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Peut-être l'un des mouvements d'art contemporain les plus influents, Pop art est apparu dans les années 50 . À l'opposé de la pratique artistique traditionnelle, ses praticiens ont puisé dans l'imagerie de la culture populaire - bandes dessinées, publicité, emballages de produits et autres médias commerciaux - pour créer des œuvres originales de pop art - peintures, - impressions et - sculptures - qui célèbrent la vie ordinaire de la manière la plus littérale.

LES ORIGINES DU POP ART

• Apparu en Grande-Bretagne dans les années 50, il a prospéré dans l'Amérique des années 60.
• "This is Tomorrow", présentée à la Whitechapel Gallery de Londres en 1956, aurait été la première exposition de pop art.
• Une réaction au consumérisme de masse de l'après-guerre
• S'éloigner de Expressionnisme abstrait
• Informé par le néoDada et des artistes tels que Jasper Johns et Robert Rauschenberg; a influencé le postmodernisme et le photoréalisme

CARACTÉRISTIQUES DU POP ART

• Une imagerie audacieuse
• Couleurs vives et brillantes
• Des concepts simples
• Engagement avec la culture populaire
• Incorporation d'objets quotidiens provenant de publicités, de dessins animés, de bandes dessinées et d'autres médias populaires.

LES ARTISTES POP À CONNAÎTRE

• Richard Hamilton
• Andy Warhol
• Marta Minujín
• Claes Oldenburg
• Eduardo Paolozzi
• Rosalyn Drexler
• James Rosenquist
• Peter Blake
• Roy Lichtenstein

POP ART ORIGINAL SUR 1STDIBS

Le mouvement pop art est né au Royaume-Uni en réaction, à la fois positive et critique, au consumérisme de l'époque. Son objectif était de mettre la culture populaire au même niveau que la culture dite de haut niveau.

Le collage de Richard Hamilton Qu'est-ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes, si attrayantes ? est largement considéré comme le point de départ de ce nouveau style non conventionnel.

Les œuvres de pop art se distinguent par leur imagerie audacieuse, leurs couleurs vives et leurs sujets apparemment banals. Les praticiens ont cherché à remettre en question le statu quo, en rompant avec l'élitisme perçu de l'expressionnisme abstrait qui dominait auparavant et en prenant position sur les événements actuels. Les autres caractéristiques clés du pop art sont l'appropriation d'images et de techniques issues de la culture populaire et commerciale, l'utilisation de différents médias et formats, la répétition des images et de l'iconographie, l'incorporation d'objets banals provenant de publicités, de dessins animés et d'autres médias populaires, la dureté des bords et le traitement ironique et spirituel des sujets.

Bien que les artistes britanniques aient lancé le mouvement, ils ont rapidement été éclipsés par leurs homologues américains. Le pop art est peut-être plus étroitement identifié avec l'artiste pop américain Andy Warhol, dont l'appropriation intelligente des motifs et des images a contribué à transformer le style artistique en un style de vie. La plupart des artistes américains les plus connus associés au pop art ont débuté dans l'art commercial (Warhol a réalisé des dessins fantaisistes en tant que passe-temps pendant ses premières années en tant qu'illustrateur commercial), une expérience qui les a aidés à fusionner la haute culture et la culture populaire.

Roy Lichtenstein est un autre artiste pop de premier plan, actif aux États-Unis. À l'instar de Warhol, Lichtenstein a puisé ses sujets dans les médias imprimés, en particulier les bandes dessinées, produisant des peintures et des sculptures caractérisées par des couleurs primaires, des contours audacieux et des points en demi-teinte, éléments appropriés à l'impression commerciale. Recontextualiser une image de bas étage en l'important dans un contexte de beaux-arts était une marque de fabrique de son style. Des artistes néo-pop comme Jeff Koons et Takashi Murakami ont rendu encore plus floue la frontière entre art et culture populaire.

Le pop art s'est imposé en grande partie grâce au travail d'une poignée d'hommes créant des œuvres sans émotion et distantes - en d'autres termes, stéréotypées comme masculines. Cependant, il y a eu de nombreuses femmes artistes pop importantes, comme Rosalyn Drexler, dont les contributions significatives au mouvement sont reconnues aujourd'hui. Principalement connue pour son travail de dramaturge et de romancière, Mme Drexler a également créé des peintures et des collages reprenant les thèmes et les caractéristiques stylistiques du Pop Art.

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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