Eau Forte Picasso

L'un des artistes les plus prolifiques et les plus révolutionnaires que le monde ait jamais vus, Pablo Picasso a eu un impact considérable sur le développement de l'art moderne du 20e siècle. Bien qu'il soit surtout connu pour son association avec le mouvement cubiste, qu'il a fondé avec Georges Braque, l'influence de Picasso s'étend à le surréalisme, le néoclassicisme et l'expressionnisme.

"Tout acte de création est d'abord un acte de destruction", proclame l'artiste espagnol. Dans ses peintures cubistes, Picasso met l'accent sur la bidimensionnalité de la toile, rompant avec les conventions relatives à la perspective, au raccourcissement et aux proportions. Picasso s'est inspiré de l'art tribal ibérique et africain . L'une de ses œuvres précubistes les plus célèbres est Les Demoiselles d'Avignon (1907), une peinture considérée comme immorale et choquante à l'époque pour sa représentation de femmes nues dont les visages ressemblent à des masques tribaux ibériques.

Picasso a réalisé de nombreux portraits dans ce style, le plus souvent des femmes de sa vie, dont les visages aux couleurs expressives sont composés d'éclats géométriques de plans de surface. Dans Woman in a Hat (Olga), 1935, il peint sa première femme comme un assemblage de formes abstraites, laissant le spectateur déchiffrer le sujet à travers le contraste des couleurs et des formes. Picasso était un artiste infatigable, créant plus de 20 000 peintures, dessins, estampes, céramiques et sculptures. En retraçant l'œuvre de sa vie, on découvre la progression de l'art moderne, sur lequel il a exercé une influence inégalée.

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Inspirés par les manières non traditionnelles dont Postimpressionnistes comme Paul Cézanne et Georges Seurat dépeignaient le monde, Pablo Picasso et Georges Braque ont été les pionniers d'un style encore plus abstrait dans lequel la réalité était fragmentée en formes plates et géométriques. Le cubisme a fortement influencé l'art occidental du 20e siècle en rompant radicalement avec l'adhésion à la composition et aux perspectives linéaires qui remontaient à la Renaissance . Ses moments décisifs sont considérés comme les Demoiselles d'Avignon ( ) de Picasso (1907), dans lesquelles des figures nues sont fracturées en formes angulaires, et l'exposition de peintures de Georges Braque (1908), qui a incité un critique à décrire ses réductions visuelles comme des "cubes".

Bien que le cubisme ait été un mouvement artistique révolutionnaire pour la culture européenne, il a été inspiré par les masques africains et d'autres l'art tribal. Ses artistes, parmi lesquels Fernand Léger, Alexander Archipenko, Marcel Duchamp, Juan Gris et Jean Metzinger, ont expérimenté la compression de l'espace et la tension entre les formes solides et les formes vides dans leurs œuvres. Si leurs sujets sont souvent conventionnels, comme les natures mortes, les nus et les paysages, ils sont déformés sans illusion de réalisme.

L'art cubiste a évolué à travers différentes phases distinctes. Dans le cubisme analytique , de 1908 à 1912, les figures ou les objets étaient "analysés" en morceaux qui étaient réassemblés dans des peintures et des sculptures, comme si le même sujet était présenté de plusieurs points de vue à la fois. La palette est généralement monochrome et sourde, mettant en valeur les plans qui se chevauchent. Cubisme synthétique, datant de 1912 à 1914, a évolué vers des couleurs plus vives et un nouvel aplatissement des images. Ce détachement des idées formelles de l'art façonnera de nombreux styles qui suivront, de DADA à Surréalisme.

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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