite parisina, una combinación de cabezas coronadas, anarquistas, pintores duros y millonarios. Durante la Segunda Guerra Mundial realizó una gran exposición retrospectiva en la Galería Charpentier. Después de la guerra empezó a exponer por todo el mundo. En 1967, un año antes de su muerte, el Museo Boijmans van Beuningen de Ámsterdam y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París organizaron una gran exposición retrospectiva de toda su obra.
Exposiciones colectivas:
1979, París-Moscú, Centre Georges Pompidou, París
1999, El Fauvismo o "La prueba de fuego": La Erupción de la Modernidad en Europa (Le Fauvisme ou 'L'Épreuve du Feu': Éruption de la Modernité en Europe), Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris
Exposiciones individuales
1990, Museo Boijmans van Beuningen, Amsterdam y Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París
1997, Van Dongen redescubierto, Museo de Bellas Artes de Lyon y en el Instituto Neerlandés de París
2002, Fundación Pierre Gianadda, Martigny (retrospectiva)
2002, Kees van Dongen. Líneas Elegantes: Lithos, Pochoirs and Paintings, Kunsthal, Rotterdam (presentación de toda la obra gráfica en relación con sus pinturas)
2008, Nuevo Museo Nacional de Mónaco (retrospectiva)
2009, Van Dongen: Un fauve en la ciudad, Museo de Bellas Artes de Montreal
Museos y galerías
Amsterdam (Rijksmus.): Naturaleza muerta con flores
Amsterdam (Museo Stedelijk): Payaso viejo (1910); Retrato de la condesa Anna de Noailles (1926)
Angers (MBA): Bailarina española
Amberes (Koninklijk Mus. voor Schone Kunsten): Monseñor Gerassimos Messara
Bruselas (Embajada de Francia): Domingo en el Bosque de Boulogne
Bruselas (Mus. royaux des Beaux-Arts de Belgique): Louis Barthou
Chicago (AI): Mujer ante una ventana blanca (1910-1914); Rue de la Paix (1910-1914); Té en mi estudio (1910-1914)
Colonia (Mus. Wallraf-Richartz): Retrato de una pintora suiza
Copenhague (Statens Mus. for Kunst): Cabeza de mujer (1913)
Ginebra (Petit Palais): Retrato de D.H.Kahnweiler; Payaso viejo; Plaza del pueblo; Playa de Deauville
Grenoble (Mus. de Grenoble): Diversión (1914); Mujer con abanico (1922); Mujer en el hogar
El Havre (Mus. Malraux): Montmartre (1903); Jinetes en el Bois de Boulogne (1906); Mujer parisina de Montmartre (1910); Ramo de flores
Lyons (MBA): Mujer frente a una puerta
Montpellier (Mus. Fabre): Fernande Olivier (1908)
Montreal (MAC): Llovizna, Normandía; Jovencita
Moscú (Museo Pushkin): Mujer con guantes negros (c. 1910)
Nantes (MBA): Pasatiempo honesto
Nueva York (Museo de Brooklyn): Dr. W.S. Davenport
Nueva York (MoMA): Madame Modjesko, soprano (1908)
Niza: Embajador de Haití, Auguste Cassius
Niza (MBA Jules Chéret): El hombre azul y la mujer roja (c. 1918)
París (MAMVP): Dos mujeres (1908); Cuenco florido (c. 1925); Retrato de Paul Guillaume
París (MNAM-CCI): Acróbata con los pechos desnudos (c. 1910); Barandilla del Palacio del Elíseo (c. 1912); Lago en el Bois de Boulogne (c. 1912); Fellahs (1913); Bailarina española (c. 1913); Deauville, barco para Le Havre y Trouville (c. 1920); Pareja (1920); Retrato del Artista como Neptuno (1922); Retrato de Madame Jasmy-Alvin (1925); Retrato de Madame Jenny (1926); Retrato de la actriz Paulette Pax (1928)
Roma (Gal. Nazionale d'Arte Moderna): Mujer de blanco (c. 1910)
Rotterdam (Mus. Boijmans Van Beuningen): Casa en Montmartre (1903); Interior con puerta amarilla (1910); Retrato del Dr. Charles Rappoport (1913); Dedo en la mejilla
San Francisco (Palacio de la Legión de Honor de California): En el Folies Bergeres (1909, óleo sobre lienzo); Retrato de una joven (1920, óleo sobre lienzo)
San Francisco (MA): Camisa Negra (1906)
San Petersburgo (Ermitage): Mujer con sombrero negro (antes de 1910); Bailarina roja (c. 1907)
St-Tropez (Mus. de l'Annonciade): Mujeres en la balaustrada (1907-1910); En la plaza (1910); Gitana; Burrito en la playa (c. 1930)
La Haya (Gemeentemus.): Flores; Chicas del puerto (1920)
La Haya (Rijksverspreide Kunstvoorwerpen): Gran Canal de Venecia (1921)
Tourcoing: Pareja (1912)
Troyes (MAM, donación Pierre y Denise Lévy): En el Moulin Rouge (1904)
Tucson (MA, Universidad de Arizona): Pescador remendando su red (1892); Jugadores de polo (1947)
Wuppertal (Museo Von der Heydt): Retrato del barón Auguste von der Heydt; Joven en la playa
- Creador:Kees van Dongen (1877-1968, Holandés)
- Año de creación:c.1900
- Dimensiones:Altura: 52,07 cm (20,5 in)Anchura: 40,64 cm (16 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:Muy buen estado.
- Ubicación de la galería:Marlow, GB
- Número de referencia:Vendedor: LFA02131stDibs: LU415317202492
Kees van Dongen
El pintor holandés Kees van Dongen comenzó su carrera como un joven artista pobre sin formación formal que se encontró con el arte por casualidad. El estilo distintivo de Van Dongen le valió más tarde un lugar entre los artistas más de moda de su generación. Fue especialmente famoso en París durante los años 20 y 30, y se le conocía sobre todo por representar a la mujer moderna. Al principio de su carrera, van Dongen pintaba bailarinas y chicas de cabaret. Con el tiempo, se trasladó a un estudio, donde organizaba fiestas y bailes y empezó a pintar a mujeres de sociedad.
La obra de Van Dongen se encuentra en las colecciones más prestigiosas del mundo, como el Musée d'Art Moderne de la Ville de París, el Hermitage de San Petersburgo, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Nueva York o el Stedelijk Museum de Ámsterdam.
(Biografía facilitada por Galería Stern Pissarro)
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