Peinture Russe Contemporaine

Mihail Chemiakin est né à Moscou en 1943, a grandi dans l'Allemagne de l'Est occupée et est rentré en Russie en 1957 où il a été admis au lycée spécial de l'Académie des arts de Leningrad. Chemiakin a été renvoyé de l'école d'art pour ne pas s'être conformé aux normes du réalisme socialiste et, de 1959 à 1971, il a exercé diverses fonctions en tant qu'ouvrier. Chemiakin a été soumis à un traitement obligatoire dans un établissement psychiatrique, ce qui était un moyen habituel de traiter les dissidents idéologiques à l'époque. Pendant cinq ans, Chemiskin a travaillé dans l'équipe d'entretien du musée de l'Ermitage. En 1967, Chemiakin fonde le groupe de Saint-Pétersbourg et développe la philosophie du synthétisme métaphysique, dédiée à la création d'une nouvelle forme de peinture d'icônes basée sur l'étude de l'art religieux de tous les âges et de tous les peuples. En 1971, Chemiakin a été contraint de quitter l'URSS par les autorités soviétiques. Chemiakin s'est d'abord installé en France, puis a déménagé à New York en 1981. En 1989, le retour de l'œuvre de Tchemiakine dans la Russie post-communiste a commencé avec la première exposition de son œuvre dans ce pays depuis son exil. Par la suite, Chemiakin a continué à y exposer ses œuvres et a installé trois monuments à Petersbourg, à Pierre le Grand, aux victimes des répressions politiques et aux architectes et bâtisseurs de Saint-Pétersbourg. À Moscou, l'ensemble sculptural de 15 figures de Chemiakin, Children - Victims of the Sins of Adults, a été commandé par le maire de Moscou, Yury Luzhkov, comme cadeau à la ville et inauguré en 2001. À Londres, la sculpture de Chemiakin commémorant l'ambassade de Peters le Grand en Angleterre en 1698, se dresse sur les rives de la Tamise. À New York, Cybele de Chemiakin, la déesse de la fertilité se dresse sur Prince Street à SoHO. Une sculpture de la série Carnaval à St Petersal est exposée en permanence à Paris et une version de Pierre le Grand fait partie de la collection du Château de Vascoueil - Musée Michelet en Normandie, France. Les recherches entamées dans les années 1960 sur l'art de tous les âges et de tous les peuples ont abouti à une collection de millions d'images classées par catégories techniques, historiques et philosophiques, qui a valu à Chemiakin cinq doctorats honorifiques et constitue la base de son Institut de philosophie et de psychologie de l'art. L'amour de Chemiakin pour le théâtre s'est traduit par une nouvelle mise en scène du ballet de Tchaïkovski, The Nutcracker, dont la première a eu lieu au théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg le 12 février 2001 et qui a été accueillie avec enthousiasme par le public et la critique. Chemiakin travaille sur un large éventail de supports et sur des thèmes allant du théâtral au philosophique, créant des séries telles que Carnaval à Saint-Pétersbourg, Nature morte, Têtes métaphysiques, Anges de la mort et, plus récemment, Biosphères et une composition sculpturale de 50 figures, The Death of Kings. Les œuvres de Chemiakin figurent dans les collections permanentes de nombreux musées, dont le Metropolitan Museum (New York), la State Tretyakov Gallery (Moscou), le State Russian Museum (Saint-Pétersbourg), le Sao Paolo Museum of Art (Brésil), le Musée d'art moderne de la ville de Paris, Yad Vashem et le Musée d'art moderne de Tel Aviv, ainsi que dans des musées plus modestes en Russie et aux États-Unis.

Les premières décennies du XXe siècle ont été une période de bouleversements artistiques, avec l'art moderne des mouvements tels que le cubisme, le surréalisme, le futurisme et le dadaïsme remettant en question des siècles de vision traditionnelle de ce que devrait être l'art. En utilisant abstraction, des formes expérimentales et des techniques interdisciplinaires, les peintres, sculpteurs, photographes, graveurs et artistes de la performance ont tous repoussé les limites de l'expression créative.

Des expositions majeures, comme l'Armory Show de 1913 à New York - également connue sous le nom d'"Exposition internationale d'art moderne", dans laquelle des œuvres comme le radicalement angulaire Nude Descending a Staircase de Marcel Duchamp ont fait sensation - ont remis en question la perspective des spectateurs et des critiques et ont annoncé l'arrivée de l'art moderne aux États-Unis. Mais c'est au XIXe siècle que l'esprit révolutionnaire du mouvement prend forme.

La révolution industrielle, qui a introduit de nouvelles technologies et de nouvelles conditions culturelles dans le monde entier, a transformé l'art, qui était essentiellement commandé par les riches ou l'église, en une œuvre qui répondait à des expériences personnelles. Le style impressionniste est apparu dans la France des années 1860 avec des artistes comme Claude Monet, Paul Cézanne et Edgar Dega qui ont rapidement peint des œuvres capturant des moments de lumière et de vie urbaine. À la même époque, en Angleterre, les préraphaélites, comme Edward Jones et Dante Gabriel Rossetti, ont emprunté à l'art de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance pour imprégner leur art de symbolisme et d'idées modernes de la beauté.

Issu de ce bouleversement du statu quo artistique, l'art moderne est allé plus loin dans le rejet des conventions et l'adoption de l'innovation. L'héritage audacieux des grands artistes modernes Georges Braque, Pablo Picasso, Frida Kahlo, Salvador Dalí, Henri Matisse, Joan Miró, Marc Chagall, Piet Mondrian et bien d'autres continue d'influencer la culture visuelle d'aujourd'hui.

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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