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Ruth BlochGran Escultura de Bronce Cabeza de Mujer, Según Modigliani, Ruth Bloch Artista Israelíc.1990
s
c.1990 s
6523,16 €
Acerca del artículo
Ruth Bloch (n. 1951)
Cabeza de mujer (Según Modigliani)
Bronce patinado
Edición: 3/9
Firma y edición grabadas a mano cerca de la base: R Bloch
(titulado por el artista como "Inspirado en Modigliani")
Ruth Bloch nació en Israel en 1951, de padres artistas. Su padre era músico, mientras que su madre trabajaba en la cerámica. La familia de Ruth era miembro de un kibbutz llamado Alonim, un lugar donde la infancia y la primera juventud le brindaron muchas oportunidades para desarrollar su talento artístico. Al llegar a la edad adulta, Ruth asistió al Instituto de Arte Avni de Tel Aviv, y realizó estudios adicionales de psicología en Estados Unidos. Su padre, músico, y su madre, artista, escaparon del Holocausto en Europa. Ruth creció en un kibbutz donde la comunidad cuidaba de los niños y todos trabajaban para sobrevivir y construir la joven nación. Ruth Bloch es una de las principales artistas israelíes, y coleccionistas de todo el mundo buscan sus obras porque comprenden su valor artístico. Como escultor figurativo contemporáneo, Bloch se relaciona más estrechamente con el modernista Henry Moore por su fluidez de línea y su genio para hacer de lo masivo, algo delicado. Su obra titulada "Paternidad", que mezcla las formas humanas en un círculo eterno, se hace eco de la capacidad de Moore para realizar todo el potencial de la forma escultórica. Sin embargo, Bloch, a diferencia de su predecesora, no permite ninguna separación entre hombre, mujer y niño. Para ella, estas figuras son una sola, encerradas en un círculo interminable de vida. La influencia del maestro italiano Alberto Giacometti también es evidente en el arte de Ruth Bloch. Las estilizadas figuras alargadas y las pátinas de gran textura que caracterizan su obra en bronce recuerdan las esbeltas formas del universo artístico de Giacometti.
El crecimiento de Ruth Bloch como escultora es mucho más fácil de rastrear que sus influencias. Como escultor figurativo en la línea del modernismo, Bloch se relaciona más estrechamente con Henry Moore por su fluidez de línea y su genio para hacer delicado lo masivo. Su obra titulada "Paternidad", que mezcla las formas humanas en un círculo eterno, se hace eco de la capacidad de Moore para materializar todo el potencial de la forma escultórica. Por su escala y peso, la monumental pieza "Eternita" recuerda a la "Virgen de Northampton" (1943/4) de Moore. Sin embargo, Bloch, a diferencia de su predecesora, no permite ninguna separación entre hombre, mujer y niño. Pues estas figuras son una, encerradas en un círculo de vida sin fin.
La influencia del maestro italiano Alberto Giacometti también es evidente en el arte de Ruth Bloch. Las estilizadas figuras alargadas y las pátinas escultóricas de gran textura que caracterizan su obra en bronce recuerdan las esbeltas formas del universo artístico de Giacometti. La actitud rebelde del célebre surrealista es adoptada por Bloch, que se arriesga a ser descartado al cruzar el antiguo tabú intelectual de combinar forma y función; arte y artesanía. Ruth Bloch acepta este riesgo de buen grado. Disfruta creando y se maravilla ante la voraz respuesta del público.
Hay algo sublime en el artista serio que crea arte práctico. Al contemplar los coloridos cuencos de Bloch sobre árboles de bronce, las figuras mágicas leyendo libros o el simple gesto de elevar a un niño a los cielos, uno recuerda inmediatamente el espíritu de Pablo Picasso en Vallauris. El a menudo oscuro Picasso se mostraba más caprichoso e incluso conmovedor cuando trabajaba la cerámica, adornando cuencos, platos, jarras y decantadores de vino con imágenes de palomas, peces y búhos. Bloch empezó a crear arte funcional con una serie de cuencos y mesas de café de bronce. En la actualidad, ha ampliado su vocabulario/repertorio visual con obras únicas en vidrio. En el tiempo relativamente corto que lleva trabajando en medios híbridos, hemos sido testigos de un desarrollo asombrosamente rápido que cumple la promesa de Bloch: crece con cada obra. (Philip Allen, San Francisco, 2001)
Actualmente Ruth Bloch vive y esculpe en Israel. Su obra muestra una gran profundidad de sentimiento hacia la figura humana, revelando la unidad viva de sus fuerzas masculina y femenina. Sus obras se exponen en todo el mundo. De un artículo de Andrew McDonnell, Con sus vuelos y formas, el espectador puede distinguir semejanzas, como con los primeros Hans Jean Arp, o Henri Matisse, e incluso Marc Chagall. En la escultura en concreto, los barridos y los abrazos arrebatados de Bloch vienen a ser como una repetición menos abstracta de los gustos de Brancusi, con un vaivén humano y una animación en vuelo concreta. Arqueado y tenso por su molde: tal vez de nuevo Hans Arp o Henry Moore
El crecimiento de Ruth Bloch como escultora es mucho más fácil de rastrear que sus influencias. Las obras de Ruth Bloch se exponen en todo el mundo, tanto en colecciones públicas como privadas.
Exposición y Venta Internacional de Bellas Artes Genesis Hebrew Center, Tuckahoe, NY, EE.UU.
Artistas: Zahara Rubin, Omri Amrany, Aharon Bezalel, Ruth Bloch, Ziporah Weiss, Gaia Silber.
Galería David, Jerusalén. Artistas: Menes, Eve Eyal, Malka Ben Neria, Orna Berlinski, Tova Gilhar, Dalia Yehudayan, Shlomo Singer, Curt Yannay, Beba Toledano, Dina Rubenstein Rotman, Gretty Bezalel, Aharon Bloch, Ruth Faran, Nomi Fink, Bernie Katz, Michael Mande'el, Avraham Szilo, Richard Wachsstock Schonfeld, Betty
Inauguración del Jardín de Esculturas Topor, Ramat Gan
Artistas: Brown, Igor Ben Zvi, Roni Gelber, Ilan Dudu Gerstein, David Peer, David Rotem, Varda Lachman, Zvi Averbuch, Shlomit Afek, Yoram Bareket, Yael Ghivoly, Varda Givati, Reuben Merhav, Dina Peled, Rafi Cohen Caspi, Mirit Ruth Block, Miron, Yigal Fine, David Feldman, Dorit Jano, Jacques Benny Levy.
Art Miami 2023 Corredor Contemporáneo קאופמן 12, תל אביב
Artistas: Ilan Baruch, Ilan Ruth Bloch, Iddo Markus, Shay Kun.
2025, Por favor, abre los ojos, Galería Dvir, Tel Aviv.
Artistas: Barbara Cole, Ilit Azoulay, Kaoruko, Liron Kroll, Papaya Spray, Ruth Bloch, Tal Frank, Tal Shochat, Tali Amitai Tabib, Tara Donovan, Vered Aharonovitch, Yael Shachar.
- Creador:Ruth Bloch (1951, Israel)
- Año de creación:c.1990 s
- Dimensiones:Altura: 35,56 cm (14 in)Anchura: 27,94 cm (11 in)Profundidad: 40,64 cm (16 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:ver fotos.
- Ubicación de la galería:Surfside, FL
- Número de referencia:1stDibs: LU38216737802
Ruth Bloch
La escultora Ruth Bloch encierra la gracia, la belleza y la profundidad emocional de la forma humana, al tiempo que explora los temas de la feminidad, la familia y el compañerismo. Sus esculturas curvilíneas y minimalistas de bronce se hacen eco de las obras de artistas tan venerados como Jean Arp, Alberto Giacometti y Henry Moore.
Bloch nació en Israel en 1951 en el seno de una familia creativa. Su madre, ceramista, y su padre, músico, fomentaron sus inclinaciones artísticas desde niña. Más tarde, Bloch estudió pintura en el Instituto de Arte y Diseño Avni de Tel Aviv y luego siguió cursos de psicología en Estados Unidos.
Aunque se formó como pintora, las primeras obras escultóricas de Bloch demostraban un talento y una habilidad innatos. Inspirándose en las líneas fluidas y la delicadeza de la obra de Moore y en las pátinas texturadas y las formas alargadas creadas por Giacometti, Bloch desarrolló su propio estilo contemporáneo . Sus esbeltas esculturas figurativas y desnudos suelen representar relaciones íntimas, como se ve en Beso, Volando con 3 globos, Pareja en una ventana y Figuras alargadas. Otras obras, como Mother and Child on Bench y Dialogue, retratan las interacciones amorosas de la familia, mientras que su escultura curvada de bronce Lady Moon capta la esencia de la sensualidad femenina.
Las esculturas de Bloch se han expuesto en todo el mundo, como en Art Miami, la Cafmeyer Gallery de Knokke-Heist (Bélgica) y Galerie Vivendi de París.
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Florencio Gelabert Y Pérez (cubano, 1904-1995)
Tallado a mano, firmado; 1979
Materiales: Madera cubana (¿caoba?)
Dimensiones 23 X 4 X 4 pulgadas
Etiqueta pegada en la parte inferior: Registro Nacional de Bienes Culturales de la República de Cuba Ministerio de Cultura.
Procedencia: Colección Art Master, Miami, Florida.
Florencio Gelabert, con un estilo que recuerda al Art Déco y al Art Nouveau en una estilización expresionista latinoamericana. Escultura de madera tallada. Representa la forma estilizada modernista de un hombre en estilo streamline moderne.
José Florencio Gelabert Pérez (Caibarien, 1904 - La Habana, 1995) Músico, escultor, dibujante y profesor cubano. Se graduó en la Academia Nacional de Bellas Artes de San Alejandro en 1934. Recibió numerosos premios, menciones y reconocimientos en Salones y Círculos de Bellas Artes. Sus obras forman parte de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. Florencio Gelabert es un reconocido escultor, que realizó más de veinte exposiciones individuales a partir de 1929, varias en el Museo Nacional de Bellas Artes, y participó en más de treinta colectivas en Cuba, España y Brasil, esta última en la Bienal de Sao Paulo. viajó de Caibarién a Santa Clara en 1928 para audición para ingresar en la famosa Escuela de Bellas Artes San Alejandro de La Habana. He obtuvo una de las cinco vacantes. Ya en la capital cubana, combinó las bellas artes y la música. Cuando se licenció, fue profesor en San Alejandro y director de la academia en 1960.
Con una vocación común a los escultores de madera -que comenzó con sus clases de carpintería de talla en la escuela primaria y la vida activa de los astilleros de su ciudad natal-, sus cinceles y gubias convirtieron febrilmente la caoba, la "ácana" y el ébano en cabezas femeninas de rasgos negroafricanos que datan de 1930.
En 1938 utilizó sus ahorros para explorar Europa: Francia (París, Marsella), Italia (Nápoles, Roma, Florencia y Venecia), Bélgica (Malina). Su encuentro con las obras de Aristide Maillol, Auguste Rodin, Ossip Zadkine, Constantin Brancusi e incluso con Wifredo Lam, que también nació en otra zona costera cubana, Sagua la Grande, y su encuentro con la escultura de David desnudo de mármol. de Miguel Ángel marcaron puntos importantes en su desarrollo artístico.
Tras su periplo europeo, sus raíces caribeñas parecían intactas. La técnica llenó sus sentidos. "Era como plantar ideas", dijo el artista años después.
Gelabert viajó a Estados Unidos (Nueva York, Washington, Filadelfia) en 1940. Allí descubrió los incalculables valores del hormigón que recubría los grandes rascacielos. Más tarde, tuvo la certeza de que el material podía utilizarse para hacer esculturas. Años más tarde vivió en México, donde conoció al muralista Jose Clemente Orozco y realizó una exposición personal en el Palacio de Bellas Artes con 40 obras, algunas de ellas realizadas con la técnica de la cera perdida que aprendió en la nación latinoamericana. El Hotel Riviera de 1957 permitió al artista dar rienda suelta a su imaginería y demostrar lo bellas que podían ser las esculturas de hormigón, aunque prefirió hacer una serie de figuras de bronce para el vestíbulo del establecimiento. Con el océano como feroz telón de fondo, Gelabert diseñó una serie de esculturas para la entrada del hotel: un caballito de mar, una ninfa, un tiburón, delfines, realizadas en hormigón directo altamente resistente. Creó La Velocidad, que decora la entrada de la Estación de Autobuses de La Habana; la fuente del Hotel Atlántico en la playa de Santa María del Mar; el inmenso cangrejo a la entrada de su ciudad natal de Caibarién; el gran mural hecho con trozos de mármol en la confluencia de las calles Primelles y Santa Catalina de la capital cubana.
José Florencio Gelabert Pérez (Caibarién, 23 de febrero de 1904-La Habana, 30 de agosto de 1995) Músico, escultor, dibujante y profesor cubano. Se graduó en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en 1934. Recibió numerosos premios, menciones y reconocimientos en Salones y Círculos de Bellas Artes. Obras suyas se encuentran en la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. Florencio Gelabert es un escultor de reconocimiento.Realizó más de veinte exposiciones personales desde la temprana fecha de 1929, varias en el Museo Nacional de Bellas Artes, y participó en más de treinta colectivas en Cuba, España y Brasil, en esta última en la VI Bienal de Sao Paulo.
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