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Boaz Vaadia"Zofar" Boaz Vaadia, Cuerpo humano, Bronce y piedra, Escultura antropomorfa1997
1997
34.790,16 €
Acerca del artículo
Boaz Vaadia
Zofar, 1997
Bronce, piedra azul y canto rodado
Total 20 x 29 x 27 pulgadas
De la edición del 7
Procedencia
Galería Elaine Baker, Boca Ratón, Florida
Boaz Vaadia es el escultor de fama internacional cuyas atemporales y evocadoras figuras de piedra habitan ahora museos, lugares de interés cultural, galerías de arte y colecciones privadas. Como grandes instalaciones en edificios importantes, parques y hogares de todo el mundo, dan un tono de paz y serenidad. Nacido y criado en Israel, Vaadia se trasladó a Nueva York en 1975 gracias a una beca que recibió de la Fundación Cultural Americano-Israelí. Vaadia estableció su estudio en el SoHo justo antes de que sus calles dieran a luz a una nueva comunidad de artistas en activo. Se destrozaron carreteras y se derribaron edificios. En el caos de la ciudad de Nueva York, descubrió suministros de la tierra. La pizarra y la piedra azul, materiales omnipresentes de la ciudad, son rocas sedimentarias de periodos glaciares, de millones de años de antigüedad. Los detritus de la ciudad: alféizares, tejas y bordillos vestigiales, estaban a disposición de un artista, lo que permitía reciclar los recursos de la naturaleza para construir, destruir y reconstruir edificios del futuro. Vaadia utilizó estos materiales para fabricar tótems personales que evocaban energías primigenias y rituales.
A partir de 1985, las representaciones del hombre y la mujer surgieron de la obra de Vaadia
anteriores efigies abstractas y monumentales. Aunque de forma generalizada, hay cierta individualidad en cada figura, ya que la intención del artista es representar la esencia de una persona concreta. "Me encanta la gente. Cada persona es única, como lo es la obra de un artista. Es importante que nosotros, como artistas, identifiquemos nuestra propia singularidad, al igual que cada individuo
necesita identificar su propia individualidad". Esta individualidad reside en la centralidad, no en los atributos superficiales. Es lo que nos une como seres humanos.
Vaadia talla a mano rodajas de pizarra y piedra azul, dándoles forma de capas en una especie de mapa topográfico. Apila las losas horizontales hasta que aparezca la silueta escalonada de una persona, un animal o un grupo. A veces coloca una sola pieza de piedra larga a través de una capa dentro de figuras yuxtapuestas para unirlas. Esta sutil estrategia sugiere la fusión y el amor compartidos entre las figuras. Considera la estratificación geológica de la piedra como un modelo natural para su propio proceso escultórico. Parece una metáfora lógica de nuestra estratificación humana de experiencia y memoria. La nueva obra de Vaadia se centra en gigantescas cabezas de piedra en capas, cabezas que se desarrollan a partir de pequeños estudios de personas concretas. Selecciona a todos los niñeros, empezando por sus propios hijos, Sara y Rebeca, y luego busca otras cabezas únicas entre la gente con la que trabaja y a la que ve por la calle. Vaadia hace fotos para formalizar
una primera impresión, y luego esculpe una semejanza en arcilla al óleo, añadiendo estrías para simular capas de piedra. El posterior molde de escayola empieza a disolver los detalles, centrándose en cambio en la masa, el volumen y el lenguaje corporal, cualidades características del modelo. Los detalles se difuminan, se hacen más genéricos en la manipulación de las capas de piedra. Vaadia escucha las impresiones de los espectadores, disfrutando de su proceso de completar los detalles y proyectar su propia interpretación sobre la obra. En los últimos años, Vaadia ha realizado fundiciones en bronce de muchas de las grandes piezas "al aire libre", así como de los estudios a distintas escalas. Vaadia conserva una colección de vaciados, uno de cada edición, y algunas de las obras de piedra originales, para prestarlos a museos públicos y a exposiciones itinerantes. En la primavera de 2005, dos grandes piezas se prestarán durante dos años al Museo y Escultura DeCordova
Parque de Lincoln, Massachusetts.
- Creador:Boaz Vaadia (1951, Americana)
- Año de creación:1997
- Dimensiones:Altura: 50,8 cm (20 in)Anchura: 73,66 cm (29 in)Profundidad: 68,58 cm (27 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1841217078092
Boaz Vaadia
Nacido en Gat Rimon en 1951, Vaadia creció en una comunidad rural donde sus padres, Nissim Vaadia y Rivka Horozlaski, cultivaban fresas. En 1968 se matriculó en el Instituto Avni de Bellas Artes de Tel Aviv, pero fue reclutado por el ejército israelí sólo un año después. Tras completar su servicio, volvió a la escuela y empezó a enseñar allí después de graduarse. En 1975, con una beca de la Fundación Cultural América-Israel, se trasladó a Nueva York, donde estudió en el Instituto Pratt. El artista dijo que pensó que el traslado era "el peor error de mi vida", pero "en una semana reconocí realmente que el entorno urbano de Nueva York es tan natural como mi pueblo". Vaadia empezó a recoger materiales como pizarra, tejas, piedra azul y cantos rodados después de descubrir un proyecto de construcción en curso cerca de su estudio en el SoHo. Mientras los obreros arrancaban la acera de piedra azul, Vaadia llevaba el material desechado a su desván, donde trabajaba con un martillo y un cincel para exponer aún más las capas sedimentarias de las rocas. Inspirado por las capas estratificadas, empezó a crear esculturas que se hacían eco de la composición natural de sus materiales. A medida que crecía su producción artística, se trasladó a un estudio en Williamsburg y empezó a coleccionar cantos rodados, pero al final se vio obligado a encargar materiales. Principalmente con nombres de figuras bíblicas, sus obras públicas pueden encontrarse al aire libre en parques y frente a comercios, así como en las colecciones de instituciones como el Museo Metropolitano de Arte, el MoMA de San Francisco, el Museo de Arte Bass y el Museo de Tel Aviv.
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El 24 de octubre de 1918, Sidney Gordin nació en Cheliábinsk, Rusia. Pasó sus primeros años en Shanghai (China). A los cuatro años se trasladó con su familia a Nueva York. El sobrino de Gordin, Eliot Nemzer, recuerda que cuando Gordin era niño asistió a "una cena con sus padres". Alguien le enseñó un libro de fotos que al hojearlo rápidamente hacía que la imagen pareciera moverse. Esta persona le dio entonces un fajo de papeles en blanco y algo con lo que escribir. Sid creó un tipo similar de imagen en movimiento con sus materiales. Todos los adultos de la fiesta se entusiasmaron [y] alabaron sus esfuerzos. Sid me dijo que creía que había sido una experiencia fundamental para orientarle hacia su vocación". Durante sus años de formación en el Instituto Técnico de Brooklyn, contempló brevemente la idea de convertirse en arquitecto; sin embargo, cuando se matriculó en Cooper Union, estaba decidido a convertirse en artista profesional. Allí estudió con Morris Kantor (1896-1974) y Leo Katz (1887-1982), dedicando gran parte de sus clases al dibujo y la pintura.
En 1949, Gordin se dedicó por primera vez a la escultura. Tres años más tarde, celebró su primera exposición individual en el Bennington College de Vermont y en la Peter Cooper Gallery de Nueva York. Ese mismo año fue aceptado en la exposición colectiva American Sculpture 1951 del Museo Metropolitano de Arte. Sus construcciones de metal y alambre se expusieron junto a escultores como Alexander Calder (1898-1976), William Zorach (1887-1966) y George Rickey (1907-2002). En los años siguientes, expuso con regularidad en las exposiciones anuales del Museo Whitney de Arte Americano, al tiempo que celebraba exposiciones anuales en solitario en la Galería Grace Borgenicht de Nueva York. A los tres días de su primera exposición individual en Borgenicht, en 1953, el Whitney hizo su primera adquisición de su obra comprando una construcción metálica para su colección permanente.
A finales de la década de 1950, empezó a emplear la madera en sus esculturas, lo que acabó desembocando en la creación de construcciones pintadas. Con un renovado interés por la pintura, Gordin alternó a menudo estas construcciones de madera pintada con la pintura bidimensional hasta su muerte a principios de los 90.
Tras un periodo como profesor en el Sarah Lawrence College y en la New School for Social Research de Nueva York, Gordin aceptó un puesto en el Departamento de Arte de la Universidad de Berkeley en 1958. En medio de la emergente escena artística del Área de la Bahía, Gordin enseñó junto a artistas como Peter Voulkos, Joan Brown y Jay de Feo. Coincidiendo con su traslado a Berkeley, celebró su primera exposición individual en la Costa Oeste, en la seminal Galería Dilexi de San Francisco. En 1962, el M.H. El De Young Memorial Museum de San Francisco organizó su primera exposición individual en un museo.
Sin embargo, aunque mantuvo su cátedra en Berkeley, Gordin nunca cortó del todo sus lazos con la Costa Este. Mantuvo un estudio en Provincetown, Massachusetts, que visitó a menudo a lo largo de los años, y siguió apareciendo en varias exposiciones organizadas por el Museo Metropolitano de Arte, el Whitney y la Galería Zabriskie hasta bien entrada la década de 1990. Durante las décadas siguientes, fue incluido en destacadas exposiciones colectivas, como Precisionist View in American Art y Geometric...
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