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John VanderbankPortrait d
une dame Robe de soie blanche et draperie rouge, signé et daté de 1739 VanderbankSigné et daté 1739
Signé et daté 1739
24 997,26 €
À propos de cet article
Portrait d'une dame en robe de soie blanche et draperie rouge
Signé et daté 1739
John Vanderbank (1694-1739)
Il s'agit d'une œuvre tardive exceptionnelle, rare et hautement désirable de John Vanderbank, un artiste qui comptait parmi les principaux portraitistes autochtones du Londres du début de l'ère géorgienne. Présentée par Titan Fine Art, cette œuvre signée et datée de 1739 - la dernière année de la vie de l'artiste - est conservée dans un état remarquable. Ambitieux par son ampleur et raffiné par son exécution, il réunit les meilleures qualités recherchées dans le portrait du début de la période géorgienne : un modèle imposant et présent dans la vie, un maniement virtuose du satin et des bijoux, et un programme visuel éloquent qui communique la lignée, le rang et l'identité cultivée avec une assurance tranquille.
Le personnage est représenté de trois-quarts, assis dans un paysage doucement idéalisé. Le langage mature de Vanderbank en matière de portrait est fortement évident : l'équilibre entre la grandeur et l'intimité, le dessin confiant des mains et l'utilisation contrôlée du contraste des tons pour créer un sentiment vivant de présence. Le visage est modelé avec retenue et chaleur ; les yeux s'engagent directement et l'expression est maîtrisée plutôt que théâtrale - une image d'un statut social assuré. Le paysage n'est pas une topographie littérale, mais un cadre raffiné codé par le domaine : un monde extérieur cultivé qui évoque les loisirs, la propriété et les valeurs de la vie en Lande.
Le costume correspond précisément à la fin des années 1730 et confirme la date inscrite de 1739. La robe en soie blanche est un choix coûteux et socialement lisible : la soie blanche était luxueuse, difficile à garder immaculée, et donc un signal direct de richesse, de loisir et de commandement domestique raffiné. Le corsage est décolleté et bordé de dentelle ; les manches sont terminées par des engageantes en dentelle, conformément à la mode londonienne de l'époque.
Sur ses genoux et ses épaules tombe une généreuse draperie de soie rouge, peinte avec une grande compréhension de la surface réfléchissante du satin, l'un des domaines dans lesquels Vanderbank excellait. Ce rouge n'est pas seulement décoratif, c'est un artifice de composition qui réchauffe la palette, flatte le teint du modèle, apporte du mouvement et de la richesse théâtrale sans recourir à l'allégorie.
Le corsage est fermé au centre par une série de fermoirs sertis de diamants ou de pierres précieuses. Leurs reflets facettés sont placés avec une clarté délibérée pour s'inscrire dans un luxe authentique. Dans les portraits du début de la Géorgie, ces ornements en diamant étaient l'un des marqueurs les plus lisibles du rang : les bijoux étaient intégrés à la tenue vestimentaire et faisaient partie d'un langage de raffinement "courtois" cohérent.
L'un des éléments clés de ce portrait est la main droite du modèle, levée vers le corsage non pas pour tenir quelque chose, mais pour toucher les fermetures en diamant - un geste calculé qui attire le regard du spectateur sur la main elle-même. La bague est portée à l'auriculaire et se présente de manière ostentatoire, isolée sur un fond de chair pâle et de satin. Ce n'est pas accessoire. Le geste est mis en scène de manière à ce que la bague devienne un point de signification primordial. Dans l'art du portrait britannique du XVIIIe siècle, une bague portée à l'auriculaire (pinky ring) a souvent une fonction différente de celle d'une bague placée à l'annulaire. Dans ce contexte, l'anneau de l'auriculaire n'est pas une simple annonce de mariage (comme pourrait l'être un anneau de doigt), mais plutôt un marqueur de rang, de lignage et d'identité d'élite cultivée. Ici, il s'agit d'un signe lisible de position sociale, d'un emblème de distinction héritée ou de rang familial.
La marge gauche contient une vigne grimpante avec des feuilles et de petites fleurs, y compris des fleurs bleues en forme de cloche, de petites fleurs blanches et une seule fleur jaune en guise d'accent chromatique. Comme la personne assise ne tient pas ou ne touche pas ces fleurs, elles fonctionnent comme un symbole environnemental plutôt que comme un gage personnel. Une telle flore de jardin de domaine soutient le langage social plus large du portrait : nature cultivée, stabilité et continuité - des codes étroitement associés à la vie en Lande et aux valeurs aristocratiques. Plutôt qu'un emblème d'amour sentimental, cette plantation se lit comme une extension du cadre : un renforcement visuel tranquille du raffinement et du goût cultivé, équilibrant l'éclat des diamants et la brillance du satin avec la douceur de la verdure.
Avec son échelle ambitieuse, son paysage codifié par le domaine, son luxe sobre et l'indication de la lignée par l'anneau du petit doigt, le portrait suggère très fortement un modèle issu de la gentry terrienne ou de la petite aristocratie, peut-être du cercle d'un baronnet ou d'un pair, peint à Londres à l'apogée de la mode du début de l'ère géorgienne. Les liens avec la cour restent plausibles (Vanderbank se déplaçait dans les sphères de l'élite), mais l'image n'insiste pas sur l'identité de la cour ou de la maison royale. Au contraire, il projette un rang sûr et une position dynastique à long terme plutôt qu'une transition ou un accomplissement.
Sa vie aurait probablement été centrée sur la sociabilité du domaine, la gestion du ménage et la continuité de la famille, le portrait servant d'outil pour établir la lignée - une image destinée à être exposée bien en vue dans l'intérieur d'une maison de campagne. À la fin des années 1730, le portrait était au centre de l'image de soi de l'élite. Les grands portraits à l'huile étaient des déclarations de légitimité et de goût, destinées à ancrer la généalogie visuelle d'une famille. La clientèle de Vanderbank recherchait précisément ce que ce tableau offre : l'aisance aristocratique, la splendeur de la mode et une expression convaincante de la permanence.
Le moment national ajoute une dimension incontournable. En 1739, la Grande-Bretagne entre en conflit avec l'Espagne (la guerre de l'oreille de Jenkins), une période de tensions impériales croissantes. Le tableau devient ainsi un artefact discret et puissant de l'identité géorgienne - une possession de soi sereine face à un monde en mutation.
Si la signature et la date constituent des preuves directes de la paternité de l'œuvre ("Jn Vanderbank / fecit 1739"), les arguments stylistiques sont tout aussi convaincants. La maturité de Luminus est visible dans le modelage lumineux de la chair rose/bleue (Vanderbank excellait dans la "pigmentation audacieuse de la chair où les tons roses sont peints finement sur des gris plus froids pour suggérer une peau éclatante"), la brillance contrôlée du satin et des bijoux, et la mise en scène sophistiquée de la personne assise par rapport au paysage. Les mains - souvent le test d'un artiste - sont élégamment dessinées et peintes avec assurance. L'harmonie générale, le jeu des blancs froids et des roses chauds, et le raffinement intégré de la figure et du cadre s'alignent sur les meilleures œuvres tardives de Vanderbank.
Le portrait est probablement resté dans la famille du modèle jusqu'au début du 20e siècle. Au XIXe siècle, il faisait partie de la collection du célèbre marchand de Bond Street Eugene Benjamin, du 168 New Bond Street, Londres (auparavant, du 169 New Bond Street), actif dans le commerce d'œuvres d'art et d'objets décoratifs de grande qualité. Après sa mort, Christie, Manson
Woods a dispersé l'ensemble de son stock en novembre 1898 lors d'une importante vente aux enchères de plusieurs jours. Le verso du tableau (sur le châssis) conserve le pochoir d'inventaire de Christie's "476 W" et la date manuscrite à la craie "23 novembre 1998" correspondant à cette vente. Ces graffitis d'archives confirment que notre portrait faisait partie de la vente de 1898 et qu'il est resté sur son châssis d'origine depuis cette date, ce qui ajoute un intérêt documentaire au-delà de l'image de face.
L'ampleur et le succès de sa vente de succession témoignent de la position de Benjamin dans le métier. Le fait que Christie's ait consacré une vente aux enchères de plusieurs jours à la liquidation de son stock, et qu'elle ait rapporté près de 8 000 livres sterling en 1898, témoigne de sa réputation et de la qualité des objets dont il s'occupait. Peu de choses ont été publiées sur la vie personnelle de Benjamin ; il avait probablement une quarantaine d'années au moment de sa mort, et son entreprise était peut-être une affaire de famille (en effet, les archives montrent un Joseph Benjamin - peut-être un parent - et un Eugene Benjamin exécutant ensemble un testament dans les années 1880, ce qui laisse supposer des liens familiaux dans le commerce des antiquités).
Le cadre finement sculpté et doré du XVIIIe siècle est richement orné d'un feuillage en volutes et exécuté avec une qualité propre à une commande d'élite.
Ce portrait se distingue par son exhaustivité et sa clarté : un Vanderbank tardif, signé et daté de 1739, conservé dans un bel état, un beau cadre doré, avec des preuves significatives au verso et une provenance enracinée dans le commerce historique de Bond Street. Son iconographie subtile est particulièrement convaincante : le geste de la main du modèle, mis en scène, présente une bague au petit doigt non pas comme une fleur sentimentale, mais comme un signe confiant de lignée et de rang, tandis que la vigne du jardin souligne l'identité cultivée de la propriété. Il s'agit d'une déclaration exceptionnellement vivante de la façon dont l'aristocratie du début de la Géorgie s'est façonnée.
John Vanderbank compte parmi les portraitistes anglais les plus doués et les plus ambitieux du début de la période géorgienne. Né à Londres en 1694 dans une famille d'artistes - son père était tisserand de tapisseries et graveur d'origine flamande - il a reçu une formation précoce en dessin avant d'entrer dans le studio et l'académie de Sir Godfrey Kneller, le portraitiste dominant en Angleterre au tournant du dix-huitième siècle. Là, Vanderbank s'imprègne de la manière grandiose des portraits de cour tout en développant une approche plus vivante et picturale de la couleur et de la forme.
À la fin des années 1710, Vanderbank s'était établi de manière indépendante et réalisait des portraits à grande échelle pour des mécènes d'élite, dont Sir Isaac Newton et la reine Caroline.
En 1720, Vanderbank a cofondé une académie de dessin pionnière à St Martin's Lane. L'académie mettait l'accent sur le dessin d'après nature à partir de modèles nus, y compris des modèles féminins - une pratique avancée et controversée en Grande-Bretagne à l'époque. Cette académie a joué un rôle crucial dans le développement de la formation artistique professionnelle à Londres et a contribué à jeter les bases d'institutions ultérieures, notamment l'académie de St Martin's Lane associée à Hogarth et, en fin de compte, la Royal Academy.
Malgré sa réussite artistique, Vanderbank s'endette à plusieurs reprises ; ces difficultés réduisent sa productivité et l'empêchent de consolider la position que son talent justifie. Il meurt prématurément en décembre 1739, à l'âge de quarante-cinq ans seulement, vraisemblablement de consomption. Bien que sa carrière ait été écourtée, Vanderbank est aujourd'hui reconnu comme l'un des portraitistes anglais les plus accomplis de sa génération, un artiste qui fait le lien entre le monde de Kneller et les réalisations ultérieures de Reynolds, et dont les meilleures œuvres, en particulier celles de ses dernières années, comptent parmi les plus belles expressions du portrait du début de la période géorgienne.
Provenance
Avec le marchand d'art M. Eugene Benjamin, du 168 New Bond Street, Londres ;
Vente posthume de son stock, (vente en quatre jours de l'ensemble du stock, 567 articles au total, dont 85 tableaux) Christie's Londres, 23-26 novembre 1898 [lot 552], vendu à Solomon ;
Collection privée, Paris, d'ici 2015
Mesures :
Hauteur 144cm, Largeur 121cm encadré (Hauteur 56.75", Largeur 47.5" encadré)
- Créateur:John Vanderbank (1694 - 1739, Britannique)
- Année de création:Signé et daté 1739
- Dimensions:Hauteur : 144 cm (56,7 po)Largeur : 121 cm (47,64 po)Profondeur : 7 cm (2,76 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:L état est très bon et peut être accroché et apprécié immédiatement. Le tableau a fait l objet d une évaluation rigoureuse de son état par un restaurateur professionnel avant d être mis en vente.
- Adresse de la galerie:London, GB
- Numéro de référence:1stDibs : LU1199117427952
John Vanderbank
John Vanderbank (9 septembre 1694 - 23 décembre 1739) est un peintre anglais qui jouit d'une grande réputation durant la dernière décennie du règne du roi George I+I et reste en vogue durant la première décennie du règne du roi George II. Selon George Vertue, seules l'intempérance et l'extravagance ont empêché Vanderbank d'être le plus grand portraitiste de sa génération. Son style de vie lui a valu des difficultés financières répétées et l'a conduit à une mort prématurée à l'âge de 45 ans seulement. John Vanderbank a d'abord étudié la composition et la peinture avec son père, puis avec le peintre Jonathan Richardson, avant de devenir l'un des premiers élèves de Sir Godfrey Kneller en 1711 dans son académie d'art de Great Queen Street, voisine de l'atelier de tapisserie de son père. Après que Sir James Thornhill eut succédé à Kneller en 1718, Vanderbank y poursuivit ses études pendant deux ans avant de fonder sa propre académie en 1720.
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