Henri Matisse Pasiphae

Qu'il soit dessinateur, sculpteur, graveur ou peintre, Henri Matisse était un maître de la couleur. Bien qu'ayant reçu une formation classique à l'Académie Julian, à Paris, il abandonne rapidement les techniques et les genres traditionnels pour créer un style qui lui est propre, marqué par des traits rapides et gestuels et des contours fluides.

Avec son collègue peintre André Derive, Matisse a été le principal promoteur du fauvisme, un mouvement dont le nom est dérivé du mot français signifiant "bête sauvage". Marquées par des teintes vibrantes, les peintures fauves comme la célèbre composition de Matisse de 1906 Le Bonheur de vivre utilisent des coups de pinceau sauvages et actifs et une palette non contrainte par la nature, ce qui donne des femmes à la peau violette et des arbres aux feuilles orangées. Souvent, ces compositions unissent la couleur pure au blanc de la toile exposée pour créer une sensation de transparence et de lumière.

Outre des paysages et des natures mortes magistrales, Matisse aimait peindre des sujets érotiques, en particulier le nu féminin. Rejetant le réalisme strict de , il décompose la forme en ses parties essentielles et les traduit ensuite en contours voluptueux et arrondis. Avec ses couleurs saisissantes et son modelé sculptural, Odalisque couchée aux magnolias est l'une des œuvres les plus célèbres de Matisse - et l'œuvre la plus chère jamais vendue - représentant Henriette Darricarrère, son a.muse et modèle favori pendant environ sept ans, se prélassant luxueusement dans son Studio de Nice. Dans des tableaux comme la lithographie Nu Bleu, il explore le pouvoir expressif d'un corps en mouvement en plaçant ses personnages dans des poses tordues ou contorsionnées, transformant leurs membres en un enchevêtrement de couleurs et de formes qui poussent la peinture figurative vers l'abstraction.

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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