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Nancy Graves5745 Jewish Museum Hanukkah original Signed/n abstract expressionist screenprint1984
1984
3938,39 €
Acerca del artículo
Nancy Graves
5745, para el Museo Judío, 1984
Serigrafía sobre papel
Firmado, numerado 5/90 y fechado a lápiz de grafito en el anverso; lleva el sello ciego del editor en la esquina delantera izquierda
30 1/4 × 40 1/2 pulgadas
Sin enmarcar
Encargo del Fondo Gráfico del Sr. y la Sra. Albert A. List para el Museo Judío de Nueva York
Firmado, numerado y fechado a lápiz de grafito en el anverso; lleva el sello ciego del editor en la esquina delantera izquierda. Encargo del Fondo Gráfico de Año Nuevo del Sr. y la Sra. Albert A. List para el Museo Judío de Nueva York. Durante la década de 1980, se encargó a varios artistas que crearan un grabado para celebrar el Año Nuevo Judío. Ésta es la serigrafía que la célebre escultora Nancy Graves creó para celebrar el año 5745 del Calendario Judío, que comenzó en septiembre de 1984 (Rosh Hashaná). Esta obra se publicó en una edición limitada de 90 ejemplares. El número 90 tiene un significado especial en la gamatria (numerología) judía por varias razones, entre ellas el hecho de que equivale a cinco veces la vida, o Chai. El número de Chai, que significa "Vida" es 18, y 18 x 5 = 90. Se trata de un número mágico en el judaísmo. Todas las obras se publicaron en ediciones múltiplos de 18, o la Vida. Durante su vida, Nancy Graves no recibió el renombre ni el reconocimiento que obtuvo su ex marido y antiguo compañero de la Escuela de Arte de Yale, Richard Serra, pero por fin está obteniendo el reconocimiento que se merece.
Biografía: Nancy Graves (1939 - 1995) es una artista estadounidense de renombre internacional. Prolífico artista interdisciplinar, Graves desarrolló un cuerpo sostenido de esculturas, pinturas, dibujos, acuarelas y grabados. También produjo cinco películas vanguardistas y creó innovadores diseños de decorados.
Nacido en Pittsfield, Massachusetts, Graves se licenció en el Vassar College en 1961. En 1964 obtuvo un máster en pintura en la Universidad de Yale, donde tuvo como compañeros a Robert Mangold, Rackstraw Downes, Brice Marden, Chuck Close y Richard Serra, con quien estuvo casada de 1964 a 1970. Cinco años después de licenciarse, su carrera se inició en 1969, cuando fue la artista más joven -y sólo la quinta mujer- en ser seleccionada para una presentación individual en el Museo de Arte Whitney. Posteriormente, la obra de Graves apareció en cientos de exposiciones de museos y galerías de todo el mundo, incluidas varias exposiciones individuales en museos. Ha recibido encargos de esculturas a gran escala para lugares concretos, y su obra forma parte de las colecciones permanentes de los principales museos de arte. Conferenciante habitual y artista invitada, su obra fue ampliamente documentada durante su vida. En 1991 se casó con el veterinario Dr. Avery Smith. Graves viajó mucho y se implicó a fondo en las cuestiones culturales e intelectuales de su época. Su brillante carrera y su vida se vieron truncadas por su prematura muerte de cáncer a los 54 años.
Desde un punto de vista que describió como "objetivo", Graves transformó fuentes científicas, como mapas y diagramas, en obras de arte reproduciendo su compleja información visual en pinturas y dibujos detallados. Investigando las intersecciones entre el arte y las disciplinas científicas, Graves creó obras de arte convincentes, formalmente rigurosas y, en última instancia, expresivas, que examinan conceptos de repetición, variación, verosimilitud y presentación y percepción de la información visual.
Afincado en el SoHo de Nueva York, Graves adquirió notoriedad a finales de la década de 1960 como artista postminimalista por sus innovadoras esculturas de camello, fósiles, tótems y huesos, formadas y ensambladas a mano con materiales inusuales como pieles, arpillera, lona, yeso, látex, cera, acero, fibra de vidrio y madera. Realizadas como reacción al Pop y al Minimalismo, estas obras hacen referencia a yacimientos arqueológicos, antropología y exposiciones de ciencias naturales. Suspendidas del techo o agrupadas directamente en el suelo, estas primeras esculturas también se relacionan con las ideas conceptualistas sobre la exposición. Para su presentación en el Museo Whitney, Graves expuso tres esculturas aparentemente realistas de camellos en una instalación que evocaba especímenes de taxidermia y cuestionaba cuestiones de verosimilitud en el arte y la ciencia, sobre todo a la luz de sus superficies de piel remendadas y pintadas a mano. La exposición suscitó una amplia respuesta crítica y estableció su importancia artística.
Tras dedicarse intensamente a la escultura a principios de la década de 1970, Graves volvió a la pintura. Sus detallados lienzos puntillistas reproducen con pintura imágenes extraídas de fotografías documentales de la naturaleza, grabaciones de satélites de la NASA y mapas lunares, combinando la exactitud científica con la abstracción. Al retomar la escultura a finales de la década de 1970, Graves fue uno de los primeros artistas contemporáneos en experimentar con la fundición de bronce. Revigorizó la técnica tradicional de la cera perdida ensamblando objetos encontrados fundidos en esculturas únicas improbablemente equilibradas, con superficies policromadas brillantes y pátinas distintivas.
A lo largo de la década de 1980, Graves fue ampliamente reconocida por sus encargos de esculturas de forma abierta, cada vez más grandes y gráciles. Al mismo tiempo, también amplió su práctica del dibujo, la pintura y el grabado, y realizó grandes acuarelas gestuales. Después, a finales de los 80, creó obras murales que combinaban sus exploraciones de la escultura, la pintura, la forma y el color. En estas piezas a gran escala, montaba elementos escultóricos policromados en altorrelieve en las superficies y los bordes de lienzos con formas pintadas, de modo que las sombras estampadas se proyectaban sobre las pinturas y la pared circundante.
En la década de 1990, Graves fundía en vidrio, resina, papel, aluminio y bronce, combinando estos variados materiales y colores en atrevidas esculturas con partes móviles. A medida que avanzaba en todos los medios que dominaba, Graves reinterpretaba y transmutaba cada vez más formas procedentes de su propia obra anterior -más que de investigaciones externas-, creando elaboradas composiciones que forman una arqueología atemporal estratificada de su propia producción visual.
El arte pionero de Nancy Graves anticipó ideas que están explorando los artistas de hoy, como la minería de datos, la multidisciplinariedad, la tecnología y el arte basado en la investigación. Su obra aborda cuestiones filosóficas, perceptivas, estéticas y tecnológicas especialmente relevantes para hacer arte en la era digital. - Cortesía de la Fundación Nancy Graves
- Creador:Nancy Graves (1940-1995, Americana)
- Año de creación:1984
- Dimensiones:Altura: 76,84 cm (30,25 in)Anchura: 102,87 cm (40,5 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:Muy buen estado sin problemas aparentes; una impresión brillante.
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745217312032
Nancy Graves
Escultora de animales y objetos chamánicos de los indios americanos, cineasta y pintora, Nancy Graves tuvo una carrera muy exitosa y variada, principalmente en Nueva York. En su obra abstracta, aúna su interés por la antropología, los objetos totémicos, la cartografía y las formas biomórficas. Nació en Pittsfield, Massachusetts, y se licenció en el Vassar College en 1961 y después en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale. Graves obtuvo una beca Fulbright-Hayes para pintura, que le permitió pasar un año en París en 1964-65. En los años siguientes, viajó por el norte de África y Oriente Próximo, y vivió y trabajó en Florencia (Italia), donde realizó su primera obra emblemática, que fueron esculturas de camellos bactrianos de tamaño natural.
En 1966, se trasladó a Nueva York y siguió experimentando con formas de producir estas esculturas construyendo armaduras de madera y acero, cubriéndolas con pieles de embriones de animales, rellenando las pieles con poliuretano para formar jorobas y tiñendo las pieles con pinturas al óleo.
En 1968, celebró su primera exposición individual en la Graham Gallery de Nueva York, a la que siguió su segunda exposición individual en el Museo Whitney en 1969. En ambas exposiciones aparecieron sus camellos.
En 1972, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia, realizó esculturas que sugerían objetos indios, como huesos, pieles y plumas, y añadió también varillas de acero a este motivo para otras exposiciones.
Como cineasta, ha participado en festivales de cine en Londres, Nueva York y Boston. Fuente: Charlotte Rubinstein, "Mujeres artistas americanas"
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