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Norman CartonÉtude nue (5)
1 877,83 €
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Norman Carton
Norman Carton (Américain d'origine russe, 1908-1980), force vive de l'expressionnisme abstrait, était connu pour son utilisation dynamique de la couleur et son coup de pinceau expressif et gestuel. Né en Russie et élevé en Amérique, Carton a exploré le potentiel émotionnel des formes abstraites et abstraites, utilisant souvent des teintes vives et des lignes organiques pour évoquer un sentiment de mouvement et de vitalité. Ses œuvres ont été profondément influencées par sa formation en peinture murale, qui l'a aidé à développer une approche stratifiée de la couleur et de la texture. En tant que peintre et dessinateur, les œuvres de Carton reflètent un engagement profond en faveur de l'expérimentation et de la résonance émotionnelle. Bien que peu connue de son vivant, sa contribution à l'abstraction reste un témoignage de la polyvalence et de l'énergie de l'art américain du milieu du XXe siècle.
- Créateur:Norman Carton (1908 - 1980, Américain)
- Dimensions:Hauteur : 27,94 cm (11 po)Largeur : 43,18 cm (17 po)
- Autres éditions et dimensions:uniquePrix : 1 878 €
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- Encadrement:Options d encadrement disponibles
- État:
- Adresse de la galerie:Columbia, MO
- Numéro de référence:1stDibs : LU1976215428452
Norman Carton
Norman Carton était un artiste et éducateur américain connu pour ses œuvres expressionnistes abstraites à l'huile sur toile. Bien qu'il s'agisse de son style et de son médium les plus connus, Carton était avant tout un coloriste et a également travaillé comme muraliste, portraitiste et paysagiste de formation classique, sculpteur, concepteur de décors de théâtre et de tissus, et illustrateur, ainsi que dans une variété d'abstractions. Il possède une importante collection muséale et un passé commercial, ayant participé à plus de 20 expositions personnelles et 135 expositions collectives." Il a reçu de nombreux prix et bourses pour sa peinture. Dans les années 1930, il a participé à la réalisation de peintures murales dans le cadre du WPA. Dans les années 1940, il a fondé une entreprise de design et de production de tissus qui a été présentée dans le magazine Interiors, Vogue, Harper's Bazaar et Women's Wear Daily. Il s'agissait de tissus imprimés à la main et ses clients étaient Nina Ricci, Carnegie, Lord
Taylor, etc. En 1962, Norman Carton a ouvert sa propre Dewey Gallery à New York. Les œuvres de Carton continuent de figurer dans des expositions actuelles, notamment à la Quogue Gallery intitulée 1950s and 1960s Works on Paper,, au Nassau County Museum of Art intitulée Blue in 2020 ainsi que Energy : The Power of Art en 2019, et à la Anita Shapolsky Gallery en 2019 intitulée Inspiration
Exploration. L'exposition personnelle de Norman Carton en 2020 à la Quogue Gallery a été commentée par Charles A Riley. Une partie représentative des papiers de Carton, comprenant de la correspondance, des écrits, des notes, des catalogues d'exposition et des carnets de croquis, a été donnée aux Smithsonian Archives of American Art, où elle se trouve toujours.
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Fusain sur papier
16 x 12 pouces
Signé et daté '67 en bas à gauche
encadré
Biographie de Stanley Cosgrove
(1911 - 2002) Groupe de peintres canadiens, RCA
Né à Montréal (Québec), il étudie l'art à l'École des Beaus-Arts de Montréal à l'âge de 26 ans, puis à l'Art Association of Montreal où il suit les cours de peinture de figures d'Edwin Holgate. Il a eu le rare honneur d'être invité à exposer, alors qu'il était encore étudiant, au Musée provincial du Québec en 1939. À cette époque, il suit les travaux de peintres français comme Braque et Rouault. Il reçoit une bourse de la province de Québec au début de l'année et a l'intention d'étudier en France pendant quatre ans, mais le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale l'oblige à changer ses plans. Il a été autorisé à étudier sur le continent américain et a choisi New York. Cosgrove arrive à New York avec sa femme, mais au bout de deux mois, il ne trouve pas satisfaction et part finalement au Mexique.
Au Mexique, il s'intéresse à la peinture de fresques et approche Jose Clemente Orozco par l'intermédiaire d'amis professeurs. Orozco, qui venait de commencer une fresque pour l'hôpital Jesus de Nazareno, au cœur de Mexico, accepta de le laisser participer à certaines parties du travail. M-One arrivait chaque matin à six heures pour aider à mélanger le mortier, préparer le plâtre et travailler à tout, du nettoyage à la brosse au balayage des sols. Sur la fresque elle-même, Cosgrove a été autorisé à appliquer des couleurs plates sur l'arrière-plan et à esquisser les points principaux tels que la tête, les mains et les pieds, en agrandissant l'esquisse originale d'Orozco.
Orozco lui-même avait appris la peinture à fresque dans des encyclopédies italiennes et conseillait à Cosgrove de s'adresser aux Italiens pour approfondir ses connaissances. Cosgrove est resté avec Orozco jusqu'à l'achèvement de la fresque. C'est en travaillant avec Orozco que Cosgrove a ressenti une nouvelle assurance et un caractère direct qu'il n'avait pas connu dans ses travaux précédents. Pendant les quatre années qu'il a passées au Mexique, il a également réalisé des natures mortes, des paysages, des scènes de rue et de marché.
À son retour au Canada en 1944, il se concentre pendant un certain temps sur des natures mortes, en utilisant des couleurs, parfois avec des formes déformées et parfois plus représentatives, montrant des traces de Braque. Certains de ses portraits présentent les contours caractéristiques, notamment au niveau du visage, des œuvres de Rouault qui s'avèrent très efficaces. En 1953, Cosgrove a reçu une bourse du gouvernement pour étudier en France.
Dans son ouvrage "Canadian Drawings and Prints", Paul Duval classe Cosgrove parmi les dessinateurs canadiens les plus doués et utilise deux exemples de ses dessins à titre d'illustration. Dorothy Pfeiffer, dans une critique de l'exposition de Cosgrove en 1961 à la Dominion Gallery de Montréal, a déclaré : "...Les qualités saillantes des peintures de Cosgrove, qui ressemblent à des fresques de paysages boisés, de natures mortes, de portraits et d'études de personnages... semblent résider dans la pureté et la certitude de leur expression, dans la transparence et la profondeur inhabituelles de leurs couleurs et de leurs textures, ainsi que dans un certain sens mystique de détachement de l'agitation de la vie quotidienne...". Ses œuvres ont également été exposées aux Continental Galleries à Montréal et aux Laing Galleries à Toronto.
Vers 1953, il est actif dans le domaine du design textile, travaillant avec un groupe d'artistes comprenant Robert Lapalme...
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