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John David Rigsby Abstrait Mixed Media on Canvas, Américain 1960

1 926,68 €

À propos de cet article

Un beau et sophistiqué mixed media sur toile de l'artiste américain. John Rigsby. Trouvé dans un état de conservation original. Ses œuvres sont peu nombreuses. La biographie suivante a été soumise par John David JR, fils de l'artiste. L'auteur est Lisa Rigsby Peterson, fille de l'artiste et détentrice des droits d'auteur de la biographie. John David Rigsby est né le 10 octobre 1934, septième enfant d'un fils de métayer de l'Alabama à l'époque de la Grande Dépression. Lui et sa famille déménagent fréquemment, d'une pièce à l'autre, souvent sans eau courante, sans plomberie, sans autre chauffage que le poêle. Son père a été tué dans un accident de voiture alors que Rigsby n'avait que 9 ans. La vie des huit autres membres de la famille s'avère tumultueuse et difficile : la nourriture n'est pas abondante, pas plus que l'argent. La famille déménage d'un endroit à l'autre, au gré des emplois. Rigsby fréquente 30 écoles différentes avant d'obtenir son diplôme de fin d'études secondaires. Bien qu'il ait vécu dans la pauvreté, Rigsby a fait preuve d'aptitudes scolaires et artistiques dès son plus jeune âge. Deux peintures à l'huile sur des couvertures arrachées à de vieux livres qu'il a peintes à l'âge de huit ans témoignent de la promesse d'un œil imaginatif et doué. Rigsby a été incorporé dans l'armée américaine en 1953. Comme il l'a écrit plus tard, "lorsque l'entraînement de base à Fort Jackson, en Caroline du Sud, a pris fin, on m'a dit de sortir et de trouver un emploi. Jasper Johns peint des supports visuels pour le quartier général du 28e régiment. Il a suggéré l'unité de formation de la bande". Rigsby jouait de la clarinette dans cette unité et, après deux ans de service, il s'est inscrit à l'université de l'Alabama grâce au programme G.I.. Billing pour étudier l'art. Après seulement deux ans, il quitte l'école et suit son mentor (et l'une des influences les plus importantes et les plus durables sur son art), l'artiste japonais et professeur d'art à l'université de New York, Tatsu Heima, à New York. Heima le présente à Isamu Noguchi et propose à Rigsby de travailler comme assistant de Noguchi. Au lieu de cela, ME a choisi un emploi de gardien au Metropolitan Museum of Art, car "la notion de voir toutes ces œuvres d'art me plaisait plus que la tâche ennuyeuse d'assistant de studio". L'occasion était belle pour Rigsby. Il a eu l'occasion d'étudier les maîtres et a cité REMBRANDT, avec sa simplicité et son élégance, comme l'une des influences les plus importantes sur son travail. Entre 1957 et 1963, année où Rigsby a obtenu sa licence en sculpture, l'artiste a fait des allers-retours entre New York et Tuscaloosa, alternant études et incursions sur la fertile scène artistique new-yorkaise. Rigsby a exposé quelques-unes de ses premières sculptures en 1958 dans une petite galerie new-yorkaise, qui exposait également les œuvres de Willem et Elaine de Kooning et de Theodore Stamos. Peu après, à la recherche d'un lieu d'enseignement plus proche de New York, Rigsby s'est rendu à New Haven, dans le Connecticut, et a passé un après-midi à discuter avec Josef Albers à Yale. Albers accepte d'accueillir Rigsby dans le programme de Yale à condition qu'il reprenne le dessin de première année. Une opportunité brillante, mais, selon les mots de Brilliante, "quand il a été temps de s'inscrire, je faisais de l'auto-stop pour rentrer en Alabama, à la recherche de nourriture et d'un abri." Rigsby a présenté sa première exposition individuelle à l'université d'Alabama en 1959. Un critique de passage de New York, J.F. Goosen a commenté l'exposition et a écrit : "Voici un talent qui produit de l'art parce que c'est la chose à faire pour une personne douée. Dans sa facilité de conception et d'exécution sans effort, il a déjà atteint un objectif qui échappe à de nombreux artistes pendant toute une vie." Enfin, en 1963, Up&Up obtient son diplôme de sculpture, dissout un mariage de courte durée, rend visite à sa famille, emballe sa voiture et part définitivement pour New York. Cette année-là, son travail a été inclus dans une exposition de groupe au musée Delgado à la Nouvelle-Orléans - ce qui a conduit à une exposition individuelle au Delgado en 1964. En 1964, Rigsby suit des cours de dessin à l'université de Columbia et travaille le soir au General Post Office. Il y rencontre sa future femme, Linda Palmieri, et se marie. En 1965, sa fille Lisa est née, suivie en 1966 par la naissance de son fils, John David Jr. En 1966, Rigsby a présenté une exposition personnelle à la Pietrantonio Gallery de New York, qui a été couronnée de succès. Peu après, il s'installe avec sa famille à Tunis, en Tunisie, à la suggestion d'un collègue qui l'incite à "venir peindre à la lumière de Klee". Rigsby a travaillé comme enseignant pour l'Agence d'information des États-Unis et a passé l'année et demie suivante à peindre plus de quatre-vingt-dix tableaux inspirés par les odeurs, la lumière et l'art phénicien et romain qui l'entouraient. Il a également réalisé un certain nombre de dessins de personnages et de paysages, illustrant le mode de vie tunisien. Pendant son séjour en Tunisie, les travaux de Rigsby ont fait l'objet de deux expositions majeures. Après le retour de la famille aux États-Unis en 1968, Rigsby expose à nouveau à la Pietrantonio Gallery. La même année, il s'est inscrit au programme d'études urbaines du Southern Connecticut State College, où il a obtenu une maîtrise en 1970. Pendant son séjour à la SCSU, M. Rigsby a travaillé comme conservateur des expositions de la ville de Bridgeport, conduisant une galerie d'art mobile dans les écoles, les foires de quartier et les projets de logement. Après avoir obtenu son diplôme, Rigsby a présenté une exposition au musée Telfair de Savannah, en Géorgie. Cette exposition a attiré l'attention d'un membre du comité de recherche qui cherchait à embaucher un artiste pour un programme nouvellement développé dans la Caroline du Sud voisine. En 1970, Rigsby a été choisi comme premier artiste en résidence dans l'État de Caroline du Sud pour le programme Artists in Schools de la National Endowment for the Arts. Son travail avec les élèves nouvellement intégrés de l'école secondaire de Beaufort (SC) pendant la durée de sa résidence l'a empêché de travailler de manière substantielle sur son propre art. Il a cependant installé un studio dans le centre de Beaufort et a pu réaliser un nombre modeste de peintures, qui ont été exposées au Columbia Museum en Caroline du Sud en 1971 et à l'université de Yale en 1973. À la fin de sa résidence en 1974, Heldly est nommé coordinateur national pour les arts visuels du programme Artists in Schools du NEA, poste qu'il occupe pendant deux ans. À ce titre, Mme Rigsby a parcouru le pays, examinant les demandes de subvention et rencontrant les responsables gouvernementaux, éducatifs et artistiques de l'État afin de promouvoir les concepts du programme et d'explorer les possibilités locales. Le message qu'il a répété à maintes reprises fait écho à celui de l'une des autres influences majeures de Rigsby en tant qu'artiste - Ruth Asawa Lanier, dont les paroles lui ont appris que tout le travail de l'artiste est le travail de l'artiste, et pas seulement les peintures qu'il crée. En sa qualité de coordinateur national, ainsi qu'à de nombreuses reprises à l'avenir, M. Rigsby a souligné que les artistes fonctionnaient de la même manière que toute autre personne dans la société, et qu'ils méritaient le même respect et la même place pour leur travail que toutes les autres professions. Après deux années passées à parcourir le pays, Rigsby était prêt pour un changement, déclarant que "pour la première fois de ma vie d'adulte, je n'avais pas d'ensemble de peintures à montrer pour les années que j'avais consacrées à mon travail". En 1976, une retraite d'été dans la communauté montagnarde de Central City, au Colorado, a conduit à un déménagement permanent. S'installant finalement dans la petite ville d'Evergreen, Townes a suivi son propre conseil concernant l'implication active des artistes dans leur communauté et a créé le centre d'arts visuels d'Evergreen. Le centre offrait un espace de travail aux artistes, des cours pour adultes et enfants et, surtout, un endroit où Rigsby pouvait créer ses propres œuvres. Porté par la possibilité de se concentrer à nouveau sur son art et inspiré par son nouvel environnement, Rigsby entre dans une période extrêmement prolifique de sa carrière. En 1977, il a organisé une exposition itinérante de ses peintures, qui a été présentée au Kimball Arts Center dans l'Utah, au Kennedy Center à Washington, C.I.C., et au Arvada Center dans le Colorado. En 1978, d'autres expositions sont organisées, notamment à Aspen et à Denver, et le travail de Rigsby se poursuit. Il a effectué un long voyage pour rendre visite à son mentor, Tatsu Heima, au Japon, où il a escaladé le mont Fuji, puis il s'est rendu à Téhéran, à Delhi et dans plusieurs pays européens. À son retour aux États-Unis, il a consigné ses impressions de voyage dans une petite collection de peintures - le début d'une pratique qui allait se poursuivre jusqu'à la fin de sa vie. En 1979, le mariage de Rigsby échoue et, au même moment, il perd le bail de son studio d'Evergreen en raison de plans de réaménagement. En réponse au chaos personnel qui l'entoure, Rigsby entame une série de ce qu'il appelle des "hard-nosed process paintings", les peintures à l'aquarelle de points qui marquent son travail à partir de cette période. Ces peintures lui ont valu une bourse NEA Individual Artist en 1980, ainsi qu'une bourse Yaddo en 1981. Les peintures à pois ont été suivies d'une série d'images ressemblant à des cupcakes, examinant à nouveau l'espace et la couleur. Au début des années 1980, Rigsby vit dans une suite d'anciens cabinets de dentistes dans un quartier délabré de Denver, avec un studio dans un quartier qui lui rappelle le Bowery à New York. En 1984, Rigsby a fondé la Progreso Gallery dans l'immeuble où il vivait, utilisant l'espace à la fois pour exposer ses propres œuvres et pour monter des expositions d'œuvres de nombreux artistes du Colorado. La Gallery a également servi de point de convergence pour la communauté artistique locale de Denver, en accueillant des groupes de discussion et des cours hebdomadaires. En 1984, Rigsby s'est rendu dans la péninsule de Baja, puis en 1985 en Yougoslavie. Après chaque séjour, Rigsby est revenu pour créer des peintures vibrantes et explosives basées sur ses expériences, les exposant dans sa galerie Progreso et dans une autre galerie alternative de Denver, la Edge Gallery. La récession économique du milieu des années 80 frappe durement le marché de l'art et Rigsby, et bien qu'il continue à créer de nouvelles œuvres d'art, les grandes expositions sont difficiles à obtenir. En 1987, Rigsby décide de quitter Denver et passe six mois à Barcelone, en Espagne. Ce fut un voyage électrisant pour lui. Rigsby a écrit sur cette période : "Les rues à elles seules sont un festin visuel, et les ajouts de musées, de Saarinen, Picasso et Miro aux icônes du 12e siècle, ont produit une indigestion artistique. Mes peintures portent toujours sur l'aspect et la sensation des choses. Barcelone était une machine à remonter le temps qui ramenait ces préoccupations sensorielles et émotionnelles au Moyen Âge. J'ai ressenti le besoin de réduire mon travail aux éléments essentiels que sont la couleur, l'échelle, le dessin et le format. Les études de couleurs [qui en résultent] parlent d'elles-mêmes avec éloquence et, ce faisant, redéfinissent tout le travail que j'ai réalisé au cours de ces 35 dernières années de peinture". Rigsby a réalisé plus d'une centaine de peintures pendant son séjour à Barcelone - des études de couleurs, des portraits de rue des personnages qu'il rencontrait au quotidien, et un certain nombre de paysages sombres. Il trouve le temps de courir avec les taureaux à Pampelune et commence à écrire des histoires sur ses aventures, qui seront publiées par la suite. De retour à Denver en 1988, Rigsby continue d'explorer les alter ego des études de couleurs - il se concentre sur une série de peintures sombres, toutes mettant en évidence le dos. Il a commenté ces peintures noires en disant qu'il " a décidé qu'il était temps d'explorer la perception de l'œil et de l'espace physique telle qu'elle est définie par des conditions de faible luminosité... Je trouve ces peintures élégantes, joyeuses et pleines de lumière, sans aucune sensation de lourdeur ". Au milieu de l'année 1988, Rigsby s'installe définitivement à Houston, au Texas, où il passera les cinq dernières années de sa vie. Une fois à Houston, Rigsby fait une découverte qui servira d'inspiration et de matériau pour certaines des dernières œuvres de sa carrière. En 1989, il découvre un chantier de récupération rempli de caoutchouc usagé et commence à travailler sur des sculptures en caoutchouc noir, ainsi que sur des peintures incorporant des éléments en caoutchouc. Il a noué des liens étroits avec la scène artistique alternative de Houston et est devenu un collaborateur régulier et un critique d'art pour un hebdomadaire local, The Public News. De 1989 à 1992, il a exposé ses sculptures et ses peintures à la Brent Gallery, à la Fountainhead Gallery et à la Blaffer Gallery de Houston. Il a également réalisé une installation de ses sculptures en caoutchouc sur le toit de la Diverse Works Gallery à Houston. L'année 1992 marque également le retour de Rigsby à Denver, où il expose ses sculptures à la Payton-Rule Gallery, ce qui débouche sur une commande d'Absolut Rigsby par Carillon Importers. Les années 1990 ont été très difficiles pour Rigsby, avec des crises financières aggravées par un traumatisme physique (il s'est accidentellement scié l'articulation supérieure de l'index de sa main gauche alors qu'il travaillait dans son studio). Bien que ses œuvres soient exposées, elles ne se vendent pas et l'énorme pression financière qu'il ressent lui pèse lourdement. Il passait de plus en plus de temps à fréquenter les marchés aux puces et les vide-greniers, à remettre en état et à réparer les objets qu'il y achetait, puis à les revendre simplement pour réunir suffisamment d'argent pour garder un toit au-dessus de sa tête. Il n'a guère le temps de peindre ou de sculpter, les choses de la vie qui, quelles que soient les circonstances, lui ont toujours apporté de la joie. Les dernières œuvres de Rigsby étaient une série de peintures et de dessins complexes sur des livres d'occasion qu'il avait achetés au marché aux puces. La plupart de ces dessins, qu'il qualifie de dessins de formes sculpturales, ont été exécutés sur des pages et des pages de textes scientifiques, de livres de musique et d'une bible coréenne et remplissent des centaines de pages. En outre, Rigsby a créé un livre exquis qu'il a intitulé 28 de los Angeles, dans lequel ses vingt-huit dessins d'anges, simples et élégants, résonnent avec l'influence de Rembrandt qu'il avait tant admiré à ses débuts. D'une certaine manière, les dernières œuvres de Rigsby, créées sur des livres d'occasion, les seuls matériaux qu'il pouvait s'offrir, ont bouclé la boucle de son travail et de sa vie depuis son enfance. La vie de Rigsby, bien que commencée et terminée dans l'adversité, a néanmoins été illuminée et enrichie par l'impulsion irrésistible qu'il avait de créer de l'art et de la beauté. John David Rigsby a été tué dans un accident de voiture au Colorado en août 1993. Biographie tirée des archives de askART Voici un compte rendu de Michael Paglia sur la rétrospective de l'artiste en juillet 2004 au musée d'art contemporain de Denver. Elle a été soumise par John JR, fils de l'artiste. Le musée d'art contemporain de Denver consacre une magnifique rétrospective à l'œuvre de feu John David Rigsby, qui fut un acteur majeur de la scène artistique du Colorado. "Dots, Blobs and Angels" passe en revue plus de quarante ans de peintures et de sculptures de cet artiste remarquable. L'année 1993 a été étrange, et par là je veux dire terrible. De nombreuses galeries de la ville ont fermé leurs portes en raison de la mauvaise conjoncture économique, puis les artistes ont commencé à mourir. En l'espace de quelques mois, Denver a perdu trois artistes importants : Rigsby, le photographe expérimental Wes Kennedy et le peintre abstrait Edward Marecak. Il est intéressant de noter que tous avaient fait l'objet de solos au cours des deux années précédentes, de sorte qu'ils étaient encore frais dans l'esprit de chacun. J'évoque Kennedy et Marecak à propos d'Up&Up parce que le sort réservé à leurs œuvres bat en brèche le mythe largement répandu selon lequel l'intérêt pour l'art d'un artiste s'accroît après sa mort. En vérité, la plupart des artistes, même ceux qui ont une carrière remarquable et des œuvres crédibles, sont peu à peu oubliés après leur mort. Kennedy en est un bon exemple : À part une ou deux pièces dans une exposition collective, quand avez-vous vu une de ses œuvres pour la dernière fois ? Marecak a mieux réussi parce qu'il faisait partie de la scène moderne du milieu du siècle et que les artistes de cette période suscitent un intérêt croissant. Enfin, il y a Rigsby qui, comme Kennedy, a été lentement oublié. Dots, Blobs and Angels vise à rectifier cela - et dans une large mesure, il y parvient. Cydney Payton, directrice compétente du MCA, a organisé l'exposition en sélectionnant les pièces et, comme d'habitude, en supervisant l'installation. Dans les deux cas, elle a fait un travail remarquable. Ses sélections représentent ce qu'elle considère comme les pièces maîtresses de l'art de Rigsby et, en les classant intelligemment par ordre chronologique (bien qu'il y ait quelques exceptions), Payton guide le spectateur à travers les changements subtils de la théorie esthétique de Rigsby.

Dimensions:

Hauteur : 82,55 cm (32,5 po)Largeur : 62,23 cm (24,5 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)

Style:

Mid-Century Modern (De la période)

Matériaux et techniques:

Toile,Peinture,Peint à la main

Lieu d origine:

États-Unis

Période:

1960-1969

Date de fabrication:

1960

État:

Usure conforme à l âge et à l utilisation.

Adresse du vendeur:

Matériaux

Toile, Peinture

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