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David Hare
"Bailarina" David Hare, Desnudo masculino, Escultura figurativa, Surrealista de mediados de siglo
1955

Name: "Bailarina" David Hare, Desnudo masculino, Escultura figurativa, Surrealista de mediados de siglo
Brand: David Hare
Rating: 5 (16 reviews)

20.000 US$Precio de lista

Acerca del artículo

David Hare Bailarina, hacia 1955 Bronce con soporte integral 68 cm de alto x 17 cm de ancho x 13 1/2 cm de profundidad "La libertad es lo que queremos", afirmó audazmente David Hare en 1965, pero luego añadió la advertencia: "y lo que más tememos". Nadie podría acusar a David Hare de poseer tal miedo. Despreocupado alegremente de los juicios de los críticos, Hare revoloteó por la mayoría de los principales acontecimientos artísticos de mediados del siglo XX en Estados Unidos. Cambió de medio varias veces; justo cuando su fama como escultor había alcanzado su apogeo, hacia 1960, se pasó a la pintura. Sin embargo, siguió vinculado al surrealismo mucho después de que éste hubiera caído en desgracia. "No puedo cambiar lo que hago para adaptarme a lo que me haría popular", dijo. "No por razones morales, sino simplemente porque no puedo hacerlo; no me interesa". Hare nació en Nueva York en 1917; su familia era rica y estaba familiarizada con el mundo del arte moderno. Meredith (1870-1932), su padre, era un destacado abogado de empresa. Su madre, Elizabeth Sage Goodwin (1878-1948), fue coleccionista de arte, patrocinadora del Armory Show de 1913 y amiga de artistas como Constantin Brancusi, Walt Kuhn y Marcel Duchamp. En la década de 1920, toda la familia se trasladó a Santa Fe, Nuevo México, y más tarde a Colorado Springs, con la esperanza de que el cambio de altitud y clima ayudara a curar la tuberculosis de Meredith. En Colorado Springs, Elizabeth fundó la escuela Fountain Valley, donde David cursó el bachillerato tras la muerte de su padre en 1932. En el oeste de Estados Unidos, Hare desarrolló una fascinación por las muñecas kachina y otros aspectos de la cultura nativa americana que se convertiría en una fuente de inspiración recurrente en su carrera. Después del instituto, Hare asistió brevemente al Bard College (1936-37) de Annandale-on-Hudson. Sin saber qué hacer a continuación, aprovechó los contactos de su madre para abrir un estudio de fotografía comercial y empezó a incursionar en la fotografía en color, todavía una rareza en aquella época [el Kodachrome se introdujo en 1935]. A los 22 años, Hare tuvo su primera exposición individual en la Galería Walker de Nueva York; entre sus 30 fotografías en color figuraba una del presidente Franklin Roosevelt. Como fotógrafo, Hare experimentó con una técnica automatista llamada "heatage" (o "negativos fundidos") en la que calentaba el negativo para distorsionar la imagen. Hare los describió como "antagonismos de la materia". Los productos finales solían ser abstracciones tendentes al surrealismo y similares a los procesos utilizados por Man Ray, Raoul Ubac y Wolfgang Paalen. En 1940, Hare se trasladó a Roxbury, CT, donde confraternizó con artistas vecinos como Alexander Calder y Arshile Gorky, así como con Yves Tanguy, que estaba casado con Kay Sage, prima de Hare, y con el marchante de arte Julian Levy. Ese mismo año, Hare recibió un encargo del Museo Americano de Historia Natural para documentar a los indios Pueblo. An He viajó a Santa Fe y, durante varios meses, hizo retratos fotográficos de miembros de las tribus hopi, navajo y zuni que se publicaron en forma de libro en 1941. La Segunda Guerra Mundial puso patas arriba la vida de Hare. Se convirtió en un conducto en el intercambio de ideas artísticas e intelectuales entre los artistas estadounidenses y los emigrados surrealistas que huían de Europa. En 1942, Hare entabló amistad con André Breton, principal teórico del surrealismo. Cuando Breton quiso publicar una revista para promover el movimiento en Estados Unidos, no pudo ser editor porque era extranjero. En su lugar, Breton eligió a Hare para editar la revista, titulada VVV [abreviatura de "Victoria, Victoria, Victoria"], que se publicó durante cuatro números (el segundo y el tercero se imprimieron en un solo volumen) de junio de 1942 a febrero de 1944. Cada número de VVV se centraba en "poesía, artes plásticas, antropología, sociología (y) psicología", y estaba ampliamente ilustrado por artistas surrealistas como Giorgio De Chirico, Roberto Matta e Yves Tanguy; Max Ernst y Marcel Duchamp actuaron como asesores editoriales. A sugerencia de Jacqueline Lamba, esposa de André Breton (que pronto se divorciaría de Breton y se casaría con Hare en 1946), Hare se dedicó a la escultura. Sus primeras esculturas se inspiraron en Alexander Calder y las hizo utilizando armazones de alambre que cubría con arcilla o yeso. En muchos casos, Hare combinó formas humanas, animales y mecánicas para crear peculiares criaturas híbridas. Sus disposiciones simbólicamente complejas de formas abstractas le convirtieron rápidamente en uno de los escultores más famosos de su generación. Expuso en importantes galerías de arte moderno, como la Julian Levy Gallery, la Peggy Guggenheim's Art of this Century, la Samuel Kootz Gallery y la Galerie Maeght de París. Peggy Guggenheim le llamó "el mejor escultor desde Giacometti, Calder y Moore". Una reseña publicada en The New Yorker en 1951 elogiaba a Hare como "uno de los modernos que se niegan a aceptar los límites tradicionales de la escultura". Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de los surrealistas exiliados regresaron a París e intentaron sin éxito reavivar el movimiento en Europa. En los años posteriores a la guerra, Hare se trasladó a menudo entre Nueva York y París, y siguió relacionándose con artistas y pensadores influyentes, como Arshile Gorky, Jean-Paul Sartre, Balthus, Isamu Noguchi, Mark Rothko y Pablo Picasso. Mientras tanto, Hare se unió a Barnett Newman, William Baziotes, Mark Rothko y Robert Motherwell para fundar la Escuela de los Sujetos del Artista en el 35 de la calle 8 Este en octubre de 1948. La efímera escuela esperaba promover el arte de vanguardia mediante conferencias de artistas como Jean Arp, John Cage y Ad Reinhardt, pero fracasó económicamente y cerró en 1949. A pesar del fracaso de la escuela, Hare adquirió reputación internacional como miembro de la generación de artistas de la década de 1950 conocida como la Escuela de Nueva York. Las esculturas de Hare del apogeo del expresionismo abstracto tenían un enfoque algo diferente al de sus obras de finales de la década de 1940. El acero y el bronce se convirtieron en sus materiales preferidos y empezó a combinar objetos metálicos desechados, como viejas palas, secciones de tuberías y herramientas oxidadas, en formas imaginativas que parecían surgir de sueños y recuerdos. Con varillas de acero, esbozaba ambiguos amaneceres y atardeceres en el aire, capturando los ciclos del día en obras conocidas como "paisajes del cielo". Sin embargo, incluso en este periodo, se negó a caer bajo el hechizo de la abstracción absoluta. "Prefiero lo figurativo", dijo en 1968, "porque me interesa más el arte como complemento de la vida que como algo que exista por sí mismo". He creía sistemáticamente que el arte debía tener alguna relación con el mundo físico. A principios de la década de 1960, en la cima de su fama como escultor, el siempre inquieto Hare dio el inusual paso de pasarse a la pintura. "No es que perdiera interés por la escultura", dijo más tarde, "sino que me cansé de limitarme a un objeto". Los aspectos de la soldadura y la fundición de la escultura, que requerían mucho tiempo, le frustraban. "Hay cosas", dijo, "que no se pueden expresar en tres dimensiones". La pintura era un medio mucho más rápido y adecuado para seguir el flujo constante de ideas de Hare. La elección de Hare de los temas de sus cuadros era sorprendente. En las décadas de 1960 y 1970, pintó a menudo el tipo de temas mitológicos y legendarios -como Leda y el Cisne- que interesaban a los surrealistas porque parecían ofrecer una ventana a la conciencia universal. Mantuvo estos intereses durante más de 15 años, incluso cuando gran parte del mundo del arte había tomado otras direcciones y el surrealismo era desestimado como arte figurativo elitista anticuado impregnado de narrativas "literarias". A Hare le fascinaba especialmente el mito griego de Cronos, el Titán que castró y destronó a su padre, Urano. A Cronos también le dijeron que uno de sus hijos le mataría, así que intentó comérselos a todos. Sin embargo, Zeus escapó, creció y, finalmente, derrocó a Cronos y lo encarceló. Hare admitió: "Por supuesto que me tomo mis propias libertades con este mito". Más tarde dijo que el mito era simplemente "un punto de partida... un símbolo del crecimiento a través del tiempo". Durante casi una década, Hare se obsesionó con Cronos, al que describió como "parte hombre, parte tierra, parte tiempo". La culminación de ese trabajo fue una exposición individual en el Guggenheim Museum en 1977, compuesta por 18 pinturas (muchas a gran escala), 10 dibujos y 5 esculturas que evocaban a Cronos. Tras la exposición del Guggenheim, Hare se retiró de la escena pública. Dejó su estudio de Nueva York y pasó mucho tiempo en Idaho, donde se trasladó definitivamente en 1986. Siguió pintando y creando esculturas hasta su muerte en 1992 en Jackson Hole, Wyoming, tras una operación de urgencia por un aneurisma aórtico. David Hare fue un experimentador, un buscador y un arriesgado con una imaginación ecléctica e inquieta. Aunque trabajó en diversos medios, en el siglo XXI se le conoce sobre todo por sus esculturas abstractas de metal soldado. Por ejemplo, en 2020, su escultura "Figura en la ventana" [1955] se vendió por 75.000 $ en una subasta. Sus cuadros, sin embargo, siguen estando infravalorados y parecen maduros para ser reevaluados.

Creador:
David Hare (1917-1992, Americana)
Año de creación:
1955
Dimensiones:
Altura: 172,72 cm (68 in)Anchura: 43,18 cm (17 in)Profundidad: 34,29 cm (13,5 in)
Más ediciones y tamaños:
UniquePrecio: 30.000 US$
Medio:
Bronce
Movimiento y estilo:
Abstracto
Época:
1950-1959
Estado:
Ubicación de la galería:
New York, NY
Número de referencia:
1stDibs: LU1841214424992

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