Charles Houghton Howard

Pintura surrealista de Charles Houghton Howard Bodegón con mano y huevo

1931

Charles Houghton Howard nació en Montclair, Nueva Jersey, el tercero de los cinco hijos de una familia culta y educada cuyas raíces se remontaban a la colonia de la bahía de Massachusetts. Su padre, John Galen Howard, era un arquitecto que se había formado en el M.I.T. y en la Escuela de Bellas Artes de París, y fue aprendiz en Boston con H. H. Richardson. En Nueva York, el mayor de los Howard trabajó para McKim, Mead y White antes de establecer un exitoso bufete privado. Mary Robertson Bradbury, la madre de Charles, había estudiado arte antes de casarse. John Galen Howard trasladó su hogar a California en 1902 para asumir el cargo de arquitecto supervisor del nuevo campus de la Universidad de California en Berkeley y ejercer como catedrático de Arquitectura y primer decano de la Escuela de Arquitectura (creada en 1903). Los cuatro chicos Howard crecieron como artistas y todos se casaron con artistas, dejando un legado familiar combinado de creación artística en la zona de la Bahía de San Francisco que perdura hasta nuestros días, sobre todo en el diseño, los murales y los relieves de la Torre Coit y en edificios del campus de Berkeley.

Charles Howard se licenció en Periodismo por la Universidad de California en Berkeley en 1921, y realizó estudios de posgrado en inglés en las universidades de Harvard y Columbia antes de embarcarse en un viaje de dos años por Europa. Howard fue a Europa como aspirante a escritor. Pero una experiencia casi religiosa, ver un cuadro de Giorgione en un remoto pueblo de las afueras de Venecia, resultó ser una epifanía que cambió su vida. Según sus propias palabras, "interrumpí la gira de inmediato y me apresuré a regresar a París para empezar a pintar. Desde entonces pinto siempre que puedo" (Charles Howard, "Lo que me preocupa", Revista de Arte 39, nº 2 [febrero de 1946], p. 63). El logro de Giorgione, al utilizar un lenguaje visual estructurado y racional del arte para transmitir una gran emoción sobre el lienzo, convenció instantáneamente a Howard de que la pintura, y no la literatura, ofrecía el mejor vehículo para expresar lo que quería decir. Howard regresó a Estados Unidos en 1925, confirmado en su propósito de convertirse en artista.

Howard se instaló en Nueva York y se mantuvo como pintor en el taller de decoración de Louis Bouché y Rudolph Guertler, donde se especializó en pintura mural. Dedicando tiempo libre a su propio trabajo, vivió en Greenwich Village y se sumergió en el ambiente cultural vanguardista del centro de la ciudad. Los últimos años de la década de 1920 y los primeros de la de 1930 fueron los años del aprendizaje artístico de Howard. Nunca recibió instrucción artística formal, pero su aguda mirada, su profundidad de sentimientos y su intenso compromiso con el proceso de creación artística le permitieron asimilar elementos de la pintura de forma intuitiva a partir de la gran variedad de arte que le interesaba. Encontró inspiración en los movimientos modernistas de la época, tanto por su adhesión a cualidades formales abstractas como por la naturaleza cosmopolita e internacional de los propios movimientos. Influido profundamente por el surrealismo de , Howard formó parte de un grupo de surrealistas estadounidenses y europeos agrupados en torno a Julien Levy. Levy abrió su galería de nombre homónimo en 1931, y saltó a la fama en enero de 1932, cuando organizó y acogió Surrealisme, la primera exposición de Surrealismo en América, que incluía una obra de Howard. Levy siguió siendo la fuerza preeminente en la defensa del Surrealismo en América hasta que cerró su galería en 1949. La asociación de Howard con Levy a principios de los años 30 confirma el lugar que ocupaba el artista entre la comunidad vanguardista de Nueva York en aquella época.

En 1933, Howard se marchó de Nueva York a Londres. Es probable que entre los factores que propiciaron el traslado estuviera el deseo de Howard de formar parte de una comunidad artística internacional, así como su matrimonio con la artista inglesa Madge Knight (1895-1974). En Londres, se asoció con Unit One, un grupo de pintores, escultores y arquitectos modernistas definido por el compromiso de sus miembros con el arte abstracto y surrealista. Howard prosperó en este ambiente, desarrollando un estilo surrealista personal de formas abstractas y biomórficas combinadas con imágenes vagamente representativas, similar en muchos aspectos a la obra de Wassily Kandinsky, Jean Arp, Joan Miró y Alexander Calder. El comentario del propio Howard sobre las afinidades estilísticas es acertado (y mucho más honesto de lo que suele ser habitual entre los artistas): "He acogido con satisfacción la influencia de otros pintores. No creo en la pura originalidad, y en la elaboración de mi obra me he basado en mi propia obsesión. Si no fuera lo suficientemente fuerte como para integrar su propia expresión, me parece que no serviría de nada pintar" (citado en Dorothy Miller, ed., Americans 1942, cat. expos. [Nueva York: Museo de Arte Moderno, 1942], p. 75). Howard participó en la histórica Exposición Surrealista Internacional de las New Burlington Galleries de Londres en 1936, la primera muestra de surrealismo celebrada en Inglaterra, prueba una vez más de la gran estima que su arte suscitaba en los círculos artísticos londinenses. En 1939, Peggy Guggenheim organizó una exposición individual de Howard en su galería londinense Guggenheim-Jeune.

Howard entendía sus obras como pasos en un proceso de autodescubrimiento psicológico: "En realidad, todas son retratos del mismo tema general, de la misma idea, llevada tan lejos como soy capaz en ese momento". Al mismo tiempo, no pretendían ser específicas del artista, sino, más bien, declaraciones accesibles de una humanidad compartida.

No pertenezco a una élite. No descubro secretos. Estoy tratando con material que es posesión de todas las personas, presentándolo con el anonimato fundamental de un ser humano sobre la faz de la tierra. Hago cuadros con formas comunes al hombre de cualquier lugar, de cualquier raza, de cualquier generación, independientemente del tiempo. (Howard, "Lo que me preocupa", p. 64).

El historiador del arte Douglas Dreishpoon señala:

El surrealismo atrajo a [Howard] por varias razones: era europeo y moderno; tenía el potencial, especialmente cuando se combinaba con la abstracción, de funcionar simbólicamente como análogo de estados psicológicos y condiciones internas; reconocía la mente como un campo de batalla de fuerzas en conflicto, un depósito de imágenes arquetípicas; y encarnaba una visión del mundo que cortejaba la anarquía y el caos, el cambio y la transformación (Dreishpoon, "Some Thoughts on the Enigmatic Charles Howard", en Charles Howard 1899-1978: Drama of the Mind, cat. expos. [Nueva York: Hirschl Adler Galleries, 1993], pp. 6-7).

El arte de Howard se caracteriza por una disciplina y un control estrictos, que se reflejan en su método de trabajo. Trabajaba sin descanso en cuadros individuales, haciendo numerosos estudios antes de empezar a pintar, y luego creaba lenta y cuidadosamente hasta conseguir el resultado deseado. Aunque Howard empleaba algunas técnicas automatistas en las fases germinales del desarrollo de sus composiciones, cuando llegaba el momento de poner la pintura sobre el lienzo, no dejaba nada al azar. El acto de pintar al óleo nunca llegó a ser "fácil" para Howard. An He declaró: "[Pintar] no es un negocio juguetón. Es un trabajo penoso. Es una batalla tediosa y tortuosa con un medio intratable. Es decepcionante a cada paso, por muy meticuloso que uno sea, y utilizando toda la experiencia y destreza que pueda" (Howard, "Lo que me preocupa", pp. 63-64).

Howard vivió siete años en Londres antes de regresar a San Francisco en 1940, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Trabajó en casa como armador en un astillero en tiempos de guerra; fue redactor en la Oficina de Información de Guerra en San Francisco, y más tarde enseñó pintura en la Escuela de Bellas Artes de California. Siguió pintando a su metódica manera, exponiendo regularmente en destacados lugares contemporáneos, como el Instituto Carnegie de Pittsburgh, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia, el Museo Whitney de Nueva York y la Galería Corcoran de Washington D.C., labrándose así una reputación crítica en su país natal. Howard fue incluido en la emblemática exposición Americans 1942 del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y ese mismo año participó en la exposición inaugural de la galería neoyorquina de Peggy Guggenheim, Art of This Century. En 1946, la obra de Howard fue objeto de una gran exposición retrospectiva de treinta y tres óleos y varios gouaches y dibujos en el Palacio de la Legión de Honor de California, en San Francisco, que consagró al artista como figura principal del modernismo estadounidense.

Charles y Madge Knight Howard regresaron a Inglaterra en 1946, y acabaron instalándose en Helions Bumpstead, un pequeño pueblo del noroeste de Essex, cerca de la frontera con Suffolk y Cambridgeshire. Howard se reincorporó rápidamente a la comunidad artística londinense que había alimentado su carrera en los años treinta. De 1959 a 1963, enseñó pintura en la Camberwell School of Arts and Crafts de Londres. Tímido y erudito por naturaleza, Howard se ciñó estrechamente al modo pictórico que había establecido en los años 30 y 40, manteniéndose fiel a su visión de un arte surrealista capaz de expresar complejos estados psicológicos interiores. Aunque su postura le situaba fuera de las corrientes contemporáneas del arte, posición reforzada por su alejamiento de su país natal, Howard se sentía cómodo siguiendo un rumbo independiente. Así pues, su obra constituye un conjunto coherente y unificado que representa un estilo personal distintivo perfeccionado a lo largo del tiempo. Howard permaneció en Inglaterra hasta 1970, cuando él y Madge se retiraron a Bagna di Lucca (Italia).

Excavación, fechada en 1932, es una importante obra temprana al óleo de Howard, pintada en Nueva York antes de su partida inicial a Londres y que marca el final de sus años de aprendiz. El cuadro evoca una excavación callejera de ensueño, combinando el modelado firme y seguro de Howard y sus formas nítidamente perfiladas en una cuidada composición que emplea las distorsiones que distinguen al estilo surrealista. El cuadro ofrece una expresión temprana de la dura abstracción que hizo tan distintiva la obra posterior de Howard. Excavación se incluyó en la primera exposición individual de Howard en la Galería Julien Levy de Nueva York, en 1932-33. El espectáculo desconcertó a los críticos, que no estaban preparados para el estilo vanguardista de Howard. No fue hasta la década de 1940 cuando los críticos estadounidenses empezaron a comprender la devoción incondicional de Howard por la abstracción de bordes duros Cuando se celebró su retrospectiva en el Palacio de la Legión de Honor de California, en San Francisco, en 1946, y una posterior exposición individual de su obra ese mismo año en la Galería Nierendorf de Nueva York, los críticos por fin habían "entendido" lo que hacía Howard. Una reseña de la exposición de Nierendorf ofrecía una valoración típicamente elogiosa:

Un acontecimiento de interés para los amantes de lo abstracto es la actual exposición de lienzos del pincel de Charles Howard, en las Galerías Nierendorf. La muestra es retrospectiva e incluye obras realizadas entre los años 1925 y 1946. . . .

Estos considerados lienzos, de un pintor ampliamente reconocido en la vanguardia de la corriente abstracta estadounidense (aunque en la actualidad es un expatriado que reside en Inglaterra), recompensarán con creces el atento escrutinio de quienes se ocupan seriamente de los problemas de composición, espacio y color. El sentido de la composición del artista en la colocación de las formas es asombroso y nunca falla (Ben Wolf, "Charles Howard, veterano abstraccionista", Art Digest 21 [1 de octubre de 1946], p. 18).

Tardó casi 15 años, pero, como demuestra lo anterior, el estilo inflexible de Howard acabó recibiendo su merecido.

Pocas obras de Howard de principios de los años 30 han salido a la luz. La propia excavación estuvo en una colección privada durante muchos años y no ha sido vista por el público desde 1946. A medida que vayan apareciendo otras obras importantes del primer periodo de Howard, es de esperar que comprendamos mejor los inicios de la carrera de uno de los primeros artistas abstractos más importantes de Estados Unidos. Dicho esto, Howard sigue siendo, hoy en día, un artista infravalorado e insuficientemente reconocido y, por tanto, de especial interés para el coleccionista exigente. En parte, su bajo perfil se debe al tamaño limitado de su obra, reflejo de la extrema deliberación y el tiempo que dedicaba a cada trabajo. Y lo que es más importante, Howard siguió a su propia musa, eludiendo cualquier etiqueta fácil, en parte surrealista, en parte pintor abstracto. Se mantuvo firmemente al margen del expresionismo que dominó el mundo del arte en la segunda mitad del siglo XX. Aunque era miembro de una importante familia artística del Área de la Bahía, sólo pintó allí durante los años de la guerra y dejó pocas pruebas de su presencia. Fue un joven artista en Nueva York, y se marchó en 1933, por lo que nunca se afilió a ninguna "Escuela de Nueva York". La mayor parte de su vida creativa la pasó como expatriado en Inglaterra, un americano sin duda, pero, de nuevo, un hombre difícil de clasificar. Casado, pero sin hijos, no dejó herederos que promovieran su reputación póstuma. A pesar de todo, Howard gozó durante décadas de la admiración entusiasta de sus colegas del arte y de los críticos de arte. Su obra forma parte de colecciones tan importantes como las del Instituto de Arte de Chicago, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

(Biografía facilitada por Hirschl Adler)