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ROY LICHTENSTEIN - EXPLOSION, 1967. Skate Decks Pop Art Design Modern2024
2024
680 €TVA incluse
850 €20 % de remise
À propos de cet article
Roy Lichtenstein - Explosion, 1967
Date de création : 2024
Support : Impression numérique sur bois d'érable canadien
Édition : Ouverte
Taille : 80 x 20 cm (chaque patin)
Condit : A l'état neuf et jamais exposé
Ce triptyque est formé par trois planches de skate en bois d'érable canadien de grade A à 7 plis.
© Estate of Roy Lichtenstein, 2024, tous droits réservés
Explosion (1967) de Roy Lichtenstein marque un moment où l'artiste s'éloigne du portrait traditionnel pour se concentrer uniquement sur l'image d'une explosion, thème récurrent dans les bandes dessinées de l'époque. Au lieu de raconter une histoire, Lichtenstein capture l'énergie visuelle et le dynamisme de l'explosion en utilisant son style caractéristique avec des points Ben-Day et des couleurs plates. L'œuvre prend un élément commun de la culture populaire, comme les explosions dans les bandes dessinées d'action, et le transforme en une pièce qui explore la superficialité des émotions dépeintes dans les médias et leur appropriation dans la culture de consommation.
Ce qui est fascinant dans cette œuvre, c'est la façon dont l'utilisation de couleurs intenses et de contours audacieux imite non seulement l'esthétique de la bande dessinée, mais amplifie également l'impression de vitesse et de puissance. La répétition des éléments visuels intensifie l'idée d'un impact explosif, tout en conservant un ton ironique et détaché, caractéristique de Lichtenstein. Par ce contraste entre le drame représenté et le détachement technique, l'œuvre devient une critique de la façon dont les médias banalisent l'héroïsme et l'émotion, et dont ces représentations sont consommées en masse sans réflexion profonde.
Explosion joue également avec les frontières entre l'art populaire et ce qui est considéré comme de la "haute culture". En reprenant un thème aussi commun, Lichtenstein l'élève au rang de galerie, remettant en cause les hiérarchies artistiques traditionnelles et questionnant le clivage entre le "bas" et le "haut". L'œuvre se situe à un moment historique où les images de la culture pop, comme les bandes dessinées et les publicités, avaient déjà une présence dominante dans la vie quotidienne, et l'œuvre peut être considérée comme un commentaire sur la saturation des stimuli visuels et la banalisation de l'émotion dans la société moderne.
Comme d'autres œuvres de Lichtenstein, Explosion invite le spectateur à reconsidérer la relation entre l'art, les médias et la manière dont les valeurs culturelles sont exprimées à travers les images.
À PROPOS DE L'ARTISTE
Roy Lichtenstein est né le 27 octobre 1923 à New York, dans une famille juive aisée. Son père, Milton Lichtenstein, était un courtier immobilier prospère et sa mère, Beatrice, était une femme au foyer qui s'intéressait à l'art. Cet environnement confortable, riche en stimuli culturels, a permis à Roy de développer un intérêt précoce pour le dessin, le jazz et la science-fiction - des intérêts qui allaient imprégner une grande partie de son travail ultérieur.
Il a fréquenté la Franklin School for Boys à Manhattan, puis l'Ohio State University, où il a étudié les beaux-arts. Ses études ont été interrompues par la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle il a servi dans l'armée américaine. À son retour, il reprend ses études et commence à enseigner dans diverses institutions, notamment à l'université Rutgers, où il rencontre Allan Kaprow, l'un des précurseurs de l'art de la performance. Cette rencontre a contribué à façonner les idées de Lichtenstein sur les limites de l'art.
Au début des années 1960, Lichtenstein prend un tournant radical dans sa Directional artistique. Fatigué par la domination de l'expressionnisme abstrait, qu'il considère comme trop sérieux et saturé d'émotions, il commence à expérimenter l'imagerie de la bande dessinée. Son œuvre Look Mickey de 1961 a marqué un tournant : elle présentait une image de dessin animé reconnaissable, rendue avec des points Ben-Day peints à la main, une technique utilisée dans l'imprimerie commerciale pour créer des ombres et des variations de couleur.
À partir de ce moment, Lichtenstein développe un style unique caractérisé par des contours audacieux, des couleurs plates et l'utilisation de points pour imiter l'apparence des bandes dessinées imprimées. Son œuvre est à la fois une célébration et une critique des médias de masse et de la culture de consommation. Des tableaux comme Whaam ! (1963) et Drowning Girl (1963) sont aujourd'hui des icônes du mouvement Pop Art, juxtaposant mélodrame et précision mécanique.
L'une des plus grandes contributions de Lichtenstein a été sa capacité à transformer des images banales et quotidiennes en œuvres d'art, obligeant les spectateurs à se confronter à la ligne de démarcation entre l'art commercial et les beaux-arts. Son travail n'a pas été exempt de controverse ; les critiques l'ont accusé de plagier des artistes de bandes dessinées, mais Lichtenstein a toujours défendu ses réinterprétations comme étant transformatrices et conceptuelles.
Au cours des décennies suivantes, Lichtenstein a élargi son champ d'action, s'aventurant dans les sculptures, les peintures murales et les réinterprétations d'œuvres d'autres artistes, tels que Picasso, Monet et van Gogh. Sa série Brushstrokes (1965-1966) imite habilement les marques gestuelles de l'expressionnisme abstrait mais les rend dans son style mécanique, parodiant le mouvement même qui a dominé le monde de l'art.
Dans les années 1980 et 1990, Lichtenstein continue d'innover en créant des œuvres d'art public à grande échelle et en explorant des thèmes tels que l'art déco, le surréalisme et l'histoire de la peinture elle-même. Il a également créé des pièces qui commentent l'artifice de la perspective et l'illusionnisme de l'espace, toujours à travers sa lentille caractéristique d'ironie et de détachement.
Roy Lichtenstein est décédé en 1997, mais son héritage reste profond. Ses œuvres font partie de collections importantes dans le monde entier, du MoMA de New York à la Tate Modern de Londres. Son influence est visible dans la publicité, le design graphique et même la culture numérique, le cimentant comme l'un des artistes les plus importants du 20e siècle.
Grâce à l'humour, à la clarté et à une touche de provocation, Lichtenstein a redéfini ce que l'art pouvait être. Il a transformé le banal en monumental et a appris à des générations à voir l'extraordinaire dans l'ordinaire.
- Année de création:2024
- Dimensions:Hauteur : 80 cm (31,5 po)Largeur : 60 cm (23,63 po)Profondeur : 2 cm (0,79 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Après:Roy Lichtenstein (1923 - 1997, Américain)
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Madrid, ES
- Numéro de référence:1stDibs : LU1033117241212
À propos du vendeur
5,0
Vendeur Or
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Établi en 2011
Vendeur 1stDibs depuis 2018
184 ventes sur 1stDibs
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- Politique des retours
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"Hirst a expérimenté pour la première fois l'art de la filature en 1992 dans son studio de Brixton ("Beautiful Ray of Sunshine on a Rainy Day Painting" et "Beautiful Where Did All The Colour Go Painting" (1992). L'année suivante, il a monté un stand d'art avec son collègue Angus Fairhurst à la foire de rue dirigée par Joshua Compston, "A Féte Worse than Death". Déguisés en clowns par l'artiste Leigh Bowery, Fairhurst et Hirst ont invité les visiteurs à payer 1 £ pour créer leurs propres peintures à la cuiller qui seront signées par les deux artistes (et 1 £ de plus pour baisser leur pantalon et révéler leurs bites et leurs couilles peintes !)
Les tableaux de spin sont caractérisés par les titres allongés des œuvres, qui commencent par "Beautiful" et se terminent par "painting", et par leurs couleurs vives. La série a véritablement commencé en 1994, lorsque Hirst a fait fabriquer une machine à filer alors qu'il vivait à Berlin. Une série de ses dessins de filature réalisés à la machine a ensuite été exposée au Bruno Brunnet Contemporary Fine Arts, à Berlin, plus tard dans l'année. L'exposition "making beautiful drawings : an installation" invitait les visiteurs de la galerie à réaliser leurs propres dessins libres sur une machine à dessiner rotative fabriquée à partir d'une perceuse. La première peinture tournoyante réalisée à Berlin a été exposée à la Waddington Gallery, à Londres, en 1995, sous le titre "Beautiful, pop, spinning ice creamy, whirling expanding painting" (1995) (source : site de Damien Hirst)
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