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Roy Lichtenstein
Lettre manuscrite sur une carte du thème des Indiens d Amérique II signée à un caméraman de CBS News
1983

Name: Lettre manuscrite sur une carte du thème des Indiens d'Amérique II signée à un caméraman de CBS News
Brand: Roy Lichtenstein
Rating: 5 (65 reviews)

3 500 $USPrix courant

À propos de cet article

Roy Lichtenstein Note manuscrite sur une carte encre sur papier signée par Roy Lichtenstein Le texte de la carte est le suivant "Merci beaucoup pour ces magnifiques imprimés C'est très gentil à vous de me les envoyer Je vous prie d'agréer, Madame, Monsieur, l'expression de mes salutations distinguées, Roy Lichtenstein Cette carte représente l'œuvre de Roy Lichtenstein, American Indian Theme II (from American Indian Theme Series), 1980, gravure sur bois en couleurs sur papier Suzuki fait à la main. Provenance : Cette carte a été acquise auprès de Dan Pope, photographe et caméraman de longue date de la chaîne CBS, qui avait amassé une superbe collection d'autographes d'artistes visuels au cours de plusieurs décennies. Cette œuvre a été élégamment suspendue et encadrée dans un cadre en bois de qualité muséale sous plexiglas UV. Mesures : Encadré 14,75 pouces verticaux par 11,5 horizontaux par 1,5 pouces de profondeur Carte (image) Biographie de Roy Lichtenstein Roy Lichtenstein est l'un des artistes les plus influents et les plus novateurs de la seconde moitié du XXe siècle. Il est surtout identifié au Pop Art, un mouvement qu'il a contribué à créer, et ses premières peintures entièrement réalisées étaient basées sur l'imagerie des bandes dessinées et des publicités et rendues dans un style imitant les procédés d'impression bruts de la reproduction des journaux. Ces peintures ont revigoré la scène artistique américaine et modifié l'histoire de l'art moderne. Le succès de Lichtenstein n'a d'égal que sa concentration et son énergie. Après son premier triomphe au début des années 1960, il a créé une œuvre de plus de 5 000 peintures, gravures, dessins, sculptures, peintures murales et autres objets célébrés pour leur esprit et leur invention. Roy Fox Lichtenstein est né le 27 octobre 1923 à New York, premier des deux enfants de Milton et Beatrice Werner Lichtenstein. Milton Lichtenstein (1893-1946) était un courtier immobilier prospère et Beatrice Lichtenstein (1896-1991), une femme au foyer, avait suivi une formation de pianiste. Elle a fait découvrir à Roy et à sa sœur Rénee les musées, les concerts et d'autres aspects de la culture new-yorkaise. Roy a montré très tôt des aptitudes artistiques et musicales : adolescent, il dessinait, peignait et sculptait, et passait de nombreuses heures au Musée américain d'histoire naturelle et au Musée d'art moderne. Il joue du piano et de la clarinette, et développe un amour durable pour le jazz, fréquentant les boîtes de nuit de Midtown pour l'écouter. Lichtenstein a fréquenté la Franklin School for Boys, un collège et un lycée privés, dont il est sorti diplômé en 1940. Cet été-là, il étudie la peinture et le dessin d'après modèle à l'Art Students League de New York avec Reginald Marsh. En septembre, il est entré à l'Ohio State University (OSU) à Columbus, au College of Education. Ses premières idoles artistiques étaient Rembrandt, Daumier et Picasso, et il disait souvent que Guernica (1937 ; Museo Reina Sofía, Madrid), alors prêté à long terme au Musée d'art moderne, était son tableau préféré. Dès ses études, Lichtenstein s'oppose à l'idée qu'un ensemble de lignes (les dessins d'une personne) "soit considéré comme brillant, et que les dessins d'une autre personne, qui vous paraissent peut-être meilleurs, soient considérés comme nuls par presque tout le monde "i. La remise en question par Lichtenstein des canons acceptés du goût est encouragée par Brilliante L. A., un professeur qui, selon lui, lui a montré comment voir et dont l'approche de l'art basée sur la perception a façonné la sienne. En février 1943, Lichtenstein est appelé sous les drapeaux et est envoyé en Europe en 1945. Dans l'infanterie, il a combattu en France, en Belgique et en Allemagne. Il fait des croquis tout au long de son séjour en Europe et, une fois la paix déclarée, il a l'intention d'étudier à la Sorbonne. Lichtenstein arrive à Paris en octobre 1945 et s'inscrit à des cours de langue et de civilisation françaises, mais il apprend rapidement que son père est gravement malade. Il retourne à New York en janvier 1946, quelques semaines avant la mort de Milton Lichtenstein. Au printemps de la même année, Lichtenstein retourne à l'OSU pour terminer son BFA et, à l'automne, il est invité à rejoindre la faculté en tant qu'instructeur. En juin 1949, il épouse Isabel Wilson Sarisky (1921-80), qui travaillait dans une galerie d'art coopérative à Cleveland où Lichtenstein avait exposé ses œuvres. Tout en enseignant, Lichtenstein prépare sa maîtrise, qu'il obtient en 1949. Au cours de son second séjour à l'OSU, Lichtenstein se rapproche de Sherman et commence à lui enseigner sa méthode d'organisation et d'unification d'une composition. Lichtenstein a toujours apprécié l'impact de Sherman sur lui. Il a donné à son premier fils le deuxième prénom "Hoyt" et, en 1994, il a fait don de fonds pour doter le Hoyt L. Sherman Studio Art Center à l'OSU. À la fin des années 1940 et au début des années 1950, Lichtenstein commence à travailler par séries et son iconographie est tirée d'images imprimées. Son premier thème soutenu, des peintures et des gravures intimes dans la veine de Paul Bayeux qui se moquent avec lyrisme des chevaliers, des châteaux et des jeunes filles du Moyen-Âge, pourrait bien avoir été inspiré par un livre sur la tapisserie de Bayeux. Lichtenstein a ensuite jeté un regard ironique sur les peintures de genre américaines du XIXe siècle qu'il avait vues dans les livres d'histoire, créant des interprétations cubistes de cow-boys et d'Indiens empreintes d'une fausse fantaisie primitive. Comme pour ses peintures Pop les plus célèbres des années 1960, Lichtenstein gravitait autour de ce qu'il caractérisait comme l'élément visuel le plus "stupide" ou le "pire" qu'il pouvait trouver, puis le modifiait ou l'améliorait. Dans les années 1960, l'art commercial était considéré comme méprisable par le monde de l'art ; au début des années 1950, avec la montée de l'expressionnisme abstrait, les peintures narratives et de genre américaines du dix-neuvième siècle étaient au plus bas de leur réputation parmi les critiques et les collectionneurs. La paraphrase, en particulier la paraphrase d'images méprisées, est devenue une caractéristique essentielle de l'art de Lichtenstein. Bien avant de trouver son mode d'expression caractéristique en 1961, Calle a attiré l'attention sur l'artifice des conventions et des goûts qui imprègnent l'art et la société. Ce que d'autres considéraient comme trivial le fascinait comme classique et idéalisé - selon ses propres termes, "un sujet mythologique purement américain "ii. Le contrat d'enseignement de Lichtenstein à l'OSU n'est pas renouvelé pour l'année universitaire 1951-52 et, à l'automne 1951, Isabel et lui déménagent à Cleveland. Isabel Lichtenstein devient décoratrice d'intérieur spécialisée dans le design moderne, avec une clientèle issue des riches familles de Cleveland. Alors que sa carrière est florissante, Lichtenstein ne continue pas à enseigner au niveau universitaire. Il a occupé une série d'emplois à temps partiel, dont ceux de dessinateur industriel, de concepteur de meubles, d'étalagiste et de dessinateur de cadrans mécaniques pour une entreprise d'instruments électriques. En réponse à ces expériences, il a introduit dans ses peintures et ses gravures des moteurs, des valves et d'autres éléments mécaniques au rendu excentrique. En 1954, le premier fils des Lichtenstein, David, est né ; deux ans plus tard, leur deuxième enfant, Mitchell, a suivi. Malgré le manque d'intérêt relatif pour son travail à Cleveland, Lichtenstein a placé ses œuvres auprès de marchands new-yorkais, ce qui a toujours eu une grande importance pour lui. Sa première exposition personnelle a lieu à la Carlebach Gallery de New York en 1951, suivie d'une représentation à la John Heller Gallery de 1952 à 1957. Pour reprendre sa carrière universitaire et se rapprocher de New York, Lichtenstein accepte un poste de professeur assistant à l'université d'État de New York à Oswego, dans le nord de l'État. Il a été engagé pour enseigner le design industriel à partir de septembre 1957. Oswego s'est avéré plus isolé géographiquement et esthétiquement que Cleveland ne l'a jamais été, mais le déménagement a été propice, tant pour son art que pour sa carrière. Lichtenstein s'éloigne de la représentation pour adopter un style totalement abstrait, appliquant de larges bandes de pigment sur la toile en faisant glisser la peinture sur sa surface avec un chiffon enroulé autour de son bras. À la même époque, Lichtenstein intègre des personnages de bandes dessinées tels que Mickey Mouse et Donald Duck dans des arrière-plans brossés et expressionnistes. Aucune des peintures proto-caricatures de cette période n'a survécu, mais plusieurs études au crayon et au pastel de cette époque, qu'il a conservées, témoignent de ses intentions. Enfin, alors qu'il se trouve à Oswego, Lichtenstein rencontre Reginald Neal, le nouveau directeur du département d'art du Douglass College, le collège pour femmes de l'université Rutgers, à New Brunswick, dans le New Jersey. L'école renforce et développe son programme d'art en studio et, lorsque Neal a besoin d'ajouter un membre à son département, Lichtenstein est invité à poser sa candidature. Lichtenstein se voit offrir le poste de professeur assistant et commence à enseigner à Douglass en septembre 1960. À Douglass, Lichtenstein est plongé dans un maelström d'effervescence artistique. Avec les musées et les galeries de New York à une heure de route, et ses collègues Geoffrey Hendricks et Robert Watts à Douglass et Allan Kaprow et George Segal à Rutgers, l'environnement ne pouvait que le galvaniser. En juin 1961, Lichtenstein revient à l'idée qu'il avait expérimentée à IDEA, à savoir combiner des personnages de bandes dessinées avec des arrière-plans abstraits. Mais, comme le dit Lichtenstein, "[j]e me suis dit qu'il fallait imiter le style de la bande dessinée sans la texture de la peinture, la ligne calligraphique, la modulation - toutes les choses impliquées dans l'expressionnisme".iii Plus célèbre encore, Lichtenstein s'est approprié les points Benday, les minuscules motifs mécaniques utilisés dans la gravure commerciale, pour exprimer la texture et les gradations de couleur - un langage stylistique synonyme de son sujet. Les points sont devenus une marque de fabrique identifiée à jamais à Lichtenstein et au Pop Art. Lichtenstein n'a peut-être pas calibré immédiatement la profondeur de sa percée, mais il s'est rendu compte que l'effet plat et la présentation impassible de la planche de bande dessinée agrandie et réorganisée à la manière influencée par Sherman "étaient tellement plus convaincants "iv que l'abstraction gestuelle qu'il pratiquait jusqu'alors. Parmi les premières peintures de ce nouveau mode, basées sur des bandes dessinées et des illustrations publicitaires, figurent Popeye et Look Mickey, rapidement suivies par The Engagement Ring, Girl with Ball et Step-on Can with Leg. Kaprow reconnaît l'énergie et le radicalisme de ces toiles et s'arrange pour que Lichtenstein les montre à Ivan Karp, directeur de la Leo Castelli Gallery. Castelli était le principal marchand d'art contemporain de New York et avait organisé des expositions marquantes de Jasper Johns et Robert Rauschenberg en 1958 et de Frank Stella en 1960. Karp est immédiatement attiré par les peintures de Lichtenstein, mais Castelli est plus lent à prendre une décision, en partie à cause des racines plébéiennes des peintures dans l'art commercial, mais aussi parce que, à l'insu de Lichtenstein, deux autres artistes avaient récemment attiré son attention - Andy Warhol et James Rosenquist - et Castelli n'était prêt que pour l'un d'entre eux. Après quelques délibérations, Castelli choisit de représenter Lichtenstein, et la première exposition des peintures de bandes dessinées se tient à la galerie du 10 février au 3 mars 1962. L'exposition fait salle comble et rend Lichtenstein célèbre. Au moment de la deuxième exposition personnelle de Lichtenstein à Castelli en septembre 1963, son travail avait été présenté dans des musées et des galeries dans tout le pays. Il était généralement associé à Johns, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana et Tom Wesselmann. L'ensemble de leur travail a été considéré comme une gifle à l'expressionnisme abstrait et, de fait, les artistes Pop ont détourné l'attention de nombreux membres de l'école de New York. Avec l'avènement du succès critique et commercial, Lichtenstein opère des changements importants dans sa vie et continue d'explorer de nouvelles possibilités dans son art. Après s'être séparé de sa femme, il déménage du New Jersey à Manhattan en 1963 ; en 1964, il démissionne de son poste d'enseignant à Douglass pour se consacrer exclusivement à son travail. L'artiste s'est également aventuré au-delà des sujets de la bande dessinée, en essayant des peintures basées sur des huiles de Cézanne, Mondrian et Picasso, ainsi que des natures mortes et des paysages. Lichtenstein devient un graveur prolifique et se lance dans la sculpture, ce qu'il n'avait pas tenté depuis le milieu des années 1950. Dans ses œuvres bidimensionnelles et tridimensionnelles, il utilise une multitude de matériaux industriels ou "non artistiques" et conçoit des objets édités en série qui sont moins chers que les peintures et les sculptures traditionnelles. En participant à l'un de ces projets, l'exposition American Supermarket en 1964 à la Paul Bianchini Gallery, pour laquelle il a conçu un sac à provisions, Bianchini a rencontré Dorothy Herzka (née en 1939), une employée de la galerie, qu'il a épousée en 1968. La fin des années 1960 est également marquée par les premières expositions muséales de Lichtenstein : en 1967, le Pasadena Art Museum organise une rétrospective itinérante, en 1968, le Stedelijk Musem d'Amsterdam présente sa première rétrospective européenne et, en 1969, le Solomon R. Guggenheim Museum lui consacre sa première rétrospective new-yorkaise. Désireux de grandir, Lichtenstein se détourne des sujets de bandes dessinées qui l'ont fait connaître. À la fin des années 1960, son travail devient moins narratif et plus abstrait, alors qu'il continue à méditer sur la nature de l'entreprise artistique elle-même. Il commence à explorer et à déconstruire la notion de coups de pinceau, éléments constitutifs de la peinture occidentale. Les coups de pinceau sont traditionnellement conçus comme des véhicules d'expression, mais Lichtenstein en a fait un sujet. Les artistes modernes soutiennent généralement que le sujet d'un tableau est la peinture elle-même. Lichtenstein a poussé l'imagination plus loin : un élément de composition peut servir de sujet à une œuvre et faire sonner ce bromure. La recherche de nouvelles formes et de nouvelles sources est encore plus insistante après 1970, lorsque Roy et Dorothy Lichtenstein achètent une propriété à Southampton, dans l'État de New York, et en font leur résidence principale. Au cours de la décennie fertile des années 1970, Lichtenstein a sondé un aspect de la perception qui l'avait toujours préoccupé : la facilité avec laquelle l'irréel est validé comme le réel parce que les spectateurs ont accepté tant de conceptions visuelles qu'ils n'analysent pas ce qu'ils voient. Dans la série des Miroirs, il traite de la lumière et de l'ombre sur le verre, et dans la série des Entablements, il étudie les mêmes phénomènes en abstrayant des éléments architecturaux du Beaux-Art tels que les corniches, les denticules, les chapiteaux et les colonnes. De même, Lichtenstein a créé des sculptures pionnières en bronze peint qui ont subverti la tridimensionnalité et la permanence conventionnelles du médium. Les formes en bronze sont aussi plates et minces que possible, plus liées à la ligne qu'au volume, et elles mettent en scène les sensations les plus fugitives - volutes de vapeur, rayons de lumière et reflets sur le verre. La vapeur, les reflets et l'ombre sont des signes en soi que tout spectateur reconnaît immédiatement. Toute une panoplie d'œuvres produites au cours des années 1970 sont autant de rencontres complexes avec le cubisme, le futurisme, le purisme, le surréalisme et l'expressionnisme. Whiting élargit sa palette au-delà du rouge, du bleu, du jaune, du noir, du blanc et du vert, et invente et combine des formes. Il ne se contente pas d'isoler des images trouvées, il les juxtapose, les superpose, les fragmente et les recompose. Selon l'historien de l'art Jack Cowart, les compositions virtuoses de Lichtenstein sont "un riche dialogue de formes, toutes modifiées intuitivement et libérées de leurs sources nominales "v. Au début des années 1980, qui coïncident avec le rétablissement d'un studio à New York, Lichtenstein est également à l'apogée d'une carrière très active dans le domaine de la peinture murale. Dans les années 1960 et 1970, il avait réalisé quatre peintures murales ; entre 1983 et 1990, il en a réalisé cinq. Il a également réalisé d'importantes commandes de sculptures publiques à Miami Beach, Columbus, Minneapolis, Paris, Barcelone et Singapour. Lichtenstein a créé trois séries majeures dans les années 1990, chacune emblématique de son intérêt permanent pour la résolution de problèmes picturaux. Les intérieurs, des toiles murales inspirées d'une minuscule publicité dans un annuaire téléphonique italien, explorent à nouveau les ambiguïtés perceptives des reflets des fenêtres et des miroirs. Les Nus reprennent le thème des femmes en mode romantico-comique, que Lichtenstein avait introduit dans les années 1960 et amplifié dans de luxuriantes scènes de plage d'inspiration surréaliste dans les années 1970. Comme dans le cas des intérieurs, on trouve de nombreuses citations d'éléments de toiles antérieures, le mobilier de l'univers peint de Lichtenstein. Il utilise également cette série pour étudier le mélange du clair-obscur (qu'il conçoit avec des points et des ombres) avec des aplats de couleur. Cet effet est porté à son paroxysme dans ses Paysages chinois, la dernière rencontre de Lichtenstein avec une tradition artistique monumentale - et l'une de ses plus subtiles. Les configurations de la terre, de l'eau, des montagnes et de l'air que l'on trouve dans les peintures et les rouleaux de la dynastie Song sont simulées par des champs de points gradués qui dérivent doucement. Aucun des contours noirs habituels de Lichtenstein ne définit les formes monochromatiques, ce qui renforce la qualité contemplative et abstraite de la série. 4 pouces par 5 pouces (recto de la carte) 4,5 pouces par 6,75 pouces au dos (écriture)

Créateur:
Roy Lichtenstein (1923 - 1997, Américain)
Année de création:
1983
Dimensions:
Hauteur : 37,47 cm (14,75 po)Largeur : 29,21 cm (11,5 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
Support:
Encre,Carte postale,Lithographie,Offset
Mouvement et style:
Pop Art
Période:
1980-1989
État:
Excellent état ; expédié encadré.
Adresse de la galerie:
New York, NY
Numéro de référence:
1stDibs : LU1745216771652

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Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein est l'une des principales figures du mouvement américain Pop art, avec Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg et Robert Rauschenberg.

S'inspirant des bandes dessinées, Lichtenstein s'approprie les techniques d'impression commerciale dans ses peintures , introduisant une sensibilité vernaculaire dans le paysage visuel de l'art contemporain . Il a utilisé des éléments visuels tels que les points de trame qui composent une image imprimée, et une utilisation de couleurs primaires inspirée de la bande dessinée a donné à ses peintures leur palette "Pop" caractéristique.

Né et élevé à New York, Lichtenstein a apprécié la myriade d'offres culturelles de Manhattan et les bandes dessinées à parts égales. Il a commencé à peindre sérieusement à l'adolescence, en étudiant l'aquarelle à la Parsons School of Design à la fin des années 1930, puis à l'Art Students League, où il a travaillé avec le peintre réaliste américain Reginald Marsh. Il a commencé ses études de premier cycle à Ohio State University en 1940, et après un séjour de trois ans dans l'armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, il a obtenu sa licence puis sa maîtrise en beaux-arts. Les racines de l'intérêt de Lichtenstein pour la convergence du grand art et de la culture populaire sont évidentes dès ses premières années à Cleveland, où, à la fin des années 1940, il enseignait à l'Ohio State, concevait des vitrines pour un grand magasin et peignait ses propres œuvres.

Travaillant à l'apogée du mouvement expressionniste abstrait dans les années 1950, Lichtenstein a délibérément évité le type de peinture qui était tenu en haute estime par le monde de l'art et a plutôt choisi d'explorer le monde visuel de la publicité imprimée et des bandes dessinées. Ce geste de recontextualisation d'une image de bas étage en l'important dans un contexte artistique deviendra une marque de fabrique du style artistique de Lichtenstein, ainsi qu'un véhicule de sa critique du concept de bon goût. Sa peinture de 1963 Whaam ! confronte le spectateur à une scène d'impact tirée d'un numéro de DC Comics datant de 1962 All American Men of War. Isolée de son contexte plus large, cette image combine le lettrage ludique et l'illustration aux couleurs vives de la bande dessinée originale avec un message plus sombre sur les conflits militaires au plus fort de la guerre froide. Crying Girl de la même année présente un autre motif de Lichtenstein - une femme en détresse, dépeinte avec un mélange de drame et d'humour pince-sans-rire. Son travail s'est fait connaître en créant une peinture murale inspirée de la bande dessinée pour le pavillon de l'État de New York de l'exposition universelle de 1964, il a ensuite été représenté par le légendaire galeriste new-yorkais Leo Castelli pendant 30 ans.

Dans les années 1970 et 1980, Lichtenstein expérimente l'abstraction et commence à explorer les éléments de base de la peinture, comme dans cette œuvre de 1989 Brushstroke Contest. Outre les peintures dans lesquelles le coup de pinceau lui-même devient le sujet central, il a créé en 1984 une sculpture à grande échelle intitulée Brushstrokes in Flight pour l'aéroport international de Port Columbus dans l'Ohio. Still Life with Windmill de 1974 et le triptyque Cow Going Abstract de 1982 témoignent tous deux d'une rupture par rapport à ses œuvres antérieures dont les sujets étaient dérivés d'images existantes. Ici, Lichtenstein peint des sujets plus conformes aux normes de l'histoire de l'art - une scène pastorale et une nature morte - mais il a traduit leurs compositions dans son style graphique caractéristique, dans lequel les éléments visuels des bandes dessinées imprimées sont encore une caractéristique déterminante.

1 720 $US Prix de vente

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