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Cornelius Johnson
Raro ritratto giacobiano su pannello Lady Elizabeth Wheeler nata Cole 1623 Storico
1623

Name: Raro ritratto giacobiano su pannello Lady Elizabeth Wheeler nata Cole 1623 Storico
Brand: Cornelius Johnson
Price: 22685.52 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (7 reviews)

24.391,46 €

Informazioni sull’articolo

Raro ritratto giacobino di Lady Elizabeth Wheeler (nata Cole), 1623 Attribuito a Cornelius Johnson (1593-1661) Questo rarissimo olio su tavola, presentato da Titan Fine Art, si è rivelato molto più di un anonimo "Ritratto di signora". Conservato in condizioni eccezionali - la sua superficie conserva un'eccezionale nitidezza nei pizzi e nei tessuti - è stato solo di recente ricongiunto all'identità della persona che lo ha indossato: Elizabeth Cole (1607-1670), in seguito Lady Elizabeth Wheeler, una gentildonna di Westminster la cui vita successiva la portò al servizio reale come lavandaia di Sua Maestà. Questa combinazione di alta qualità, sopravvivenza fuori dal comune, un nuovo personaggio identificato e una vita che si interseca direttamente con gli ultimi atti di Charles Fr̩chon fanno sì che questo ritratto rientri in una categoria di autentica rarità. Non si tratta semplicemente di un bellissimo ritratto giacobino; è un documento storico riscoperto, leggibile e avvincente. Il personaggio è presentato a mezzo busto su un fondo scuro, racchiuso in un contorno ovale dipinto e scolpito che funziona come una cornice architettonica. Questo espediente, in voga negli anni Venti del Cinquecento, concentra l'attenzione dello spettatore e accresce il senso di presentazione sociale: il personaggio appare fisicamente e simbolicamente "a parte", come se fosse visto attraverso una raffinata apertura. La forza immediata del ritratto, tuttavia, risiede nel costume: un insieme di sorprendente modernità per il 1623 circa e reso con una precisione che sopravvive con notevole nitidezza. Indossa un abito verde intenso, una vestaglia aderente con maniche aperte, sopra una giacca di lino finemente ricamata (un indumento a corpetto/giacca irrigidito). Le maniche formano delle "ali" pronunciate sulla spalla, un dettaglio di moda strutturalmente deciso dei primi anni '20 che allarga la silhouette e segnala la raffinatezza. Sotto lo strato verde, la giacca di lino bianco è riccamente decorata con ricami dorati. I lavori di oreficeria sono disposti in forme foliate a scorrimento - Looping, viticci arricciati e punteggiati da stippling simili a semi - organizzate in scomparti equilibrati sul corpetto e sulle maniche. I motivi sono forme botaniche stilizzate con terminali arrotondati simili a frutti ed elementi di foglie: non un naturalismo letterale, ma un'abbondanza controllata. La tecnica è descritta con straordinaria intelligenza, imitando il filo metallico accoppiato attraverso segni "cuciti", mentre piccoli punti e brevi tratteggi creano un vivace luccichio tattile. Questa giacca ricamata si trova sopra un grembiule o una sopragonna a vita alta e trasparente di nuova tendenza. Il tessuto traslucido cade in morbide pieghe verticali e si articola con strette fasce bordate di pizzo, dando alla gonna un ritmo frizzante di alternanza di strisce trasparenti e fantasia. Al collo, una raffinata gorgiera incornicia il viso: una struttura disciplinata di lino plissettato rifinita con un delicato pizzo. Sul busto sono drappeggiate in diagonale lunghe catene d'oro, dipinte in modo da suggerire il peso e il luccichio metallico; esse fungono sia da ornamento che da ulteriore segno di status. L'effetto cumulativo è quello di un lusso controllato: la donna non è sovraccarica di Jewell, ma è vestita con tessuti il cui costo e la cui lavorazione parlano in modo inequivocabile. L'identificazione del recente seduto si basa su un'analisi araldica e genealogica: le armi mostrate sul dipinto corrispondono a quelle registrate per diverse famiglie nelle fonti araldiche, ma quando le linee di discendenza vengono testate in base alla sopravvivenza e alla cronologia, il portatore valido entro il 1623 si risolve in Cole e, soprattutto, nel ramo di Londra. Questa risoluzione è importante perché ancorerà il ritratto a un mondo sociale molto specifico: La nobiltà di Londra/Westminster e l'amministrazione della Corona, l'ambiente in cui il ritratto serviva come strumento sociale e di auto-modellazione. La recente identificazione del personaggio (il ramo londinese della famiglia Cole) non è semplicemente genealogica, ma ha implicazioni dirette sulla paternità. Una famiglia mercantile o una famiglia civica con sede a Londra avrebbe avuto facile accesso ai principali artisti immigrati, familiarità con le convenzioni di esposizione araldica e i mezzi per commissionare oli su tavola, ancora standard tra i pittori di formazione olandese. In questo contesto, l'iscrizione dell'età e la data del ritratto diventano particolarmente rivelatrici. Il dipinto indica che il seduto ha diciannove anni. Tuttavia, la nascita di Elizabeth Cole nel 1607 suggerisce che sarebbe più giovane se il ritratto fosse datato già nel 1623. L'intuizione chiave è che l'età "sbagliata" non è intesa come un errore ma come un adattamento sociale deliberato, una dichiarazione performativa piuttosto che documentale. La spiegazione più convincente è quella strategica. I ritratti di donne nubili di alto rango venivano spesso realizzati in occasione di trattative matrimoniali. All'inizio del 1620, il futuro marito di Elizabeth, William Williams, risiedeva all'estero a Middelburg, nella Zelanda, nella Repubblica olandese. Se un ritratto doveva sostenere o facilitare l'incontro con un uomo colto e ambizioso - "un uomo di cultura e di lettere" - allora presentare una diciassettenne come diciannovenne la riposizionava sottilmente come più matura e più vicina a un coetaneo, Wheeler che aveva circa ventidue anni. Il ritratto diventa così uno strumento di alleanza, non una semplice somiglianza: un'immagine pensata per persuadere, rassicurare ed elevare. Questa lettura si allinea perfettamente con le condizioni generali del periodo. I primi anni Venti del XVI secolo in Inghilterra furono carichi di ansia e aspettative: L'ultimo regno di Giacomo I fu segnato dalle fazioni di corte, dalle tensioni diplomatiche e dalle pressioni del conflitto europeo. Il cosiddetto "mercato dell'arte" era inseparabile da queste dinamiche. La ritrattistica fiorì perché aveva molteplici funzioni: fissava il lignaggio, pubblicizzava l'alleanza, segnalava la disponibilità al matrimonio e proiettava la stabilità delle famiglie d'élite in un mondo incerto. Per le famiglie di Westminster il cui potere derivava dalla carica, la ritrattistica era anche una dichiarazione di appartenenza, la prova che le élite amministrative possedevano lo smalto culturale tradizionalmente associato al rango aristocratico più antico. La vita successiva di Elisabetta conferma l'impressione di stabilità del ritratto. Sebbene non esistano documenti relativi alla cerimonia di matrimonio con William Williams, i testamenti suggeriscono che lo avesse già sposato a metà degli anni '30 del XVI secolo, e ci sono forti motivi - coerenti con le implicazioni del ritratto - per ritenere che l'unione fosse già in atto all'inizio degli anni '30 del XVI secolo, forse anche prima. Wheeler stesso si alzò rapidamente. Nel 1639 possedeva un maniero a Westbury Leigh, nel Wiltshire, e chiese una lettera di diniego a causa della sua nascita all'estero, che gli permise di candidarsi come membro del Parlamento per Westbury. L'anno successivo, in concomitanza con la sua elezione, affittò il maniero principale di Westbury. Nel servizio governativo divenne Remembrancer of the Exchequer e ricoprì la carica durante i cambi di regime, a testimonianza della sua abilità amministrativa e del suo pragmatismo politico. È Elizabeth, tuttavia, a rendere questo ritratto eccezionale. Divenne lavandaia di Sua Maestà, responsabile del lavaggio e della supervisione della biancheria personale del Re: un ufficio che, nonostante la descrizione domestica, richiedeva una fiducia, una discrezione e un accesso fuori dal comune. Il suo ruolo diventa visibile nel 1643 quando le viene concesso un mandato firmato dal Presidente della Camera dei Comuni per seguire il Re a Oxford con il suo servitore dopo lo scoppio della Guerra Civile. Continuò a prestare servizio durante la prigionia del Re dopo il 1646 e nel Castello di Carisbrooke nel 1647 lei e la sua cameriera furono coinvolte nel contrabbando di corrispondenza segreta da e per Charles I, al servizio dei piani di fuga. Dopo il fallito tentativo di fuga del Re nel marzo 1648, la donna fu allontanata, ma la fiducia del Re persistette: gli fu permesso di inviare i suoi gioielli rimanenti in uno scrigno d'avorio. Più tardi, al Castello di Hurst, lui richiese nuovamente la sua presenza e lei rimase parte della ristretta cerchia che lo circondava nei suoi ultimi mesi di vita. Alla vigilia della sua esecuzione, l'intimità di questa fiducia raggiunge il punto più toccante. Il Re inviò un messaggero a casa di Elisabetta a Cannon Row con un anello; lei a sua volta consegnò l'armadietto sigillato che aveva custodito, contenente i gioielli e le insegne della Giarrettiera spezzate. Charles aprì la scatola e distribuì i gioielli ai suoi due figli più piccoli. Poche donne al di fuori della famiglia reale possono dimostrare di essere state così vicine a questi ultimi atti della tragedia di Stuart, e ancora meno sono quelle che si sono conservate nella ritrattistica con questo livello di qualità e immediatezza. I suoi ultimi anni confermano la sua importanza. Wheeler fu bandito durante l'Epurazione dell'Orgoglio e brevemente imprigionato, ma in seguito mantenne la carica; nel 1657 ricevette un cavalierato da Cromwell, rendendo Elisabetta ufficialmente "Lady". Dopo la Restaurazione, la sua precedente lealtà fu riconosciuta: fu sostituita come lavandaia nel 1661 e promossa a Dama della Camera Privata in qualità di straordinario della Regina Caterina. Sopravvisse al marito di quattro anni e fece testamento nel 1670 come Lady Elizabeth Wheeler di Westminster. La questione della paternità è illuminata dalla stessa matrice di prove che ha permesso l'identificazione del personaggio: data, formato, tecnica e clientela. L'attribuzione più convincente del ritratto è quella di Cornelius Johnson (Cornelis Janssens van Ceulen I), il più importante ritrattista londinese dell'epoca che si rivolgeva proprio a questa classe di clienti - nobili metropolitani e famiglie legate alla Corona che volevano ritratti costosi, moderni e moralmente composti senza scadere nella teatralità aristocratica. Diverse caratteristiche sono in linea con la pratica di Johnson all'inizio del 1620. In primo luogo, il supporto e la presentazione: l'olio su tavola, combinato con il contorno ovale dipinto, è fortemente caratteristico della produzione di Johnson in questo decennio. Mentre altri pittori a volte utilizzavano finti ovali, Johnson li impiegava con particolare regolarità e raffinatezza, spesso abbinandoli a supporti per pannelli che premiavano una finitura fine e lineare. L'ovale del nostro ritratto non è una vignetta casuale; è un dispositivo architettonico consapevolmente "scolpito", modellato tonalmente per suggerire profondità e sostanza. Questo senso di presentazione controllata e studiata - né puramente decorativa né puramente illusionistica - si adatta molto bene alla maniera londinese di Johnson. In secondo luogo, la gestione della carne: I ritratti di Johnson si distinguono ripetutamente per una modellazione fredda, simile alla porcellana, con una pennellata minimamente visibile e un'enfasi su transizioni morbide e continue piuttosto che su piani fortemente scolpiti. In questo ritratto la pelle dell'intervistato è costruita da sottili variazioni tonali, soprattutto intorno alla mascella, alla bocca e alla parte inferiore della guancia, producendo un effetto di morbidezza giovanile senza sentimentalismi. I lineamenti sono tranquilli ma attenti; la bocca è piccola e riservata; gli occhi sono posizionati con cura e illuminati in modo uniforme. Si tratta di un registro psicologico che la Johnson predilige costantemente: una calma autosufficienza interiore, ideale per una giovane donna da sposare presentata come raffinata, ferma e socialmente fluente. In terzo luogo, l'intelligenza tessile: Johnson è uno dei pittori di costumi più esigenti della sua generazione. In questo caso, la gorgiera di pizzo è costruita con una ripetizione disciplinata e una definizione nitida dei bordi; la catena d'oro è descritta attraverso evidenziazioni controllate e un impasto denso; e, cosa più sorprendente, il ricamo non è reso come una vaga decorazione dorata, ma come un sistema leggibile: rotoli, punti a seme e motivi disposti con simmetria e ritmo. Questo è importante: il pittore non si limita a "suggerire" il lusso, ma dimostra di comprendere come vengono realizzati i tessuti di lusso e come catturano la luce. Questo tipo di autorità descrittiva è uno dei punti di forza principali di Johnson e uno dei motivi per cui si rivolgeva così fortemente ai mecenati londinesi che volevano che i loro costosi tessuti fossero registrati con fedeltà. Quarto, la logica sociale: La clientela di Johnson si inserisce nel mondo rivelato dall'araldica e dalla biografia. Una famiglia londinese/collegata alla Corona di Westminster che commissiona un raffinato ritratto matrimoniale di una figlia all'inizio degli anni Venti del XVI secolo è esattamente il tipo di situazione di mecenatismo che ha prodotto più volte le migliori opere di Johnson. In questo senso, l'attribuzione non è solo una questione di "stile", ma di adattamento: il dipinto assomiglia a ciò che i committenti di Johnson chiedevano e si comporta come ciò che il suo studio produceva in modo affidabile: raffinato, moderno e socialmente calibrato. È comprensibile che un tempo si pensasse che il quadro appartenesse alla cerchia di Gilbert Jackson, perché Jackson opera in un territorio visivo simile, fatto di sfondi sobri e costumi alla moda, e le attribuzioni dei catalogatori scelgono spesso il nome più familiare. Ma più il dipinto viene studiato da vicino, soprattutto con le fotografie macro, meno questa designazione soddisfa. I ritratti di Jackson presentano più spesso una modellazione più pesante ed enfatica del viso e una gestione meno integrata dei dettagli, con pizzi e ornamenti che tendono a essere letti come passaggi più morbidi e generalizzati piuttosto che come una costruzione nitida e metodica come quella che si vede qui. In genere c'è anche una temperatura psicologica leggermente diversa: I seduti di Jackson possono apparire più fissi o dichiarativi, mentre la presenza di questo seduto è controllata ma tranquillamente reattiva in un modo più caratteristico di Johnson. In breve, Jackson rimane un confronto "sul campo" ragionevole, ma non spiega la combinazione di pannello + finto ovale + raffinata finitura della carne + precisione tessile + logica mecenatistica londinese con la stessa coerenza di Johnson. La carriera di Cornelius Johnson spiega perché sia stato possibile realizzare un ritratto di questo livello. Nato a Londra da una famiglia di origine olandese, portò alla ritrattistica inglese un approccio disciplinato e addestrato dagli immigrati alla finitura e alla descrizione. Divenne uno dei pittori più richiesti dalla nobiltà e dall'élite professionale e in seguito lavorò anche per mecenati di alto rango. Il suo dono particolare era quello di conferire ai seduti un'aria di dignità e permanenza senza ricorrere alla bravura: i suoi ritratti sono controllati, leggibili e socialmente persuasivi, esattamente le qualità che un padre che commissionava un ritratto matrimoniale avrebbe apprezzato. Presi insieme, questi elementi spiegano perché questo dipinto si distingue. Offre la rara combinazione di una datazione sicura, una conservazione eccezionale, una cospicua documentazione sulla moda e un personaggio la cui biografia successiva è storicamente straordinaria: una donna che è passata dalla strategia familiare di Westminster e dalla negoziazione del matrimonio al servizio domestico più intimo di un re e che è rimasta abbastanza vicina alla persona reale da farsi affidare gioielli e segreti fino alla fine. Per i collezionisti e le istituzioni, è proprio questa ricchezza stratificata - visiva, sociale e storica - combinata con la pura qualità del ritratto, che lo rende non solo desiderabile ma anche veramente importante. Misure: Altezza 95,5 cm, Larghezza 77,5 cm incorniciati (altezza 37,75", larghezza 30,5" incorniciati)

Creatore:
Cornelius Johnson (1593 - 1661, Britannico)
Anno di creazione:
1623
Dimensioni:
Altezza: 95,5 cm (37,6 in)Larghezza: 77,5 cm (30,52 in)Profondità: 7 cm (2,76 in)
Tecnica:
Olio,Pannello
Movimento e stile:
Antichi maestri
Periodo:
XVII secolo
Condizioni:
Le condizioni sono ottime e può essere appeso e utilizzato immediatamente. Il dipinto è stato sottoposto a una rigorosa valutazione delle condizioni da parte di un conservatore professionista prima di essere messo in vendita.
Località della galleria:
London, GB
Numero di riferimento:
1stDibs: LU1199117402972

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