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Emily Kame Kngwarreye
Merne Anooralya - Galería Delmore Cat No.95G004

1995

Precio a petición

Acerca del artículo

EMILY KAME KNGWARREYE (1910 - 1996) País: Desierto Central/Este, NT Idioma: Anmatjerre Comunidad : Utopía, Soakage Bore/ Alhalkere Merne Anooralya, 1995 Pintura polímera sintética sobre lino belga. Inscripciones en el reverso: nombre del artista, firma, tamaño y Delmore Gallery cat. 95G004 La obra está lista para colgar. Procedencia: Galería Delmore, Alice Springs Colección privada Sotheby's Melbourne, 2002 Colección privada Deutscher y Hackett, 2012 Colección privada Una obra que rebosa fertilidad desértica, una expresión cargada de su planta custodio del ñame y de los ciclos vitales interdependientes de sus antepasados y de la flora y fauna locales. Este cuadro fue realizado en los tres primeros meses de su paso a las obras de líneas estridentes. La consecuencia de trabajar ambos estilos durante este tiempo, permitió a Emily una expresión rica y de colores robustos de su estilo de puntos por capas, como se muestra aquí. La octogenaria Emily Kame Kngwarreye pintó durante sólo 8 años, entre 1988 y 1996, durante los cuales se convirtió en la artista aborigen viva con más éxito de Australia y se labró una presencia perdurable en la historia del arte australiano. Cuando falleció, su fama había alcanzado la categoría de mito. Nacida hacia 1910 en Alhalkere (en el límite noroeste de Utopía), sus primeros intentos de hacer arte fuera de un contexto ceremonial fueron fruto de su participación en la elaboración de batiks (técnica de teñido con cera aplicada a la tela) ya en 1977. Emily descubrió que el acrílico sobre lienzo se adaptaba mejor a su estilo que el laborioso proceso del batik. En su estilo inicial destacaban los trazos lineales visibles, siguiendo las huellas del Kame (ñame) y las impresiones de animales, como en Sueños de emú, con campos de puntos finos que oscurecían parcialmente los elementos simbólicos y jugaban por toda la superficie del lienzo. En 1992, su fino punteado y su pintura simbólica subyacente dieron paso a obras en las que los símbolos y las huellas quedaban cada vez más ocultos bajo un mar de puntos, hasta que finalmente dejaron de ser evidentes. Empezó a utilizar pinceles más grandes para crear líneas de puntos que recorrían superficies hápticas de colores vibrantes. Estas obras se hicieron progresivamente más cósmicas y visualmente más abstractas hasta que, a mediados de la década de 1990, desarrolló un estilo de pintura al que, desafortunada y eufemísticamente, se refería como pinturas de "vertedero", mediante la doble inmersión de pinceles en botes de pintura estratificada, creando así impresiones florales con contornos abigarrados de colores alternos. Enfrentados al fenómeno Emily en la década de 1990, los periodistas y escritores de arte parecían inadecuados para la tarea de abordar el "terreno inexplorado entre la práctica artística aborigen tradicional y la escena artística contemporánea". Sin embargo, hoy está claro que si se puede decir que un solo artista es el abanderado de la pintura indígena contemporánea, sin duda es Emily. Tras su magnífica exposición retrospectiva en el Centro Nacional de Arte de Tokio en 2008, resulta imposible negar que el legado de Emily Kame Kngwarreye la sitúa en la liga más alta de los artistas internacionales del siglo XX. Emily Kgwarreye Kame, célebre artista aborigen australiana, es conocida por sus obras abstractas y dinámicas, pero no solía firmar sus cuadros. Esta práctica tiene su origen en razones culturales y prácticas, más que en la preferencia personal o el descuido. Para muchos artistas indígenas australianos, entre ellos Emily, el concepto de propiedad individual sobre el arte suele diferir de las nociones occidentales. El arte en su comunidad estaba profundamente ligado a historias ancestrales, tradiciones e identidad colectiva, más que al reconocimiento personal. La atención se centraba en la narración de historias y en la conservación de la cultura, no en la autoría personal.

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